La música es del aire, por suerte

El Flaco Luis

2012-01-23T20:45:00.002-03:00

No hay mucho nuevo que decir de Spinetta por estos días. Todos aquellos que nos sentimos tocados por su varita mágica, ésa de las palabras imposibles, los acordes aún más imposibles y la dulzura etérea que muchos consideran soporífera -puedo comprender que a alguien le aburran sus discos solistas de los últimos 20 años, pero si no te gusta Almendra no tenés sangre papá- pensamos casi diariamente en él desde que un medio gráfico digno del grupo de medios que proviene lo obligó a hacer público el padecimiento de una enfermedad que está en el mundo sólo para romper las pelotas y quitarnos a gente valiosa.

Spinetta a esta altura es como un familiar, los que lo queremos nos sabemos la fecha de su cumpleaños y sentimos esa afinidad parental con el Flaco Luis -a lo sumo Luisito; nunca Luis Alberto: decirle así es de idiota-, ese señor que nos cambió la vida con su voz y un arte comparable a cualquier gran artista revolucionario de otras latitudes. Quien escribe siente que Spinetta no palidecería ante Paul McCartney, Dylan o el que le quieran poner enfrente; él está a la altura de todos esos y hasta quizá su mundo sea aún más peculiar y definible -¡e indefinible a la vez!- que el de otros monstruos de su peso y categoría.

Pensándolo un poco, puedo llegar a una conclusión: lo que más me conmueve del arte de LAS es su armonía, aquellos acordes únicos que te rompen la mano, ése don para dibujar arpegios imposibles, el misterio de un sonido que sólo encontramos en sus canciones y quizá no volvamos a oir ni sentir en las manos nunca más (¡ni siquiera en otra canción de su autoría!). Y arribo a esta conclusión sabiendo que, sí, sus textos-poesías-letras-líricas o como se le quiera decir también son únicas, hay una sola canción en el universo todo que incluye la palabra "recircule" y la compuso este flaquito frágil de Belgrano. Pero las palabras, más o menos, las comprendemos e interpretamos (si queremos) todos, todos tenemos la capacidad de leer y deducir y no llegar a ninguna conclusión... La música es más misteriosa aún, no todos la ejecutamos y, aunque la podamos escuchar, esconde en sus formas una profundidad abstracta que afecta -digo yo- aún más que el sonido de una palabra (aunque la palabra sea "magma" o "proserpina" o "alba" o "tajo"). Si alguien junta letras e inventa una palabra muy probablemente esté diciendo cualquier cosa, pero todavía hay sonidos que nos pueden impactar y sorprender y en eso de combinar, jugar y sorprender, Luis es rey. Con sus lánguidas séptimas mayores, sus quintas aumentadas, su incógnita sonora eterna y sus vueltas interminables...

Por eso, esperamos que el Flaco se recupere pronto: por él, porque alguien que dio tanto amor merece que toda esa energía y ese mundo de belleza, vuelva en salud. Y porque necesitamos de su aire para que toda la vida tenga música hoy. ¡Salud, Maestro!

Charlas con músicos: Walas de Massacre (pt. 2)

2011-12-26T16:39:00.001-03:00

Segunda y última parte de la charla con Walas. Antes que nada, cabe destacar que Ringo fue elegido en la encuesta del suplemento No de Página/12 -donde se cuentan los votos de 150 músicos- como el mejor disco del año 2011. Por lo cual podemos decir que marcamos tendencia sacándolo a W. unos días antes que ellos (?).
En esta vuelta que les sirvo, el frontman de Massacre se explaya en sus pensares políticos; nos cuenta las vicisitudes de su oficio de poeta rockero y; antes de rajarse a tocar, reflexiona sobre el pasado y el futuro inmediato de su poderosa banda, la cual -por lo que afirma- tiene mucho camino por delante.
Espero que les guste, creo que quedó linda.

LOS KIRCHNER, EL PERONISMO Y LOS ARGENTINOS

Te quería hacer algunas consultas respecto a un par de letras de Ringo. La primera es sobre Muerte al faraón y su connotación política. Has hablado bien de Kirchner en varios shows y entrevistas, le has dedicado algún show...
Sí, a él y a Cristina. Los recontra voté a ellos, los recontra banco, me encanta la figura del matrimonio, me encanta.

¿Te gustan por eso?
Me encantan por la figura del matrimonio porque nosotros tuvimos dos patriarcas y matriarcas que son Evita y Perón. Y hoy en día ellos son un poco eso puesto al día. Hoy, Evita y Perón no resistirían ni cinco minutos de análisis político mientras que los Kirchner sí. Y Muerte al faraón es una oda -a los Kirchner, o a Néstor, lo estoy tocando tangencialmente-, un himno de apoyo a la nueva militancia y a la nueva participación social. A los pibes que en mi generación no existían, nosotros éramos una generación...

¿Apolítica?
Sí, o sea: la generación mía tenía un tinte político porque lo que celebrábamos era la recuperación de la democracia, la caída de los militares... Buenos Aires, cuando yo era chico y empecé a tocar, era como la sucursal de lo que fue el post-franquismo en Madrid; entonces celebrábamos esa libertad y demás. Después vino un tipo, un chabón que dijo “las ideologías han muerto”, nos impuso eso y así estuvimos en los ’90: empobrecidos a nivel cultural, con el polimodal, mirando a otros intereses que siempre eran materiales y demás. Y que Néstor haya venido y haya dicho “chicos, armen centros de estudiantes, armen -no sé- La Cámpora o lo que sea”, habla muy bien.
Un tipo al que no le importa tener oposición, que se la banca y no le importa “armar” -si querés- enemigos, se la banca en el juego democrático y en el juego social. Entonces Muerte al faraón es un poco eso. Puntualmente, ¿sabés lo que es? Los chicos que el año pasado se le plantaban al gobierno de la ciudad y le decían “loco, si no me ponés una estufa, te tomo el colegio y me quedo a dormir”. Donde dice “es una piba”, me refiero a la directora del centro de estudiantes del Nacional de Buenos Aires. Y bueno, es eso, la celebración de la nueva militancia desde un tipo que creció en una generación con miedo a todo. Qué sé yo, nosotros fuimos punta de lanza de la resistencia, pero...

Pero más por otro lado quizá.
Sí, y fuimos poquitos, nuestra generación en realidad le tenía un cagazo a todo... veníamos de los milicos. Y por eso me encanta que haya pibes y chicas que se le planten al poder y le digan “loco, dale”.

Me sorprende también que el disco se llame Ringo y tenga un tema dedicado a Bonavena. No sé si me resulta raro porque los asocio más a la cultura del skate... ¿Te gustaba el boxeo de pibe?
Me gustaba el boxeo... no me gustaban demasiado los deportes en equipo, nunca funcioné en equipo, siempre fui individuo. Por eso me gustaba el skate; el boxeo también: salís solo a la cancha a pelear y no dependés ni de que uno te pase la pelota ni de que otro te la saque. Puede tener que ver con eso. Y el homenaje a Ringo es acercarnos a lo simple, a lo cercano, a lo cotidiano.

Y es un poco peronista también...
Seee, seee (¡así los dice!).

¿Lo pensaste por ese lado?
(Piensa unos segundos) Sí (risas). Nosotros hemos hecho homenajes: Estamos en problemas de El mamut es eso también, es la Plaza de Mayo con los bombardeos. Un día es de democracia y de sol, otro día tiran bombas... Me encanta homenajear el cómo somos los argentinos, ver cómo somos, hijos de tanos y de gallegos... ¡somos geniales! (Risas).
¿Sabés que pasa? De chico, como amaba el skate, estuve mirando demasiado a Norteamérica, a California. Y ahora que estoy más grande me doy cuenta de que nosotros somos geniales. Somos hijos de Cortázar, no de anglosajones sino de tanos y de gallegos. Tenemos otras necesidades, otras pasiones, somos más sanos y más felices que los yanquis y los anglosajones. Y nos vienen garcando durante décadas, por lo cual somos más pobres y en definitiva con horizontes más cortos y más felices.

Por eso Ringo, bien argentino.
Sí, Ringo es eso, decir ya está: ya me cansé de alabar al skater, a los Beatles, a los psicodélicos (risas). Me dan ganas de hacerle una letra a un chabón que vive a diez cuadras de mi casa.

EL INDIO SOLARI Y LA POESÍA-ROCK

Hace poco nombraste como tus referentes poéticos dentro del rock a Lou Reed, Patti Smith y el Indio Solari. Me sorprendió la mención al Indio...
Dentro de los que agarran guitarras y hacen poesía-rock, sí, son mis tres referentes.

¿Pero vos eras de escuchar a los Redondos?
¡No, nunca! ¡Jamás!

¿Y por qué pasó eso, que tengas tal consideración?
Y, porque considero que el tipo tiene una pluma... es el dueño de unas frases y unos conceptos y unas imágenes que son tan sublimes, que ya está, que trascienden a la mera poesía-rock. La poesía-rock es a lo que me dedico yo y la considero un género menor, esto lo hablo con amigos escritores y demás. Como me dedico a ella y soy recontra inseguro...

¡Te gusta tirarte abajo!
Exactamente. Igual no es un género menor, porque es mucho más complejo tener que estar al servicio de una métrica que te pone un punto, un deadline claro que son tres compases y terminar las frases con E y con A, es mucho más difícil que un tipo que escribe sobre un papel y el único límite que tiene es el margen, como la prosa o como la poesía. Por eso no es un género menor.

Y además la llegada que tiene, ¿no?
Sí, la llegada que tiene porque va en un vehículo que se llama viola, o batería, o bajo. Pero en realidad decir una frase que contenga, que diga, que comunique y que encima termine juuusto en el compás donde la bata hace “pá”, ¡y que encima termine con E! ¡Es dificilísimo, boludo! (Risas).

Y más hacer una carrera con eso, de tantos discos.
¡Claro! Yo te digo que es un género menor pero en realidad es dificilísimo, mucho más que un tipo que agarra y dice “¿qué tengo acá? Una hoja y una birome”. Listo, y entonces hago una imagen bárbara y termino donde quiero, freno donde quiero. En cambio, tener que terminar justo cuando la bata hace “pá” es bárbaro. Y los referentes, los que hicieron cosas buenas en ese formato y en ese vehículo son Dylan, Donovan, Patti, el Indio ni hablar... Entonces yo soy un pichón de eso y quiero ir aprendiendo a hacerlo cada vez mejor. Quisiera ser cada vez un mejor letrista. Todas las letras del grupo las hice yo, desde Massacre Palestina -cuando era chiquito- que soy el comunicador.

MASSACRE: EN RETROSPECTIVA Y MIRANDO AL FUTURO

¿Cuál considerás que es el mejor disco de la banda?
Ahí me tengo que sumar a la opinión de los críticos y de la gente: está el que dice que el mejor disco es uno de los ’90... No sé, la verdad es que no sé. No sé si decirte por discos sino por temas, a mí me gusta decirte “mirá esta letra, mirá este tema”, no sé si por disco.

¿Y cuál sería el mejor tema de Massacre?
A mí me encanta uno de El mamut que se llama Clavos y globos, que es una bestialidad y transmite un momento de mi vida que es tan tan tan desgarrador... ése me encanta.

¿Es el que le mostrarías a alguien que no conoce a la banda?
¡¡¡No, no, no!!! ¡No se lo mostraría ni loco! (Muchas risas). Porque es absolutamente terrible (Más risas).

¿Y cuál le mostrarías a alguien que no los conoce?
Qué sé yo... nosotros somos una banda jodida, depende quién sea, a quién se lo tenga que mostrar. Hay temas que son estribillo-estrofa, estribillo-estrofa y final; y otros temas son sucesiones de partes que nunca se repiten. Es como la cita, viste: salgo con una chica que no sé qué, salgo con otra chica que no sé cuánto...

¿Tienen pensado hacer un Obras o algún show grande próximamente?
Sí, el año que viene ya sacamos Ringo a la cancha, es un disco que salió hace re poco, con lo cual va a estar en la cancha en el 2012. Apenas tiene un corte de difusión, un solo videoclip, así que ahí van a entrar Obras, el Luna Park... Ringo es un disco de 2012 aunque ya entre en las encuestas y las estadísticas de este año.

¿El próximo corte cuál va a ser?
Estamos viendo, hay de todo. El disco es súper variado, súper elástico, podés elegir lo que quieras...

El deseo podría ser un corte seguro, ¿no?
Sí, es un corte seguro... pero para el invierno; ahí toca el tecladista de Las Pelotas.

[Lo vienen a buscar porque ya tiene que salir a tocar, recordarán que llevamos a cabo esta charla en la previa de un show. Walas consulta: -¿Toca Massacre ya?]

Tenemos que cortar, preguntame algo más: 'Walas, ¿blanco o tinto? (Risas). ¿Boxer o slip?' (Más risas).

Te hago esta última que creo que está buena para terminar: ¿sentís que representás a Massacre y que el grupo podría seguir si pierde a otro integrante, por ejemplo Pablo? ¿Podrían seguir llamándose Massacre?
¡Qué pregunta buenísima, boludo!

Te cagué, ¿no? (Risas).
Qué pregunta hermosa... (Piensa). No, mirá: yo asumo, lo dije y lo digo, que Massacre es un conjunto de individualidades, de criterios, de caracteres, de gustos musicales. Pero soy consciente de que Massacre somos cuatro tipos sobrios y un locazo que soy yo, ¿entendés? Ellos son cuatro tipos que, si querés, a nivel artístico y a nivel perfil, son cuatro Radiohead. Y yo soy un suicida, un bestia, un kamikaze que me tiro. Soy un bocón: la punta de la lanza, el tipo que sale vestido de mina, que dice barbaridades, que bardea a otros artistas (risas), que me mando al incendio, mientras los otros son… tranquilos.

Por eso: los sobrios son los que se pueden cambiar, no el loco... Massacre sin vos no existiría, partamos de esa base.
No, sin mí no existiría.

Y supongamos que viene un día Pablo y te dice “me voy”, ¿qué pasa?
Nooooo, yo sin Pablo no haría nada. Sin Pablo Mondello, que lo conozco de chiquito, mi compañero del colegio Mariano Moreno, que cuando yo venía con Dead Kennedys y con hardcore -con Wasted Youth, Black Flag y Minor Threat- el tipo venía con progresivo, con Genesis, con Yes, con Van der Graaf Generator... Nos amamos y nos enamoramos mutuamente sin gustarnos una cosa del otro, los discos que ponía Pablo con guitarristas virtuosos a mí no me interesaban y a él supongo que tampoco le interesaría Black Flag. Sin embargo hoy en día nos revalorizamos y yo digo “¡gracias a dios me crucé con este tipo cuando éramos chicos!”. Y él dice lo mismo: nos necesitamos, nos queremos mutuamente, recíprocamente.

La respuesta a mi pregunta, entonces, claramente es un “no”.
La respuesta es no. La mejor formación de Massacre es esta formación 2011, lejos. Digo “un, dos, tres, va” y es una bomba atómica; y nos llevamos bárbaro, no tenemos luchas de egos, no tenemos hoguera de vanidades (risas), no tenemos competencia a ver quién sale en la foto y quién no, quién dice y quién no. Nos equilibramos perfectamente.

Bueno, me alegro. Ya nos tenemos que ir, ¿algo más para decir?
Eh, no... (Risas). ¡Feliz año, felices fiestas!

¡Salud!

[Textos: Tucho.
Fotos: Gonzza Iglesias y Flo Filiberti.
Ingeniería psíquica: Madi Elorza, Fede Ruiz y Teté Creidy.
Se agradece a todos ellos y -nueva y finalmente- a Miriam Maidana, Eugenia Tavano y el Duende].

Charlas con músicos: Walas de Massacre (pt. 1)

2011-12-21T14:40:00.001-03:00

Otro honor para La música es del aire llega justo sobre el cierre del año, casi como un regalo para las Fiestas.
Hace tiempo venía persiguiendo la idea de charlar con Walas pero me parecía difícil llegar a él; al menos eso creía por una cuestión de magnitudes: que era casi imposible llevar a cabo esta charla que hoy les presento. Todo se dio gracias a la intervención de Miriam Maidana, amiga virtual de LMEDA y amiga real de Walas, que fue quien me ayudó para que esto sea posible. Eugenia Tavano fue el contacto al que me derivó Miriam y quien dio la estocada final para que todos ustedes puedan leer esta charla con Guillermo Cidade.
Ellas dos no saben cuánto se los agradezco, aunque haya sido repetitivo al respecto.

En fin, el domingo tocó Massacre en XLR de San Miguel, mi ciudad, y pude hacerme presente para estar cara a cara y durante media hora, con ese personaje único del rock argentino. Un loco maravilloso que se muestra amable y freak en público y que, cuando charlás con él, se entrega con facilidad y te cuenta sus problemas, miedos, gustos, culpas, pasiones, mambos y deseos con una soltura envidiable. Es él arriba y abajo, sencillamente.
No me gusta hacer mucho prólogo a estas charlas con músicos pero en este caso cabe aclarar cómo se dio todo: éramos cinco personas (dos amigos que vinieron a ayudar con las fotos, Walas, el Duende -productor de Massacre- y yo) en la camioneta de doble -¿o triple?- cabina del grupo, a oscuras y urgidos por un show que podía arrancar en cualquier momento, casi sin verle la cara al protagonista pero a la vez mano a mano; todo mientras afuera los pibes andaban en skate, ya que el show estaba anunciado como festival skater y antes de Massacre tocaban cuatro bandas. En el patio trasero del lugar estaba dispuesta la pista, al costado hicimos la nota.

Bajó Walas, lo saludamos y fuimos directo para la camioneta. Vio mi remera con la portada de Marquee moon de Television y rompió el hielo, cuestionando un poco en broma un poco en serio, como hace en los shows: "Ése disco, ¿es genial o es una mierda". Prendí el grabador y arrancamos, mientras él seguía explayándose sobre Marquee moon:
-Es obligatorio que te tiene que gustar, ¿no? Como que está impuesto que te tiene que gustar sí o sí. Me encanta el género, el pre-punk: Talking Heads, Television, Patti Smith, Electric Chairs, los New York Dolls. El otro día lo puse... y te digo la verdad, a mí ya no me meten en ningún molde, ni estético, ni ético. Entonces, a mí me gustan las cosas que me gustan de verdad, o no. Y este disco es un disco que tiene ocho temas, lo puse y dije comercialmente es un plomo. No tiene ningún hit, no es como los discos de Blondie o de los Ramones, que tocaban a la par en el CBGB y que son todos temazos, todos hitazos, todas composiciones geniales... (Silencio y muchas risas).

Pero te gusta igual.
Sí, me gusta, me gusta. No sólo este disco, Tom Verlaine solista también. Peeero, tampoco me parece... maravillante. ¿A vos te gusta o te estoy hablando al pedo?

Me encanta. Es mi disco favorito.
¡Ah, bueno! (Risas).

RINGO. LA PRESIÓN, EL ÉXITO Y EL ENTRETENIMIENTO

¿Se sentían presionados mientras armaban Ringo? ¿Laburaron tranquilos?
Teníamos una presión, sí, autopresión y presión de afuera. Autopresión nunca tuvimos nosotros porque siempre fuimos artistas libres, hicimos y grabamos lo que quisimos y bueno, después que le guste o no a la gente es independiente a lo que hacemos. Pero en este caso sí tuvimos presiones propias, internas. Y también externas: no de la discográfica sino de la prensa, de los periodistas que nos preguntaban “después de tanto éxito y tantos premios con El mamut, ¿van a estar a la altura?”.

¿Y eso lo sentían?
La verdad que lo sentimos, nunca nos pasó en toda nuestra carrera porque nosotros siendo artistas de culto hacemos lo que se nos da la gana, te repito. Y es la primera vez que sentimos la responsabilidad de tener que estar a la altura de cumplir con alguien, ¿viste? De cumplir con más gente, de cumplir con críticos... De cumplir con una cosa que tiene que ver con el entretenimiento.
A nosotros nunca nos había pasado esto de entrar en un circuito que es el circuito de los festivales, del éxito, del mainstream. Entonces, ahí entra en juego una cosa que nosotros no entendíamos y no estábamos preparados para jugar, que es el entretenimiento. Nosotros siempre fuimos artistas de culto, y qué quiere decir ser artistas de culto: que el público viene a ver lo que ya conoce de los discos... (Se ríe).

Y punto.
Y punto. Entonces no tenés la responsabilidad de tener que hacer un hit, o temas que armen un espectáculo.

¿Y ahora sentías que tenías que hacer un hit?
Ahora sí. No que teníamos que hacer un hit en particular, sino que entran en juego otro tipo de cosas, ésas que yo defino como “el entretenimiento”. Está el arte y el entretenimiento, nosotros siempre nos mantuvimos en el plano del arte.
Cuando estás en los festivales, donde hay un sponsor que te convoca -que es la gaseosa no sé qué o la cerveza no sé cuánto o las zapatillas no sé cuánto-, vos sabés que tocás para tu público. Yo sé que cuando toco antes de Marilyn Manson hay una cantidad de gente que conoce mis canciones y mis discos, puedo tocar lo que sea y ellos lo conocen. Pero después, toda la gente que está atrás no los conoce, entonces tenés la obligación -o la responsabilidad- de hacer algo para ellos; y no sólo para ellos sino para el crítico que tampoco te conoce y está con la birome esperando decir cómo fue el recital de Massacre.

Les cambió la realidad.
Nos cambió la realidad pero estuvimos a la altura, fijate lo que son las críticas. Agarrá la Rolling Stone de ahora... eso es buenísimo. Una cosa que me enorgullece y me pone contento es que, de alguna manera sin saberlo y sin aprenderlo, supimos jugar en las dos canchas: la del rock artístico y la de dar un espectáculo, de tocar 10 o 15 temas antes de Marilyn Manson y que después el crítico diga que estuvo bueno. De hecho, boludo, tocamos el otro día con Sonic Youth y varias bandas más y hubo un escenario donde tocó Massacre y El Mató. Y fijate lo que son las críticas, los comentarios y demás.
Entonces, me alegra saber moverme en las dos canchas, garpar en la del arte y garpar a nivel espectáculo y entretenimiento. Porque ser Joy Division es una cosa y lo hicimos durante muchos años, pero después plantarte en un escenario donde hay treinta mil personas esperando que vos toques diez temas y los conmuevas de alguna manera, ¡y lograrlo!... La verdad que está bueno. Y es lo que hicimos con El mamut y también con Ringo.

LA CULPA DE SER UN GANADOR

¿Se están acostumbrando a ese mundo todavía?
Yo no me acostumbro nunca. Me doy cuenta ahora, final del 2011, que nunca me acostumbro. Y me doy cuenta de que tengo que ir a terapia porque me hace ruido jugar en el mainstream, me hace ruido el éxito...

¿Te pasa eso porque te reconoce la gente por la calle, por ejemplo?
Qué sé yo, no sé, todavía lo estoy analizando bastante con mis amigos confidentes, con los terapeutas... A mí me hace ruido que me paguen ahora por hacer una cosa que haría gratis.

¡¿Sí?!
¡Y sí! Que venga una marca como Jack Daniels y me diga “loco: vení, tocá diez temas y te garpo”... Y yo lo haría gratis de todas maneras, ¿entendés? Un tipo al que le gusta la pesca no va a esperar que le paguen para ir a pescar. ¡Es más, pone guita! Para ir hasta Chascomús, comprar la carnada y qué sé yo. Entonces yo me dedico a esto que lo amo y lo hice siempre por nada, siempre gratis y ahora...

Bueno, pero no está 'mal'.
No, no está mal...

¿Y entonces cuál es el dilema que tenés?
Que yo soy un tipo que fue criado, primeramente, en el modelo de perdedor. Mis modelos siempre fueron perdedores, Ian Curtis... O sea, los que no los conocía nadie, los que tocaban en el CBGB y no metían gente. Y por otro lado fui criado en la mentalidad del laburante y entonces, vos, cuando laburás, ganás plata por algo que no te gusta hacer. Y si a mí me pagan por algo que me gusta me hace ruido, me mueve el bocho, me mueve la psiquis y tengo que terminar con culpas sociales... Yo fui criado por un tipo de San Francisco que se llama Jello Biafra, el líder de los Dead Kennedys. El tipo ese laburaba para las minorías, los imcomprendidos, los gays, todas esas minorías de San Francisco, y del mundo.

Te choca pasar de ser como tus modelos losers a ser un tipo ganador. Ésa es la lucha.
¡Exactamente! Me hace un poquito de ruido llegar a un lugar y que me digan “vení, subí al VIP, sacate la foto, sentate al lado de la modelo, de la ganadora”.

¿Y eso te está pasando siempre ahora?
Me está pasando y me estoy empezando a asimilar, a comprender... Igual la Tori, nuestra manager, el otro día me dijo “vos nunca vas a ser un burgués (risas). Por más que seas un millonario y vendas discos como Elton John siempre tenés la esencia del tipo de la calle, del croto”.

¿Y te alivió un poco?
Seee (risas). Todo lo que me dice la Tori me alivia porque siempre tiene la palabra justa, más que diez mil terapeutas.

LO QUE ENTRA, LO QUE SALE

Respecto de los temas que quedaron, ¿hicieron muchos, dejaron algo afuera?
Sí, nosotros siempre armamos una cantidad de temas para un disco y quedan siempre algunos afuera, pero no muchos. No somos de esos que dicen que hacen 50 temas y dejan 10, esos verrrrsos no se los creo a nadie, ni a Bowie ni al más prolífico. En nuestro caso hacemos un disco que tiene once o doce temas y quedan afuera dos o tres. Hay temas que entraron en el disco y no iban a entrar, por ejemplo Tanto amor, que fue el primero en salir a la cancha. Ése no iba a entrar.

¡El hit no iba a entrar! (Risas).
¡A mí no me gustaba ese tema! En realidad no es que no me gustaba: no le encontraba la vuelta. Hay temas que cuando aparecen entran de una porque tienen una fluidez y una naturalidad, ¡y a este tema yo no le encontraba la vuelta, boludo! Decía, “¿dónde está el estribo, dónde está la estrofa?”.

Claro, porque todas las partes son distintas.
¡Todas las partes son distintas! Y no tiene estribillo... por eso casi no entra en el disco. Y fijate que hoy en día es el primero que salió a la cancha, en YouTube ese tema tiene más de 200 mil visitas, la versión oficial.

¿Te estabas autoboicoteando ahí?
Mmm... No, sabés que no. No es el caso que dije “éste es un temazo, va a ser un hitazo” y lo dejé afuera. No me convencía por otras cosas, me decía “a este tema no le encuentro la vuelta, no sirve para nada”; la letra está linda, eso sí. Pero a la gente le encantó y eso está buenísimo.

[Textos: Tucho.
Fotos: Flo Filiberti y Gonzzalo Iglesias.
Ingeniería psíquica: Madi Elorza, Fede Ruiz y Teté Creidy.
Se agradece a todos ellos y, nuevamente, a Miriam Maidana, Eugenia Tavano y el Duende.
La semana que viene, la segunda parte.]

¡Adiós, Sanca!

2011-12-07T19:57:00.001-03:00

Hoy se despide una de las bandas más lindas que dio el under porteño en la última década. Lindo puede ser un adjetivo demasiado simplista y obvio, pero eso es Sancamaleón; y no me refiero a la facha de sus integrantes (no pienso juzgar la misma) sino a la belleza optimista de su música, a ese empuje irrevocable que tienen sus letras y a la fuerza de la banda y su música. La famosa energía positiva, buena onda, o como se le quiera decir, pero no como un signo de estupidez (no la buena onda costumbrista de los Pimpinela, por supuesto) sino como la guía para hacerse un espacio propio.

En diez años, los Sancamaleón sacaron tres discos muy parejitos, sin canciones de sobra y muy distintos el uno del otro. Cosecharon éxito en el tamaño que la década se lo permitió a grupos originales: cuando se proyectaban como una de las bandas under con más posibilidades de irse para arriba, el efecto Cromañón se los llevó puestos (paradójicamente, ese mismo día tocaban en Cemento, el otro antro del propietario del tristemente célebre boliche). Más allá de eso, cosecharon una audiencia (?) más que interesante y lograron rotación en los canales de música por sus excelentísimos videoclips.

Yo llegué a ellos por ahí, cuando Cancionero para niños sin fe estaba calentito y sus temas El camino y La venganza de la Pachamama rotaban en Much Music (siempre de la medianoche para arriba). Me parecían tan buenas ambas canciones que me arriesgué, como se hacía hasta tiempo antes de tener bancha ancha -o lo que sea en el hogar que permita bajar un disco-, y compré la única copia que había en el Musimundo de San Miguel.

Al tiempo los fui a ver, el disco resultó estar excelente como esas dos canciones; y con mi amigo Ari paseamos por San Isidro un par de veces hasta encontrar el teatro Stella Maris, donde los señores ancianos (propietarios) que lo atendían, te servían una cerveza de cuatro botellas distintas y luego de media hora de espera. También recuerdo algún show en La Trastienda que hoy los despide y en El Teatro de Colegiales.

Después de Cancionero sacaron Polenta y le dieron una vuelta de tuerca a su estilo, que pasó a oscilar entre canciones punkies con letras deformes y otras decididamente cancioneras. Quizá hubo mucha gente que no gustó del cambio, pero a mí me encantó el disco y me pareció una apuesta jugarse a algo distinto después del éxito, en la crítica y con la gente, del debut. Una de las primeras salidas que hice con mi (todavía) novia fue al show que hicieron en el ND Ateneo y, si mal no recuerdo, la excusa era presentar éste disco. El ambiente en sus shows siempre era familiar, tanto que nosotros dos estábamos mezclados entre los familiares del grupo (era un show importante en su historia como grupo y se ve que nadie se lo quiso perder): el señor mayor que estaba al lado nuestro no paraba de saludar al escenario, y el cantante devolvía los saludos como un nieto contento (nunca sabré si el parentesco era ese).

Para cuando sacaron Afuera, el último de sus álbumes, el blog ya tenía un tiempo y algunas entrevistas publicadas. Pude contactarme con Fede Cabral, su carismático cantante, y llevar a cabo una extensa charla (acá y acá) en la que sospeché que el final de la banda era inminente y confirmé que él era un pibe simple, espontáneo y simpático, tal como se muestra en los shows. Los primeros dos discos los había comprado, éste me lo regaló su autor.

Hoy dicen adiós pero nosotros los vamos a seguir escuchando y recordando como esa banda linda que mezclaba todos los géneros con eficacia y buen gusto, esos pibes que parecían amigos nuestros tocando arriba del escenario (aunque nuestros amigos no toquen así de bien) y esa gente sincera que decidió dar de nuevo y reformularse.

Que sea con éxito, Sancamaleones, ustedes sí se lo merecen.

Harrison

2011-12-01T15:02:00.000-03:00

Harrison. Ese señor que siempre tenía cara de serio, el que parecía inmutable pero en realidad llevaba la procesión por dentro (eso dicen). Harrison. Algo así como el mudo donde hablaba hasta el baterista, que siempre está lejos y atrás de todo. Harrison. Nos hacen acordar de él porque se murió y no porque casi todos los días por una u otra razón hablamos de los Beatles (pero se supone que ahora hablamos sólo de Harrison). Entonces: Harrison. “El compositor oculto”, una mentira que a esta altura de la vida no tiene sentido sostener, cuando tenía al lado a John y Paul. Harrison. Veintipico de temas con su grupo y discos solistas hermosos como All things must pass y Living in the material world. Harrison. Las cenizas esparcidas en la India. Harrison. El beatle denunciado de plagio después de influenciar y alegrar al mundo entero, algo así como un chiste de mal gusto, ganas de joder o ambas cosas combinadas en un acto desagradable. Harrison. Y los instrumentos que sonaban lindo, aunque fuera sólo una simple guitarra. Harrison. Slide. Harrison. La melodía de Norwegian wood replicada, como Paint it, black. Harrison. La voz casi igual a la de John, ésa que con los años aprendimos a identificar… porque leímos en los discos que esos temas los había hecho y los cantaba él y no la dupla Lennon / McCartney. Harrison. Y la segunda muerte trágica; de cuatro tipos que nos hicieron felices, uno murió asesinado por un infeliz y el otro devorado por un cáncer de mierda. Harrison. El tipo que le dejó su mujer a Eric Clapton porque le compuso un tema zarpado. Harrison. El que originó el supergrupo de pop / rock más groso que hubo (o al menos, muy difícil de igualar) porque quería poner ¡de lado B de un single! -para su disco Cloud nine- un temita con amigos. Harrison. No me molesten: declaración de principios o necesidad de paz temprana; como sea, hermosa manera de arrancar. Harrison. El que escuchaba pero no hablaba. Harrison. Siempre impasible, lánguido y duende, podría haber sido jockey de joven. Harrison. Las guitarras de la intro de And your bird can sing. Harrison. Something y la canción de los Beatles que te sigue matando (invierta el sentido literal, lector) cuando la escuchás... incluso a pesar de haber escuchado la versión en español de Sergio Denis. Harrison. Y el Concierto para Bangladesh con, otra vez, amigos que nunca vamos a tener. Harrison. Ni me acuerdo del día en que murió, tenía 15 años y todavía no escuchaba a los Beatles, apenas si sabía su nombre. Harrison. Los Beatles debe ser la única banda donde el bajista era el guitarrista y el guitarrista era el bajista; por personalidad. Harrison. Long, long, long, el tema que siempre olvido del Álbum blanco: si me lo preguntan ahora, no lo puedo tararear. Harrison. Guitarra vas a llorar y la traducción más pedorra del nombre de una canción en la historia de la música pop. Harrison. El copado que aparece en los Simpson y le señala a Homero dónde están los panquecitos; qué agradable sujeto. Harrison. Y el sol de la canción que es el sol, si me hago entender.

Harrison. Ocho letras de un apellido, y un genio que siempre vale la pena recordar aunque la fecha aniversario (horrible) haya sido anteayer.

Para escuchar en el día de la música

2011-11-22T23:29:00.002-03:00

Aprovechando que hoy es el día de la música, les traigo cuatro novedades del rock argentino: tres discos para llevarse de arriba sin culpa -pues nos los ofrecen sus propios autores para libre descarga- y otro que sorprende por su cercanía con un reciente lanzamiento del mismo autor (claro que los cuatro álbumes se pueden comprar si así lo desean. Yo, que soy un hombre ejemplar, lo haré).

La primera de las novedades -aunque en verdad no sea la más urgente de las noticias- es el disco (¿conceptual?) Los Ellos, un proyecto multigrupal que la gente de Concepto Cero viene preparando hace mucho tiempo y tiene como base la legendaria historieta El eternauta.
Como todo disco con variedad de artistas, hay temas que nos gustan más que otros (se destacan los composiciones de La Patrulla Espacial, Mostruo, La Perla Irregular y Excursiones Polares) pero se valora el original y ambicioso proyecto, que incluye mayoría de bandas de la ciudad de La Plata y una artística que se ve interesante desde las fotos y por la cual (además de las canciones, claro) vamos a comprar el disco. Si quieren probar, pueden descargar y/o comprar el disco completo desde aquí. (Y una nota más completa por acá).

La segunda y la tercera novedad van por el mismo carril: autores que nos ofrecen sus últimas producciones pasado un breve lapso de tiempo desde la edición de las mismas. Hablo de Nikita Nipone y Andrés Ruiz y sus excelentes álbumes El extranjero (salido a las calles a principios de este año) y Ruiseñor (fines de 2010).
Los Nikita exhiben su habitual desenfado pero más concentrados: sin tanta mixtura de sonidos y, probablemente, más rockeros que de costumbre. El disco de Andrés -reseñado aquí- es un compendio de canciones preciosas, media hora de bonitas armonías y melodías agridulces que se adhieren a la memoria. ¿Qué tienen en común estos sujetos? Ambos, grupo y solista, se enfocan en la búsqueda de la canción redonda luego de viajes por mundos más intrincados.

Pueden escuchar y descargar el disco de Nikita Nipone aquí; y el disco de Andrés por acá. Por si fuera poco, tanto NN como AR han subido el resto de su discografía a Bandcamp.

La última de las novedades es la más fresquita, tanto que todavía no la tengo en mis manos. Pero el compañero Litto Nebbia, de él hablamos, nos ha avisado que además de La canción del mundo -ese gran disco triple de salida reciente-, este año trae más buenas nuevas (y llegan casi de sorpresa). Es así que ya está disponible en Melopea 11 (vidas), disco que presenta su dúo compositivo con el poeta sureño Alfredo Lichter, unión que ya diera sus frutos en Canciones desde Península Valdés allá por el año 2002.
Para su disco oculto de este año, Litto invita a algunos de esos amigos: Rodolfo García, Gonzalo Aloras y Daniel Homer -entre otros músicos- colaboran en este nuevo proyecto de un tipo imparable que no jodía cuando nos aseveraba que no permite que le impidan seguir.

Por todo esto brindamos... y por que viva la música en todas sus formas y ámbitos. Busquen, compren, escuchen, disfruten.

Charlas con músicos: Manza Esaín (Valle de Muñecas), pt. 3

2011-11-16T22:49:00.002-03:00

Hemos llegado al final de la charla con Manza Esaín, voz cantante y guitarrista de Valle de Muñecas. En esta tercera parte, Mariano nos cuenta los pormenores del retorno del trío Flopa-Manza-Minimal, nos cuenta qué opina sobre su propia música -y devenimos en las posibilidades de difusión de un grupo under-; recuerda shows en el interior, planea giras y cierra con el mejor bonus track que hemos hecho hasta ahora: es tan melómano que, a la hora de elegir cinco discos que salvaría de un incendio, ¡no puede elegir y se desespera! Y por si fuera poco, como segundo bonus, le recordamos una frase propia para que se explaye en una explicación de su vida que nos encantó y quisimos poner como cierre.

FLOPA-MANZA-MINIMAL: AYER, HOY Y MAÑANA

Contame un poco cómo surgió volver con Flopa-Manza-Minimal el año pasado y por qué no estás ahora en el proyecto de los chicos.
Cuando el trío se separó en el 2004 estuvimos un poco distanciados. En algún momento las cosas se empezaron a recomponer, recuperamos la relación que teníamos antes y nos empezamos a ver de nuevo seguido y a compartir un montón de cosas. Sabíamos que era inevitable volver a tocar juntos y que en algún momento iba a pasar, hacía tiempo que estábamos compartiendo cosas y algún momento íbamos a coincidir.
Todos sabemos que Ariel es una persona híper prolífica, está todo el tiempo produciendo cosas y sacando discos: de él, de otro, grabando en el estudio, sacando un disco en vivo o compartido con otra persona. Y en cambio yo en particular necesito que el trío caiga en un hueco de las otras cosas que estoy haciendo. El año pasado fue Ariel el que lo propuso y justo fue un momento en el que me dieron ganas de tocar, entonces fuimos para adelante, pero el trío es un grupo que no tiene una continuidad. Depende de que los tres estemos con pilas para hacerlo y cuando sale está buenísimo, porque la gracia de ese grupo y la gracia que tuvo el disco fue que ninguno de los tres esperábamos nada.

Todo fue espontáneo.
Muy espontáneo, ésa fue la gracia. Fue un momento que coincidió de los tres, súper especial: se acababa de terminar Menos que Cero, yo estaba pensando en empezar Valle de Muñecas; Flopa no había grabado un disco con nadie; Ariel estaba a medio camino de la separación de los Cadillacs... fue un momento muy particular de los tres. Y me parece que eso surge de nuevo cuando surge, no hay que forzarlo y tenemos que estar los tres de acuerdo. Y cuando no estamos de acuerdo, Ariel y Flopa hacen shows ellos solos, o Flopa en este nuevo disco de Valle escribe conmigo las letras de dos canciones (Gotas en la frente y Cuentos para no dormir jamás), o sube a cantar con Pez... y así.
Hay un montón de cosas que compartimos y en algún momento vamos a volver a hacer shows los tres juntos, y a grabar juntos. Pero no sé cuándo, no lo puedo saber.

Cuando tenga que ser.
Cuando tenga que ser, sí. Somos grandes y cada uno hace lo que tiene ganas, si ellos tienen ganas de grabar un disco juntos ahora lo harán: yo en este momento estoy completamente absorbido por este disco y me parece que tiene que ser así, de hecho hace tanto que no saco un disco con la banda que me parece que se merece esa dedicación absoluta mía. Pasa por ahí.

Además, La autopista... iba a salir hace como un año.
Sí, pero hubo muchas cosas en el medio. Tampoco somos un grupo del cual todos vivamos y entonces hay que hacerlo rápido porque la compañía lo pide y sino “no hay difusión y no hay plata”. En realidad, lo que queríamos era que quede el mejor disco posible y es un disco del cual estoy orgullosísimo, me parece que es uno de los mejores discos que hice y eso es así -en parte- debido al tiempo que le dedicamos. Quizá fue un exceso... pero bueno, fue el tiempo que le pudimos dedicar y listo.

SU MÚSICA, LAS COMPAÑÍAS, LAS MOVIDAS INDEPENDIENTES

Lo que dijiste de la compañía me hizo recordar algo que pienso cada vez que escucho algunas canciones de ustedes que son potenciales hits: si sonaran en la radio pegarían. ¿Nunca vino nadie a ofrecerles algo?
Nosotros también lo pensamos, montones de veces, pero la verdad es que nunca vino nadie a decirnos nada. Con Menos que Cero hubo un aproximamiento pero se diluyó, nunca llegó a ser algo tan fuerte.

Estaba seguro de que me ibas a decir que sí. ¿Para los festivales tampoco les llegó nada?
No, tampoco. Hay gente que va a golpear la puerta y dice “necesito tocar acá”, yo la verdad que nunca fui. Después de un montón de años de carrera hay situaciones que son medio denigrantes y prefiero evitarlas, como ir a la oficina de un tipo que se dedica a armar grillas de shows y tener que explicarle a esa persona quién soy yo y qué hice antes de este disco. Me deprime. Me deprimiría porque sería como rebajarme porque si te dedicás a eso, tendrías que saber quién soy yo. Y bueno, no te pienso explicar, listo. No es una cuestión de dinero. Realmente me gustaría que la música que hacemos la escuche la mayor cantidad de gente posible, no tengo ningún problema con que un tema sea cortina de un programa, ponele.

No sos de los que se autoboicotean.
Al menos no conscientemente (risas). Hay gente que en su momento dijo que yo me boicoteaba porque separé Menos que Cero, o porque cambiaba mucho de formación. Por ser sincero con un montón de cosas, por ejemplo: no me gusta tocar con alguien con quien no me llevo bien. Hay un montón de grupos que siguen tocando y vos decís “pero si estos tipos se llevan como el orto, ¡¿cómo hacen para seguir tocando juntos?!”. O bandas que realmente laburan y viven de lo que tocan y es un trabajo para ellos, la amistad ya la perdieron hace años y permanecen juntos porque están alimentando a sus familias y a un montón de gente que labura con ellos.
Tampoco puedo opinar con certeza de eso porque nunca estuve en la situación de que dependa mucha gente de lo que yo toco. Quizá si estás en una situación así, decís “la verdad que no puedo dejar de hacerlo”. Pero en la situación en la que estoy, quiero tocar con los que me gusta tocar y eso es lo que disfruto de la banda en este momento.

¿Tendrían que darse muchas cosas para que, llegada una oferta, la acepten?
No sé... la verdad que no sé qué es lo que ofrecen las compañías ahora, habría que ver. Para mí es una música que tendría que escucharla un montón de gente. También es una cagada que no haya algo alternativo grande dando vueltas, que no haya un circuito de medios -de radios y revistas- realmente alternativo. O no sé, que no haya radios en las universidades que pasen una música distinta.

En La Plata quizá se dé un poco.
Sí, La Plata es una ciudad en la que se dan cosas, comparativamente con Buenos Aires, ¡porque en Buenos Aires en ese sentido no pasa nada! Pasan las cosas pero tampoco es que hay una cantidad de público espeluznante para eso. Sigue siendo algo reducido.

DE GIRA

¿Tienen planeada alguna gira de presentación del disco?
Tenemos planeado -aunque no esté todo arreglado- ir bastante al interior. Después de la presentación con Norma en Niceto -el pasado jueves 10 de noviembre- la idea es hacer una presentación importante, solos, en marzo o por ahí: hacer una Trastienda o un Niceto. Y hacerlo coincidir en el tiempo con algunas presentaciones por el interior: Córdoba, Rosario, Mendoza, lugares donde hay un montón de gente que le gusta la banda y cada vez que vamos está buenísimo.

La pasan bien cuando van.
Sí, excelente. La gente de cada lugar tiene distintas maneras de acercarse a la música y a uno, y es enriquecedor. En Córdoba el público es muchísimo más efusivo de lo que es en Buenos Aires... También lo que pasa acá es que al público uno ya lo vio un montón de veces, ya lo conoce, y vas a una ciudad en la que el otro no te conoce y hay un poco más de euforia. La gente está menos pendiente de si la están mirando o no, acá todo el mundo está preocupado por la imagen que da, y en otros lugares no les importa tanto eso.
Tengo en la memoria los shows que hicimos este año en Córdoba que fueron así, muy efusivos, hubo un feedback con la gente muy copado. Uno la pasa bien, la situación de viajar a tocar a otro lado... Son experiencias colectivas de la banda, pertenecen a la historia colectiva de Valle de Muñecas porque ya no somos pibes de 20 años, ya no salgo con los chicos del grupo jueves, viernes y sábado. Cada uno tiene su familia, su pareja o lo que sea y la situación de gira te hace convivir con el otro. Y eso me encanta.

¿Tratan de hacerlo lo más que pueden?
Sí, es bastante difícil porque la verdad que con los pasajes cuesta, son distancias muy largas y los transportes son carísimos.

BONUS TRACK: CANCIONES Y DISCOS

¿Qué canción de Valle de Muñecas le mostrarías a alguien que no conoce al grupo?
En este momento mostraría La soledad no es una herida, me parece que es la canción que define el estilo actual de la banda, es una conjunción de un montón de cosas que me gustan: la letra me gusta mucho, la base me parece contundente -tiene una línea de bajo que como hablábamos antes, es bien post-punk y me agrada- y hay un trabajo de guitarras con varios sonidos que se superponen por momentos. Me parece interesante cómo la terminamos produciendo y me parece linda la composición.

Representa el hoy.
Sí. Y después, si tuviera que elegir otra canción que disfruto mucho de tocar en vivo, Tormentas sería la elegida, por lo que siento en el momento de tocarla: es linda de tocar.

¿Y qué canción te gustaría haber compuesto?
Qué sé yo, es muy difícil...

Te doy un par...
¡¿Un par?! ¿Canciones de todo el mundo, de cualquiera? Vamos a hacer más fácil (se para y empieza a mirar discos). A ver... There is a light that never goes out de los Smiths. Esa ni la tuve que pensar (risas). Ever fallen in love de los Buzzcocks; Try a little tenderness de Otis Redding; No expectations de los Rolling Stones... y Common people de Pulp. Listo (risas).

A vos te di cinco, no te podés quejar. Mañana se te van a ocurrir otras cinco (risas).
¡Ya tengo un montón! ¡No distance left to run de Blur! (Más risas).

¿Y cinco discos?
Cinco discos... No sé, hay que pensar mucho... (Carcajadas).

Es más fácil discos que canciones, ¿o no?
Pero dejaría muchísimos afuera, ¡dejaría tantos afuera! (Mira de vuelta los discos, se ríe, suspira).

No mires, cerrá los ojos y elegí. ¿No te sale ni uno?
¡Me salen un montón pero no sé si están entre los cinco! (risas). El primero de Violent Femmes, que se llama Violent Femmes. El primero de Flying Burrito Brothers. El primero de Jarvis Cocker.

Te gustan los primeros discos veo.
Beggars banquet de los Rolling Stones, Please please me de los Beatles...

Ya llegaste a cinco...
Bueno, yo te digo varios y vos después hacé la selección. Surfer rosa de los Pixies; Psychocandy de Jesus & Mary Chain; el de Neil Young que tiene Heart of gold, creo que es Harvest; Marquee moon de Television; Blank generation de Richard Hell; In the city de The Jam; y Nevermind the bollocks de los Pistols...

¡Listo, ya está! (Risas).
¡Esos van todos juntos! (Risas). Te podría decir un compilado de Motown de los años ’64 al ’67, no puedo elegir un disco de las Supremes. Elegí lo que quieras...

Los voy a poner todos, rompiste el cuestionario pero bueno, ya está (carcajadas finales).

BONUS TRACK II: LA MEDIOCRIDAD Y LA SALVACIÓN

Te voy a citar una frase que dijiste hace unos años: “tocar y hacer música me salva de la mediocridad”.
(Se ríe fuerte).

¿Lo seguís pensando?
Yo creo que dedicar la vida a algo que tenga que ver con cualquier rama del arte en general, es algo que eleva la condición de ser humano de alguna manera. Uno hace las cosas de todos los días, no es que me levanto y no tengo necesidades básicas, pero me parece que es una conexión... Yo soy completamente ateo y no creo en el concepto cristiano de "alma", pero creo que hay algo que es el espíritu, que no sé lo que es pero para mí es físico. Y hay una conexión con eso cuando uno está creando algo que no existía... Cuando uno hace una canción o toca está haciendo algo que hasta unos minutos antes no existía, entonces está conectado con sus sensaciones o sus emociones de una manera... ¡Claramente, no sé cómo explicarlo! Pero me parece que la mediocridad es lo contrario a eso, la mediocridad es tener una vida completamente terrenal, donde no hay sorpresa en lo que vas a hacer y tenés que hacer cosas que otro te manda. A eso me refiero con la mediocridad. A mí la música me permitió conocer un montón de cosas. Un montón de músicas que me llevaron a vivir emociones que no las hubiera vivido de otra manera, o me llevaron a conocer libros, películas o gente a la que no hubiera llegado.

* Este jueves 17 de noviembre es la tercera edición de La Noche de las Disquerías. Muchas estarán abiertas hasta tarde, tendrán ofertas y descuentos, e incluso algunas tendrán música en vivo. Valle de Muñecas se vuelve itinerante por esa noche y va a tocar en formato acústico en un par de ellas. Aquí la data completa:

18.00 hs.: Oid Mortales Discos (Av. Corrientes 1145, local 17)
19.30 hs.: Anthology Discos (Av.Santa Fe 1670 local s7 - Galeria Bond Street, subsuelo)
21.00 hs.: Compakta (Pje. El Lazo 3156 local 7 - J. Salguero y Cabello)

(Las fotos de esta tercera parte vienen repartidas: las dos que son en color las saqué yo; la de Flopa y Manza es de Martín Santoro; la de Fernando Blanco en el aire es de Javier López Uriburu y las dos de la banda en acción son de Anita Filipponi, alias Planeta del Cangrejo. ¡Gracias a ellos por el aporte!).

Tirate un paso

2011-11-14T14:07:00.000-03:00

No soy muy fan de poner videos de youtube en el blog, pero la ocasión así lo amerita.

Si tienen aguante para ver transcurrir la danza de García-Aznar hasta que llega a los 3:20, descubrirán que, entre muchas varias tantas cosas de las que Charly se dijo inventor en los últimos 20 años, está el famoso paso que se tiran los populares Wachiturros.

El video me lo pasó Pablo Libre, agradézcanle a él tanta belleza.

Charlas con músicos: Manza Esaín (Valle de Muñecas), pt. 2

2011-11-07T15:03:00.001-03:00

Segunda parte de la charla con Mariano Manza Esaín. En esta ocasión repasamos sus días como estudiante y su relación con el rock argentino, retomamos algunos detalles y anécdotas acerca de sus labores como productor y asistente en discos ajenos, y derivamos en una discusión sobre el virtuosismo y a quiénes considera Esaín verdaderos virtuosos.
Tan disfrutable como la primera parte. (Si te la perdiste, podés leerla acá).

MANZA ESTUDIANTE

¿Estudiaste música en algún lado?
Sí, en algún momento estudié. Hice un año en conservatorio, un par de años en la carrera de música de la Universidad Católica, que era el único lugar donde había una carrera universitaria de música. Pero en realidad yo tenía ganas de hacer musicología y siempre me pasaban cosas como que se suspendía porque era el único inscripto. Nunca me interesó estudiar una carrera de un solo instrumento, eso de perfeccionarse mucho en guitarra o piano. Yo quería estudiar orquestación o composición y después me agarró lo de musicología.

Querías tener nociones más generales.
Sí, claro. Y qué sé yo, todo eso es algo que aportó a mi formación. No sé si fue determinante pero me hizo una persona más rica de alguna manera.

¿Podrías improvisarte un jazz, por ejemplo?
No, ni loco (risas). Me encanta el jazz, tiene muchos lenguajes y por ahí el lenguaje de New Orleans, ese costado más primitivo, tiene más que ver con el blues y ahí es un terreno en el que yo me podría mover de manera más simple. Después, del bebop para adelante ni compito (risas).

¡Del cincuenta y pico para acá ya aparecen muchos monstruos!
Ahí ya se necesita más. Igual, uno se perfecciona en lo que más le interesa, no quiere decir que uno no escuche otras cosas. Pero cuando estudiaba, por ahí me pasaba que íbamos con mis compañeros a una disquería y ellos iban a ver las bateas de música clásica y contemporánea, y salían con discos de Debussy o Schoenberg... y yo salía con un disco de los Clash o de los Pistols. Y pensaba “acá hay algo que no funciona, esta gente va a ser mejor que yo para esto”.
Y claramente lo mío es esto que hago y ésta música, lo que me apasiona y me interesa. Lo otro me abría la cabeza a un montón de cosas, me copaba ir a los conciertos de música de cámara, de orquesta, fui a ver música electroacústica. Es parte de la información musical que tengo y no necesariamente se tiene que notar en cada canción que hago. Todo lo que uno escuchó o consumió está ahí metido, yo no voy a estar explicándole a todo el mundo “esto viene de acá”: el que lo ve, lo ve. Las cosas tampoco son tan obvias, no están mostradas con luces de neón.

ROCK NACIONAL

¿Qué fue lo primero que escuchaste, que recuerdes?
¡¿En la vida?! (Risas). Supongo que la banda donde estaba mi viejo...

¿Tu viejo tenía una banda?
Mi viejo toca en una banda de jazz.

¡Mirá vos, no sabía que tenías viejo jazzero!
Sí, es jazzero y sigue tocando todavía. Y bueno, después lo que escuché fue rock, cuando me independicé y empecé a escuchar una música que no era la que escuchaban mis viejos: Queen, o alguna cosa así. Beatles, Abba... y después, cuando descubrí al punk rock y a los Rolling Stones como que hubo un cambio.

Me cuesta encontrarte influencias argentinas. Quizá por lógica supongo que Spinetta te debe gustar, al menos Pescado Rabioso, Invisible o Almendra. Pero no te imagino escuchando a Charly, por ejemplo.
En algún momento de mi adolescencia lo escuché, pero no es una música que me llegue. Reconozco que es un músico con talento, tiene un montón de cosas que lo atestiguan y ojalá yo tuviese la discografía que el tipo tiene pero, la verdad, no es una música que me llegue particularmente. Te diría que no me llega casi ninguno de los grandes ídolos de acá. De Spinetta me gusta muchísimo Almendra y Pescado Rabioso, un poco menos Invisible y a medida que van pasando los años cada vez menos. No me emocionan sus discos más nuevos, aunque también reconozca su talento, como el de Charly García.
Me gusta muchísimo el primer disco de Manal, me parece que ahí están mis letras preferidas del rock argentino y después salto casi hasta los ’80 para encontrar cosas que me gusten. Ojo, escuché mucho y hay cosas que me gustan ahí, pero no hay nada que me vuelva loco.

Que te gusten de verdad hay pocos grupos.
De los ’80 hay cosas que me gustan: obviamente S umo, Don Cornelio y la Zona, algunas cosas de los Redondos y los Ratones, lo primero de Los Violadores. Y después ya vienen bandas que son más contemporáneas mías, la movida de Invasión ’88 la viví por cuestiones de edad, Mal Momento y ese tipo de cosas; y otras como Peligrosos Gorriones y los Suárez, que ahí ya somos más colegas, hicimos cosas, fechas juntos...

¿Babasónicos?
Son muy buenos. No es que me emocionen particularmente, pero me parece que son muy talentosos. De la camada de principios de los ’90 son claramente superiores a todo el resto de las bandas.

¿Y del otro lado, digamos? La Renga, Los Piojos...
No me gustan mucho. Me gustan algunas cosas de Los Piojos… bah, no sé si de Los Piojos, de él.

De Ciro, decís.
Sí, de Ciro como intérprete, cuando canta canciones, me gusta cómo frasea y eso. No me gusta para nada cuando se pone murguero. Igual no hay muchas bandas de ese palo que me gusten mucho. Cuando se acerca a los Rolling Stones me atrae más: los Ratones, Blues Motel me gustan.
No tengo prejuicios, estoy dispuesto a que venga una banda que por ahí no me gusta tanto y escuchar una canción y decir “guau, este tema está buenísimo”. Encuentro todo el tiempo cosas de afuera que me encantan y con las bandas de acá viejas no me pasa, pero también es cierto que hay un montón de grupos que veo ahora que me gustan, que hacen cosas que tienen que ver con músicas que me gustan: La Perla Irregular es una de las que más me gusta, Cosmo, Excursiones Polares, hay unas cuantas bandas.
Reconozco que es una cuestión personal; y supongo también que hay alguna de las bandas que quizá fue mínimamente influenciada por cosas que yo hice, claro que no voy a ser tan soberbio de pensar que es todo así.

EL ARTE DE PRODUCIR (II)

Bueno, por eso también muchos grupos te llaman para que los produzcas. ¿Hay algún grupo en particular al que te gustaría producir?
Hay un montón de grupos que me gustaría producir, algunos porque me gustan... y otros porque no (risas).

¡Para cambiarles todo lo que hacen!
Sí, creo que podría hacer algo que me gustase, les podría sacar un jugo distinto al que le sacan los productores con los que trabajan normalmente.

¿Te animás a nombrar alguna banda? Al menos de las que te gusten.
Sí, no sé... (Duda de contestar).

¿No querés que quede como que te estás candidateando?
Claro, eso me parece medio raro... No sé, te puedo decir que me gustaría producir a El Mató, o algún disco de Bochatón, que son gente con la que nunca trabajé pero son más cercanos. Ya bandas más grandes prefiero no nombrar.

¿De la producción qué es lo que mejor? Vos cumplís funciones dobles porque sos técnico también.
Sí, en realidad yo lo veo a todo como una sola cosa, lo vivo de esa manera. Incluso lo veo de la misma manera que tocar... cuando empiezo a producir una banda y voy a un ensayo hago lo mismo que en el ensayo de mi banda: digo qué es lo que me parece que se podría mejorar y aparte pienso en la parte técnica, cómo llevar a cabo algo en el estudio. Pero no trabajo muy distinto, no lo pienso diferente.
Igual, con cada banda la situación es diferente porque lo que uno hace como productor tiene que ver con el espacio que cada grupo te da. Algunos están más seguros de lo que están haciendo, pero hay grupos que necesitan que los incentives o los aconsejes; con unos te dedicás (casi) a hacer sólo la parte técnica y con otros tenés que trabajar desde los ensayos, con las estructuras de los temas o los sonidos de los instrumentos.

Con el segundo disco de Coiffeur (No es) pasó un poco eso, ¿no?
Yo tuve ideas para agregar algunas cosas, pero también fueron de él. Partimos de la base, que era la voz y la guitarra, pero desde un principio los dos sabíamos que no queríamos que el disco fuese chato; que cada tema tuviera alguna cosita extra que le diese una personalidad más allá de la composición. A mí se me ocurrieron algunas baterías y contrabajos, después hay otras cosas hechas con teclados o con efectos de guitarra, delays... Igual, en ese sentido, sigue siendo un disco bastante sutil, mantiene eso de la guitarra y la voz. Es uno de los discos que hice que más me gusta.

¿De qué discos que hiciste pensás ‘qué suerte que estuve acá’? ¿Ése es uno?
Sí, sin dudas. Y Hickie de Mataplantas es un disco del cual estoy muy orgulloso, fue hecho en un gran momento de la banda... (Piensa) En realidad no sé, tengo un montón. Es difícil, hice como setenta y pico...

Entre ellos estuviste en uno de Pappo, ¿cierto? ¿Fue Blues local?
(Se ríe). Sí, pero eso fue como asistente. En el que vino después de Blues local, creo que es Caso cerrado. En realidad en ese momento eran sesiones varias y alguno de esos temas apareció en Caso cerrado y otros en otros discos. El chabón venía y grababa siempre con músicos distintos.

¿Y es cierta la anécdota de Bordón?
Sí, cierta (Risas). Fue en el primer estudio en el que trabajé, el estudio Del Abasto. Ahí fui asistente de un montón de gente: de Pappo, de Almafuerte...

Te tocó arrancar con gente especial...
Sí, en realidad eso fue al par de meses de haber empezado. Un disco en el que me acuerdo mucho que estuve porque me gustaba es Galería desesperanza, de Massacre. Después estuve en el último de Hermética, el disco en vivo... medio que se separaron durante la mezcla. Y al tiempo vinieron Almafuerte y Malón, estuve en los dos primeros discos.
El primer disco en el que hice de todo en el estudio fue el primero de Blues Motel y con ellos seguí trabajando, hice como 7 u 8 discos. Con Mal Momento hice dos...

Bueno, con Pez...
Cabeza fue el primer disco que grabé.

Y siguen estando en contacto, sucede así con muchos colegas.
La gente tiene la idea de que hay muchos celos y mucha mierda, pero yo la verdad que conozco (y me llevo bien con) mucha gente. Y con la gente que no me cae bien o me parecen malas personas, directamente dejo de tratar. Creo que tuve suerte, tengo muchos amigos músicos.

MUSICOS, COMPOSITORES Y PRODUCTORES: VIRTUOSOS

¿Es cierto que detestás a los virtuosos?
No sé si los detesto, la realidad es que no me emocionan, no me generan nada. Que un tipo haga un gran solo de guitarra... digo: hay grandes solos de guitarra. Me refiero a tipos que no puedo escuchar, como Yngwie Malmsteen o Joe Satriani. Con toda esa gente no me pasa nada cuando los escucho. Ni siquiera sé si es pirotecnia, no podría decir qué es.
Por supuesto, escucho música de gente que es virtuosa con su instrumento pero no de esa manera. Como te decía antes, Charlie Parker, o Hendrix en la guitarra. Y escucho a los Who y Keith Moon era un virtuoso de la batería. Está bien, era un salvaje: pero nadie puede negar que era un superdotado. Supongo que me interesan muchísimo más los compositores virtuosos (risas).

¿Y quiénes serían esos compositores virtuosos?
Lennon y McCartney a la hora de hacer melodías y armonías. Morrissey, Jarvis Cocker, Michael Stipe de R.E.M. Y después hay muchos cantantes que me parecen súper importantes, ponele, Otis Redding me parece un gran cantante.
Después Lennon, que como cantante hoy quizá lo prefiero en sus primeros años: el Lennon anterior a 1965 me parece increíble.

La Beatlemanía, digamos.
Claro, el Lennon cantante de rock and roll me parece soberbio. Y después hay muchos cantantes de la época del punk: Richard Hell, Howard Devoto, Ian Curtis; y la camada de gente más emotiva que ya te nombré: Morrissey, Cocker, Richard Hawley. O Ian McCulloch, que es uno de mis cantantes preferidos.

¿Y como productor? Ya que me dijiste cantantes y compositores, vamos con todas tus actividades.
Siempre me olvido de alguno. Por nombrar de ahora... Nigel Godrich, Dave Fridmann, Danger Mouse, que está haciendo cosas increíbles. Creo que es el último gran productor de esta época: el disco que hizo con Black Keys, el de Sparklehorse, las cosas que hizo en su momento con Gorillaz... Hay un montón en realidad.

De acá es más difícil encontrar.
Es que acá al principio era un trámite. No es que vos decías “quiero grabar con este técnico”: la compañía te ponía el estudio y ya venía con los técnicos. Uno que trabajaba de diez a doce, el otro de tres a ocho... Era como un operario y listo, se suponía que no importaba quién grababa. Eso cambió muchísimo.
Acá no hay una tradición de productores, aparecen en los ’80 y son músicos. Me refiero a que son músicos que quizá no manejan la parte técnica. Cuando uno veía en los ’80 que Charly o Calamaro producían un disco, no se ocupaban de la parte técnica en absoluto. Y creo que casi todos los productores que me gustan tienen esa dualidad de ocuparse de las dos cosas.
A mí me cuesta mucho imaginarme produciendo a alguien y que las perillas las esté tocando otro, me volvería loco.

Se te iría la mano para las perillas...
¡Claro! Lo hice un par de veces lo de trabajar de a dos y no me peleé ni nada, pero uno tiene que ceder en algunas cosas que decís “está bien, pero yo lo hubiera hecho de otra manera”. Sí disfruté hacer El Tonel de las Danaides (de Coiffeur) con Juan Stewart, por ejemplo.

Hacer algo con otro ahora... ¡Me molestaría demasiado! (risas). Alguna vez pensé en hacerlo y por ahí estaría más tranquilo... pero creo que me odiaría (más risas).

* Valle de Muñecas se estará presentando junto a Norma este jueves 10 de noviembre en Niceto.
Anticipadas $30, por Ticketek o en Niceto Vega 5510.

(Las fotos que ilustran esta segunda parte son todas de Martín Santoro, a excepción de la primera imagen, capturada en el hogar de Esaín por mí).

En Facebook

2011-11-05T15:48:00.000-03:00

Acá.

Charlas con músicos: hoy, Manza Esaín (Valle de Muñecas)

2011-10-28T17:10:00.002-03:00

Otro enorme gusto de esos que nos damos cuando podemos en La música es del aire.
Esta juntada con Mariano Manza Esaín merece un breve prólogo porque comenzó a gestarse hace casi dos años: para fines de 2009 tuve la idea de juntarme con los tres componentes de Flopa Manza Minimal –cuando todavía no se habían reunido para hacer algunos shows, lo que sucedió en 2010- con el fin de armar algo en este espacio. Y aunque aquella reunión no prosperó, el contacto con el cantante de Valle de Muñecas se sostuvo en el tiempo. Siempre por la lejanía del mail.
La mencionada reunión del trío el año pasado, demoró la salida del disco que iba a ser la (nueva) excusa del encuentro de LMEDA con Manza: el reciente y reluciente La autopista corre del océano hasta el amanecer (además de un gran disco, que pueden escuchar aquí, es el mejor título de algo que recuerde en años). Pero el hombre siempre contestó a mis exigencias y después de más o menos cien correos electrónicos (exagero un poco pero estuve cerca de llegar a ese número) pudimos juntarnos a charlar.
Mariano me recibió en su casa y estuvimos dos horas charlando de su música y la de otros, del oficio de productor, de la mediocridad de lo cotidiano y las maneras de evitarlo... También hablamos de libros y fútbol (compartimos el mismo sufrimiento), pero eso no sale aquí porque no se grabó. Sin más, los dejo con la primera de las tres partes en que decidí separar lo acontecido en una charla divertidísima, gracias al buen humor de Esaín y su predisposición para contar con lujo de detalles todo lo consultado (por todo eso le estoy muy agradecido). Que lo disfruten.

LA AUTOPISTA CORRE DEL OCÉANO HASTA EL AMANECER: SONIDO, INFLUENCIAS, LETRAS

Empecemos por el disco. ¿Qué fue lo que demoró la salida? ¿Temas de guita, tus trabajos como productor, la reunión del trío?
No, no hubo temas de guita. Fue un poco de todo: un poco de obsesividad y de estar buscando algo en particular que logramos recién cuando terminamos. Otro poco fue el hecho de haber tenido un cambio de guitarrista en el medio, que fue a mediados de 2008 o por ahí: ya habíamos empezado con la idea del disco pero tuvimos que volver un poco atrás, como para que el sonido de la banda se vuelva a afianzar tocando los temas que veníamos tocando. Y hubo que modificar algunas cosas en la banda para que volviera a cerrar el sonido.
Cuando entra alguien nuevo, quizás el impulso es tocar lo que tocaba el anterior y recién después el nuevo se empieza a soltar y a tocar más lo de él. Y eso le hace un lavado de cara a la banda, por lo menos a una banda como la nuestra, que somos cuatro. Porque si es una banda que son siete, que cambie uno no cambia tanto.
Y después también el hecho de estar trabajando todo el tiempo con otras bandas, al ser yo el que se ocupa de la grabación y la mezcla, nos sacaba bastante tiempo... y los chicos me tenían que esperar.

Quizás, el tipo de música que hacen los llevaba a la necesidad de tocar en vivo para afianzar el sonido de las canciones. ¿Éste disco lo grabaron en vivo, o eso cambió?
Nosotros grabamos todos los discos en vivo y éste fue algo así como una experiencia al revés del camino de siempre: empezamos grabando los temas. Cuando empezamos a grabar, algunas canciones no las habíamos tocado en la sala nunca. Nos juntamos Luciano [Esaín, hermano de Manza, baterista de Valle de Muñecas, Acorazado Potemkin y varios etcéteras] y yo en el estudio, algunos momentos con Mariano; pero básicamente grabamos batería y guitarra: acordábamos las canciones y las grabábamos.
Y bueno, quedaron muchas de esas sesiones y otras cosas hubo que grabarlas de nuevo. Pero como hacíamos un proceso de grabar estas cosas, probar los arreglos en la sala, volver al estudio y cambiar algunos detalles, era todo el tiempo un ida y vuelta entre la sala y el estudio que estaba bueno.
Todo esto fue buscando un resultado diferente. Cuando uno graba en vivo es un poco esclavo de que conoce el sonido de la banda y se queda con eso que suena en la sala de ensayo. Como productor lo veo todo el tiempo en otras bandas, uno llega de afuera, escucha las canciones y piensa “acá esto podría ser así, esto así…”. Y grabando todo el tiempo está pensando en lo que escucha diariamente en la sala... y pensás que la canción es así y tiene que ser así y a veces está buenísimo eso. Pero otras no te deja ver que hay una vuelta de tuerca más para darle y llegar a otro lugar.

Sirvió el proceso entonces.
Sí, porque la idea era escapar de lo que era costumbre en nosotros, por eso buscamos otro método y creo que resultó.

Si bien leí que te gusta el sonido de sala...
Sí, me gustan los discos hechos en vivo, tienen algo, sacan una performance de la banda que es completamente colectiva, ¿no? Los discos que están grabados de otra manera son mucho más racionales y se llega a otro resultado, a veces hay lugares en el medio en los que se logra algo que está buenísimo. Igual me gustan las dos cosas porque en el disco que se graba por capas también hay momentos de experimentación, de probar cosas e ir tanteando que lleva a lugares que uno no había imaginado antes. Son dos mundos distintos y está buena la complementación.

¿Y cómo ves este disco al lado de los anteriores? Lo noto más punk y a la vez más cancionero, redondo, como que hay cierta vuelta a Menos que cero en algún sentido.
(Se ríe muy fuerte).

¡Espero que no lo tomés a mal, es un elogio!
¡No! No me lo tomo mal porque fue algo buscado, no la idea de volver a Menos que cero pero sí compositivamente; el disco se vislumbraba más punk... Cuando empezamos a grabar había diecisiete o dieciocho canciones... ¡y las canciones más punk quedaron afuera del disco, todas! (Risas). Entonces yo suponía que esa era la idea pero quizás se había perdido un poco y que vos vengas y me lo digas me hace pensar que algo quedó, el espíritu que tenía originalmente el disco está ahí. Había algunas cosas que tenían que ver con el punk y el post-punk...

¿Post-punk también?
Yo soy muy fan de esas cosas y creo que una de las cosas donde se refleja en el disco es en ese paso que tienen la batería y el bajo respecto a Días de suerte, que es como una pared gigante de guitarras con la base más atrás. En La autopista..., la base está al frente y creo que tiene que ver con la manera en que toca el bajo Mariano, que viene de ese lado punk y post-punk, ese sonido tank-tank (imita el sonido de un bajo). Creo que logramos llegar a donde nos habíamos planteado en un principio.

Y a la vez hay estribillos súper redondos, creo que Cosas que nunca te digo es el único tema sin estribillo. ¿Eso también fue buscado o salió así?
No sé si fue buscado. No es que uno busca el estribillo, el gancho... pero escucha un montón de música y en cada momento de la vida -o de la carrera, si querés- selecciona, no sé si conscientemente, cuáles son las influencias de todo ese espectro amplio. Yo te puedo decir que soy fanático de Charlie Parker y vos me vas a decir “pero en tu música no escucho Charlie Parker”. Y bueno, está bien. En Días de suerte hay un montón de influencias de una música un poco más densa y más cuelgues de guitarras y cosas así, y en este disco no hay casi nada de eso.

¿Y qué estuviste escuchando durante el armado del disco que quizá pueda haberte influenciado?
Es más inconsciente. Cuando salió Folk todo el mundo decía “Neil Young, Flying Burrito Brothers, Violent Femmes...” y en realidad yo sigo escuchando esas cosas y también cosas que no había dejado de escuchar en ese momento, como Joy Division, Wire o bandas de punk que me encantan. También bandas más actuales, desde Arctic Monkeys a Babyshambles, M. Ward o Wilco... son todas bandas que están.

Casi siempre con guitarras al frente.
Sí, igual puedo escuchar un montón de cosas que no tienen guitarras, o donde las guitarras no son tan importantes. Escucho un montón de música.

Para las letras, ¿te influencian las lecturas? ¿Sos de leer mucho? Por los nombres de tus bandas imagino que sí.
Sí, leo. Tengo épocas en las que leo mucho y otras en las que leo menos. Me gustaría leer bastante más de lo que lo hago pero la música se adueña de mi tiempo.

Muchas de tus letras hacen referencias al costado patético de la noche, la soledad de cuando termina la joda... Esa temática, ¿la usás para retratar las miserias de la vida en general o se da por lo que ves como músico, que quizás podés vivir más de noche?
Es inevitable hablar de lo que uno vive, yo no sé si me lo planteo a propósito, “voy a hacer una canción que hable de esto”. Por ahí a veces tenés una frase o un inicio de letra que va para ese lado.

¿Te das cuenta de lo que te marco?
Sí, sé que hay canciones como Autosuficiente, Fin de fiesta o Sábados que hablan de eso, creo que son las tres más obvias, no me viene a la cabeza otra. Pero sí, sé que tengo temáticas a las que vuelvo.

Son algo así como una marca tuya.
No las inventé yo, ¿no? Pero quizá tengo maneras de abordarlas.

¿Y encontrás otra marca así?
No sé... musicalmente sé que tengo una manera de hacer las melodías, que tampoco creo que la haya inventado yo pero que finalmente termina siendo una mezcla de un montón de cosas que escuché y de bandas que toqué. Y se termina formando una personalidad. No te diría que hice éste tipo de armonía o éste tipo de ritmo, porque musicalmente el rock -si lo analizás desde el punto de vista de la música académica- es extremadamente simple. Y letrísticamente lo mismo: sé que mis letras tienen un sello, no soy tampoco un artista de vanguardia o que esté cambiando radicalmente las cosas, pero tienen una personalidad propia.
Tiene que ver con los músicos y los letristas que a mí me gustan, que también me parece gente que no es extremadamente radical pero sí tiene una personalidad definida y podés reconocerlos ni bien los escuchás. Eso me parece que es importante.

EL ARTE DE PRODUCIR (I)

Tuvieron una época en la que casi no tocaron, le dabas mucho tiempo a la producción...
Nunca llegó a ser tan así, no llegamos a eso...

¿Qué te gusta más, producir o tocar?
Me gustan las dos cosas. Lo que se da con los shows es que cuando no encontrás el lugar en el que te gustaría tocar se produce un desgaste, de saber que no estás tocando en las condiciones ideales. Y uno dice “bueno, listo”. Tratamos de buscar el mejor lugar pero a la vez hacer una cantidad de fechas mínimas, como para no dejar de tocar. En un momento estábamos tocando en algunos lugares que están muy bien para hacer ciertas cosas, pero nosotros sonamos muy fuerte y ya no eran lugares donde la banda luzca en formato eléctrico.
Y quizá hacíamos acústicos... los acústicos están bien pero ya no queremos hacer 50 y 50 del show. En este momento, después de haber sacado un disco así, somos una banda eléctrica que cada tanto se da el gusto de hacer algunos shows acústicos. Seguramente hagamos algún show acústico antes de fin de año: te da la posibilidad de mostrar las canciones de otra manera, es un formato en el que la gente le presta mucho más atención a las letras, a lo que se dice, se lucen otras cosas. Pero no queremos hacer como en la época en que salió Folk, que en un año y medio, casi dos años, hacíamos tantos shows acústicos como eléctricos.

Ahí se daba por lógica, por el sonido de aquél disco. Ahora necesitan otra cosa. Además, deberían adaptar los temas a otro formato...
Ojo, eso en realidad lo hacemos todo el tiempo. Capaz vamos a un programa de radio y tocamos en ese formato, ahora grabamos unos videítos que salieron en Indiefolks y están hechos así, algunos están grabados acá mismo. Se disfruta también.
Así que no es que dejamos de tocar en algún momento, por ahí no queríamos hacer las fechas siempre en los mismos lugares, y le dimos más bola a las fechas en lugares más copados.

Son exigentes en cuanto a los lugares, el sonido...
Mirá, te podría decir que sí pero llega un momento cuando decís “basta, hace tres meses que no tocamos. Vamos acá, listo”. Uno es exigente pero a la vez necesita tocar. No por una cuestión de carrera, de que no da desaparecer por la gente… Por uno mismo. La banda no es distinta en vivo que en la sala de ensayo.

(Las fotos en ByN son de Martín Santoro, al igual que la foto de portada del disco, cuyo arte es de Pablo Font. La foto sepia la saqué yo).

Será por eso Charly

2011-10-25T01:01:00.003-03:00

Antes de irme a dormir, escucho justo este tema escrito por Suma Paz e interpretado por Nito Mestre (nunca fui big fan de su voz pero por compañero creo que era el indicado para cantarlo, con una ayuda de Nebbia). Dejo versos sueltos y un feliz cumpleaños bastante tardío.

Que sea con paz y salud, y punto. Lo merece.

Será por eso Charly

que caminas sin pausa

por tantos escenarios

bajo su cruda luz

como un espantapájaros

que la música agita

con los brazos en cruz.

Lejos

nosotros te queremos

y lloramos un poco.

LMEDA Records presenta: "Las 70 de Bob"

2011-10-19T21:38:00.002-03:00

En su edición argentina del corriente mes, la revista Rolling Stone reproduce -¡obvio!- una nota de su edición yanqui y nos cuenta cual verdad de Perogrullo (?) las mejores 70 canciones de Bob Dylan.

Como siempre, los amigos de RS convocan a un jurado de notables -Jagger, Richards, Bono, Jeff Tweedy, Sheryl Crow y algunos otros- para que nos digan la absoluta e infalible verdad: qué canciones de Dylan tenemos que escuchar sí o sí, cuáles son las que valen oro para el cancionero popular mundial (?), dónde está el germen de su genialidad poética y su desprolijidad musical. Aunque ese jurado luego pueda cometer variadas atrocidades, como dejar fuera de la inmaculada lista canciones infaltables (I want you, The man in me, Most of the time o She belongs to me) o no incluir ningún track de discos fundamentales en sus últimos veintipico de años de carrera (Oh, mercy, Modern times).

Por supuesto, sabemos que BD tiene más de 70 grandes canciones y, en fin, tampoco ignoramos que todo esto lo hacen para vender un par de numerillos de su publicitada revista... la que compramos como giles para luego indignarnos, como si Rolling Stone nos debiera algo a nosotros, miserables lectores ocasionales.

En el listado predominan, claro, los temas de esos cinco álbumes pilares en la discografía del hombre de Minnesota (The freewheelin' BD, Bringing it all back home, Highway 61 revisited, Blonde on blonde y Blood on the tracks) aunque cabe reconocer que dentro de las muchas obviedades, hay en la lista algunos temas escondidos en discos de descartes (las famosas bootleg series) y otros de menor valía dentro de su vasto trayecto (Saved, Infidels).

Todo esto para comentarles que se me ocurrió subir las canciones en el orden que les dio el magnánimo magazine norteamericano, para que ustedes, lectores ignorantes de BD o no, escuchen estas 70 grandes piezas de un mozo que cambió la historia del rock and roll y le sirvió de las mejores palabras y una épica única. Retorno triunfal del sello LMEDA Records.

Acá la lista de RS, dividida en tres partes:

Parte 1

1. Like a rolling stone

2. A hard rain’s a-gonna fall

3. Tangled up in blue

4. Just like a woman

5. All along the watchtower

6. I shall be released

7. It’s alright, Ma (I’m only bleeding)

8. Mr. Tambourine man

9. Visions of Johanna

10. Every grain of sand

11. It’s all over now, Baby Blue

12. Desolation row

13. Subterranean Homesick blues

14. Highway 61 revisited

15. Simple twist of fate

16. Positively 4th street

17. This wheel’s on fire

18. Ballad of a thin man

19. Blind Willie McTell

20. Blowin’ in the wind

21. Mississippi

22. Don’t think twice, it’s all right

Parte 2

23. Forever young

24. Lay lady lay

25. Knockin’ on heaven’s door

26. Masters of war

27. Sad-eyed lady of the lowlands

28. The times they are a-changin'

29. You ain’t goin’ nowhere

30. Girl from the North Country

31. Can you please crawl out your window?

32. Chimes of freedom

33. Idiot wind

34. Isis

35. The lonesome death of Hattie Carroll

36. With God on our side

37. Maggie’s farm

38. My back pages

39. Hurricane

40. I dreamed I saw St. Augustine

41. I’ll keep it with mine

42. I threw it all away

43. Gotta serve somebody

44. Stuck inside of mobile with the Memphis blues again

45. It ain’t me, babe

Parte 3

46. Jokerman

47. Spanish Harlem incident

48. Sara

49. Up to me

50. Not dark yet

51. Things have changed

52. Tears of rage

53. When I paint my masterpiece

54. 4th time around

55. If not for you

56. You’re gonna make me lonesome when you go

57. Just like Tom Thumb’s blues

58. Percy’s song

59. Million dollar bash

60. Buckets of rain

61. It takes a lot to laugh, it takes a train to cry

62. Queen Jane approximately

63. If you see her, say hello

64. Abandoned love

65. Tough mama

66. Shelter from the storm

67. Leopard-skin pill-box hat

68. One too may mornings

69. One more cup of coffee (valley below)

70. To Ramona

Lynne, Orbison y una cita con el sonido

2011-10-14T01:04:00.001-03:00

Voy a ser directo y recomendaré dos grandes discos, con el mismo sonido y en la misma frecuencia. Es que hay algo en el cerebro y las manos de Jeff Lynne que le permite apoderarse de canciones propias y ajenas, para revestirlas de un sonido límpido y grandilocuente, ese sonido redondo que enamora los oídos al instante y colma el buen gusto.
Por ello, Jeff es considerado uno de los grandes productores de música pop en los últimos ¿30? años y su currículum lo avala: su trabajo fue requerido por gente como Brian Wilson, Paul McCartney, Tom Petty, George Harrison y más acá en el tiempo Regina Spektor, para aportar su oreja infalible y, en muchos casos, alguna ayudita en la composición de canciones (descontamos su recordada participación como productor de las Anthology beatles y en el supergrupo Traveling Wilburys).

Pero vamos al punto. Entre los tantos discos de los que JL participó -como productor en algunos temas y co-autor en varios-, se encuentra la última perla que grabó Roy Orbison, Mystery girl (1989). Mi conocimiento de Roy, hasta descubrir a los Traveling Wilburys, se basaba en una simple oración: aquél cantor que de chiquitos todos conocíamos por Pretty woman pero después no teníamos idea de quién era (?). Y resultó que Roy era una voz grandiosa, de esas gargantas privilegiadas, que llegan a lo profundo y dicen la verdad hasta en los silencios.
Bob Dylan lo describe mejor en sus Crónicas; él los sabrá convencer de que escuchen Mystery girl, una maravilla:
“Orbison trascendía todos los géneros: folk, country, rock and roll, lo que fuera. Su material mezclaba todos los estilos e incluso algunos que no se habían inventado siquiera. Podía adoptar un tono agresivo y perverso y luego cantar con voz de falsete a los Frankie Valli en el siguiente. No sabías si estabas escuchando ópera o una banda de mariachis. Te mantenía alerta, todo en él era muy visceral. Sonaba como si cantara desde la cima del monte Olimpo y realmente se lo creyera.
Interpretaba ahora sus composiciones aprovechando su extensión vocal de tres o cuatro octavas que te daba ganas de arrojarte en coche por un acantilado. Cantaba como un criminal profesional. Tenía una voz capaz de sacudir un cadáver y dejarte musitando algo como ‘Tío, no me lo puedo creer’. Había canciones dentro de sus canciones.
Orbison iba muy en serio. No se andaba con niñerías ni con pinitos de novato”.

Después de la palabra de Bob, bien podría callarme. Pero dije que tenía dos discos para recomendarles y el segundo, claro, es del bueno de Jeff. (Si no me equivoco, su única placa solista hasta el momento). Armchair theatre (1990), contiene el espíritu de redondez que poseen todos los discos que Lynne produjo a fines de los ochenta: Cloud nine, varios de Tom Petty, los de Wilburys. Y esa condición lo hace de por sí indispensable.

Si escuchan los dos álbumes seguidos, van a saber agradecer una cita placentera y hi-fi.

Nebbia y La canción del mundo: música sin pasaporte

2011-10-04T00:41:00.009-03:00

"De pronto hay dos temas míos que escribí a los 15 años y uno que escribí hace una semana, que se entienda que la música finalmente no tiene almanaque, es una cosa que va. Entonces ahí es donde meto también lo étnico. Porque cuando un tipo me pregunta '¿qué escuchabas vos cuando eras chico?'... Y bueno, yo escuchaba jazz, escuchaba bossa nova, tango, música árabe, ¡escuchaba una cantidad de cosas!

-Y a la vez a los Beatles y a los Kinks...

-Totalmente, ¡claro! Escuchaba lo que yo atendía generacionalmente pero también otras cosas porque yo era buceador. (…) Un tema nuevo que hice hace poco en Madrid, habla un poco de esto que te estoy contando: habla de que la canción del mundo -que sería una broma sobre world music, ¿no?-, algo que no tiene banderas, no tiene fronteras, anda por ahí: es una canción que no tiene pasaporte".

(Extraído de la charla que tuve con Litto el año pasado).

(Click en la imagen para ver más grande)

Litto Nebbia es un terco, no hay con qué darle. Es un hombre tenaz de esos que no abundan, un tipo consagrado a hacer música contra viento y marea, tanto que en la era del mp3 decide editar un disco triple, con DVD, booklet y packaging lujoso, burlándose de una industria en recesión y desafiando la máxima que sostiene que la gente ya no escucha más discos enteros. Es el principal elaborador de un trabajo artesanal y dificultoso que para él es una diversión y su forma de ver y hacer las cosas. De existir.

La canción del mundo – Xaouen (Ciudad Antigua) es ése nuevo álbum triple + DVD y lo primero que produce es impacto visual, ganas de romper el empaque con formato de DVDs de temporadas de sitcom. Ése es el primer lujo y hay quienes no lo comprenderán, pero todavía estamos quienes sí vemos en ese objeto una bella pieza de colección, una pequeña obrita de arte.

Luego, la operación es simple: escuchar la música de Nebbia es un instante placentero cuando uno ya está inmerso en su estilo y sus formas, que a esta altura son un género en sí mismo, con taaantos discos encima y miles de canciones compuestas. Bien sabe quien sigue sus pasos -y sino, sépalo, querido lector- que Litto es un modulador constante, un multiinstrumentista que gusta de los contrapuntos y maneja con solvencia el género que se le cante cantar. Apartado de las formas distorsivas del rocanrol, a esta altura -y hace muchísimos años ya- su status de cantautor le pasa por arriba al mote de rockero, aunque sus capacidades como músico pueden lograr que cuando se le ocurra componga discos enteros de blues, como hizo hace unos años con aquel proyecto de dos discos que se llamó, precisamente, The blues (y como hiciera en 1970 cuando sus compañeros Gatos insistían con que la mano en aquel entonces era tocar blues y el les compuso entero el clásico disco final del grupo, Rock de la mujer perdida).

Así, Nebbia construye esta trinidad de álbumes como si en verdad fuese uno solo y como si llevara a cabo -resultados a la vista, lo es- una celebración de amigos. Son 55 músicas, como gusta decir, la gran mayoría acompañadas por textos de su autoría; aunque también da lugar para que aparezcan hechas canción bonitas palabras de Hamlet Lima Quintana, Jorge Boccanera, o su coterráneo Adrián Abonizio, por citar algunos de los nombres que desfilan en el letrario del disco. Los amigos de Nebbia, está claro, no son sólo los que escriben. También lo son sus colegas: su banda estable La Luz (Daniel Colombres en los parches, Federico Boaglio en bajo; y en guitarra, ahora Gonzalo Aloras, antes Ariel Minimal), a la que se suman los aportes de Patricio Villarejo y Pablo Agri en cuerdas, Andrés Ruiz (que toca la batería en varios temas) y Guadalupe Raventos con su magnífica voz. Y esos amigos de siempre que son Ricardo Soulé -grave y necesario en Inmigración- y Emilio del Guercio.

La musicalidad del disco es amplia como su duración: candombe (la preciosa Un mundo sin heridas), folk (Soy un árbol, con la guitarra slide de Eduardo Cautiño), aires de zamba y jazz (Desde aquel entonces, una perla a dúo con la gran voz de Raventos) y hasta ¡reggae! en Ilumina (hago memoria y creo que ninguno de los rockeros argentinos de la primera camada se animó alguna vez con este género; ayúdenme). Por supuesto, también dicen presente esas canciones género Nebbia, ciudadanas y cálidas, como Capas, No hay cárcel en el aire y Yo me conozco, escrita el 27 de octubre de 2010 (recordarán el suceso de aquel día…). Además, un par de revitalizantes rescates de temas de su Volumen II (1969), con aggiornadas versiones de Hijo de América y Mes de algodón; y los pasajes instrumentales mencionados por Litto en la frase de arriba, entre homenajes a Genesis y aproximaciones a la música mexicana, aires basileros y música del Mar Caspio.

Tres discos para escuchar de a uno o continuados, porque su coherencia sonora así lo permite. Lo dice el autor en el texto introductorio del completo librillo interno: “Esta nueva producción tiene Música por todos lados”. Están advertidos.

(Las fotos que ilustran el texto son gentileza de Melopea. Intenté subir algunos temas a GoEar para que escuchen pero no tuve éxito, cuando pueda los cargo).

Tres desde Bandcamp

2011-09-26T18:27:00.002-03:00

Anduve dando vueltas por algunas páginas de esa nueva jungla musical denominada Bandcamp, algo así como el nuevo MySpace, pero mejorado. Bandcamp se presenta como un espacio más ágil y más bonito a la vista, en el cual se pueden escuchar millones de discos de toda la esfera (y descargar, en muchos casos). Por ahora, yo me dediqué sólo a tres grupos nuevos de Buenos Aires que me llevaron varias veces a dar play en el primer tema y llegar hasta el final de sus discos online. Con este humilde texto, los invito a ustedes también.

El David Amado Power Quinteto de Salón fue el primer grupo al que arribé. Con su reciente álbum Hacer azar (todavía virtual, próximamente físico) llenó de madera el ambiente de mi casa. David es la voz cantante, necesariamente afectada y bien rodeada de sonidos cálidos -chelos, criollas, percusiones varias- que saben cuando contagiar alegría y cuando atenuar el clima para ser más introspectivos. La conexión con Onda Vaga y Semilla podría considerarse inevitable, aunque este Quinteto suena más a banda compacta y no tanto a fogón de acústicas y vientos (como los primeros); y no se hace de electricidades más propias del rock para buscar contundencia en sus temas (como los segundos).
Si bien no es el tipo de música que más suelo escuchar, a cada reproducción me fueron ganando esos contrapuntos de cuerdas, acordeón, arpegios de guitarra y repiqueteos, complementados por esa voz limpia y melódica, que dan como resultado un logrado disco.
Se puede escuchar acá y -recién veo- descargar desde el sitio oficial, o sea acá.
Temas destacados: Lava, Caminando.

De ahí, pegué el salto a un grupo de formación más clásica e innegables influencias dylanianas, Miro y su Fabulosa Orquesta de Juguete. Hacía un tiempo ya que su extraño nombre venía flotando en crónicas y recomendaciones varias, y fue así que llegué a su fantástico LP Los caminos, donde realizan con maestría eso que parece tan fácil y a la vez es muy difícil: un disco de canciones de corte clásico que suenan parecidas a otro millón de canciones, pero tienen su encanto propio, la impronta de sus autores. Letras juguetonas, enumeraciones varias, referencias a Bob D. y Wilco, simpleza armónica, ligera desprolijidad, desgano loser y melodías envidiables.
En síntesis, un disco al que llegué tarde (es del año pasado) pero en el que pienso acampar por mucho tiempo. De esos que generan amor a primera vista.
Se escucha y baja desde su Bandcamp , o en el portal del amparador y prolífico sello platense Uf! Caruf!
Temas destacados: Caer, Positivamente calle 44.

Y para cerrar, el estreno más reciente (¿duplica?) de todos: Excursiones Polares y su Música total. No puedo juzgar al disco con tanta seguridad porque sólo lo escuché una vez y está recién salido del horno, pero temas con la polenta pop de Radiante y la oscuridad de Tiempo ahorrado me convencen de que los autores de canciones en Buenos Aires salen debajo de las baldosas, aunque el rock mainstream argentino esté en plena crisis.
¿Qué encontramos en Música total? Aires country, guitarras slide, armonías bien clásicas -¡hasta un boogie!- y un invitado estelar, Manza Esaín, que acompaña con su voz a Mi indecisión, canción que sería hit de FM si el mundo fuera un poco (sólo un poco) más justo.
Da ganas de ir a verlos en vivo y de seguir escuchando más. El que lo desee, puede bajarse del mismo bandcamp del grupo su primer opus, Grandes éxitos. Y para escuchar enterito Música total, pasen por aquí.
Temas destacados: Mi indecisión, Radiante.

Ahora sí, continúen buceando ustedes. Y den aviso si encuentran algo que les parezca interesante.

Borges y Mick

2011-09-21T13:30:00.000-03:00

Gustavo Sala es un genio que hace mucho tiempo merece ser humildemente mencionado por este blog.

Deuda saldada. Y más Sala aquí.

Los Shakers: uruguayos campeones

2011-09-16T14:45:00.000-03:00

“Los Shakers were a popular rock band in 1960s and was a part of the Uruguayan Invasion (!) in Latin America”.

(Wikipedia en inglés, tenía que destacar lo de Uruguayan Invasion).

***

Simple y harto repetido: he aquí el disco de Los Shakers más conocido como el Sgt. Pepper’s... del Río de la Plata. No me siento muy inspirado para escribir, pero alcanza con escuchar las canciones de estos genios uruguayos.

Habría que averiguar qué le pone al mate esta gente para ser así de talentosa. El 63,4% de los yoruguas tiene habilidades, lo sé (?). Sino no se explica que, ubicados geográficamente entre dos países de inmenso territorio y superior población, los amigos celestes lejos de palidecer siempre estén ahí, molestándonos a nosotros, tan lindos, los argentinos y los brasucas, los que pensamos que tenemos a los mejores músicos, los mejores futbolistas, los mejores culos, los mejores paisajes, la mejor alegría, la mejor nostalgia... La élite sudamericana, bah.

Y no, se nos aparece esta republiqueta -como dice el Indio- de tres millones de habitantes, y te pela un Suárez y un Forlán que no los para ninguna defensa (ni Zaira Nara) del mundo, y unas músicas con ritmo y polenta, y una Natalias Oreiros perfectas. Y unos músicos que casi no cantan pero hablan genial, siempre con la misma cara de paz y el relajo de Jaime Roos, o Drexler, o Mateo, o póngale el nombre que desee y que más le guste. Y encima, tienen el coraje, la valentía, la desgraciada caradurez de ponerle a sus hijos nombres geniales como Washington Sebastián, o mejor aún, Egidio, sólo por seleccionar dos ejemplos.

En fin, enumerar las bondades del Uruguay no era el punto (y además, llevaría mucho más tiempo si me propusiera hacerlo seriamente), la idea era hablar de los Shakers aunque hace un buen tiempo vengo pensando en un súper post de Uruguay con Rada, Roos, Prada, los Fattoruso, Eli-U (la hija de ese mito cada vez más grande llamado el Príncipe Pena) y varios talentos más que se me van (de Wolf y el Cuarteto escribí un tiempo atrás). Pero eso será otro día.

Decía, los Shakers. Vamos que llegamos. Los hermanos Fattoruso, la primera gran sociedad compositiva en el rock rioplatense, quizá, o genios universales, o ese tipo de gente que se decide a hacer algo y cuando lo lleva a cabo supera a todos sus colegas-competidores con una facilidad pasmosa, Los Fattoruso Hugo y Osvaldo (sumemos para llegar a 4 a Pelín Capobianco, el bajista y Caio Vila, el de los parches). Fueron cuatro de tantos pibes que enloquecieron con la música de los Beatles allá en los ’60 y no tuvieron mejor idea que armar una bandita, tocar algunos temas de sus ídolos y también, ser autores, para así componer algunos temas que terminarían siendo hits, principalmente en los tres países que nombré más arriba: Brasil, Argentina (donde grababan y tocaban con más frecuencia) y su tierra natal.

Los tipos grabaron tan solo tres discos de estudio en aquellos flequilludos años, pero les bastó para meterse en la historia grande del pop sudaca. Los primeros dos álbumes, el homónimo de 1964 y For you, del ’66, los muestran en una faceta bien clásica del afamado beat. Digamos, para resumir injustamente, los Beatles de la primera época. Que por aquellos días los grupos de la región cantasen el estilo en inglés era algo normal, pero ellos sorprendían porque lo hacían muy, muy bien (además de afinado, más que bien pronunciado). Algún desprevenido -creo recordar que era León Gieco- llegó al extremo de creerse que los cuatro de Montevideo eran los cuatro de Liverpool.

Para la época en que comenzaron a cranear el que sería su último álbum hasta la reunión de 2005, las cosas estaban cambiando en el beat sudamericano. Los Gatos ya la habían pegado con La balsa y se había instaurado un nuevo paradigma: a partir de ahora la música de los jóvenes se cantaba en castellano. Pero Los Shakers conservaron el idioma foráneo (fundamental en sus formas) e inspirados indudablemente en aquél disco en que John, Paul, George & Ringo jugaron a ser otros, se embarcaron en La Conferencia Secreta…

La Conferencia comienza con una mini suite, y revela algunas canciones que de haber sido compuestas por Roger McGuinn o Graham Nash serían clásicos de la era hippie (Una forma de arco iris o, exagerando un poco, la mejor canción en inglés de un grupo surgido en un país de habla hispana), para tomar vuelo hacia el final con Señor Carretera el encantado y Más largo que el Ciruela (compuesta para el hijo de Hugo).

La anécdota asevera que Pelín se bajó del barco durante la grabación del disco, por lo que debieron completar la obra con dos temas (Siempre tú, qué suerte que la incluyeron, y Oh mi amigo) que habían grabado el año anterior. Así, con el grupo desmoronándose, La Conferencia Secreta del Toto’s Bar fue un estrepitoso fracaso comercial, de esos a los que el tiempo les da la razón muchos años después.

Ahora, retrocedamos... ¿Cómo es aquello de que “jugaron a ser otros” estos cuatro pibes uruguayos que cantaban en inglés en el año ’68? Visto cuarenta y pico de años después, parece sencillo notarlo: a su música universal, le añadieron esos tintes locales que ya habían insinuado tímidamente en For you, titularon Candombe a una bella canción que se cruza con el repique de ese género, dando muestras de madurez compositiva con sólo 20 años; hablaron del Toto’s Bar, algo así como el lugar fundacional del rock de la Suiza del Sur. Y colaron un bandoneón (cortesía de Pelín antes de partir) en esa perfecta canción modelo ’67 que ya nombré más arriba, intitulada Más largo que el Ciruela: nada más y nada menos que el cierre ideal para un álbum de colección. Sofisticada melodía, mejores arreglos.

Entonces, ¿cómo jugaron a ser otros estos Shakers? Demostrando su identidad, su lugar: uruguayos con talento, melodía y voz propia. ¡Uruguayos campeones!

Dos canciones: hoy, el cineasta Bochatón

2011-09-05T11:00:00.005-03:00

Para no dar por muertas las secciones de este blog -¡sí, tenía secciones!- retomamos una de ellas, Dos canciones, con la excusa de hablar un poco de Francisco Bochatón, ése compositor personal y algo excéntrico que me gusta más en su fase cancionera que en clave deforme gorriona. Las dos canciones de las que hablaré provienen de un mismo álbum (en verdad, un EP), tan breve como bello: Píntame los labios, editado en el año 2001 como una secuela de su primera obra solista, Cazuela. Aquí vamos, entonces.

Pinamar: Típico caso de canción desoladora pero terriblemente bella. Antes de darle play, lo digo: creo que el mayor mérito del tema es el cambio armónico que hay entre los versos y el estribillo.
Pero empecemos por el principio, porque la introducción te sumerge en ése clima que nombro, con una línea de guitarra simplísima pero efectiva, tan indie que asusta y sin embargo, con un beat de batería y un teclado más bien de canción pop clásica. Los primeros versos pasan demasiado rápido y se produce el citado cruce mágico de armonías.
El detalle podría ser menor pero, aunque a veces no nos demos cuenta, cuando en una canción cambia el plano de los instrumentos puede ser clave para su estructura. En Pinamar, además del cambio armónico, en el quiebre que se da entre versos-estribo, se pasa de las teclas como protagonistas a un arrebato de guitarras (exacto, distorsionado pero no tanto) que acompaña a una letra perfecta. Casualidad o no, en los versos -parte de teclados, digamos- Bochatón canta frases más bien contemplativas, taciturnas -“reflejadas en agua contemplo las estrellas”-, y en el estribillo, en cambio, lo que aparece es “un huracán que la tormenta abrió”, en el paisaje “un resto fiel de la verdad”. Definitivamente, los buenos músicos son buenos cineastas (no estoy hablando de Fito Páez).

Todo va derechito en Pinamar. A primera escucha parece ser una canción redonda pero a la vez tiene ese algo incómodo: Bochatón parece lograr siempre una sensación de deformidad auditiva (?) y para eso ayuda su eterno desgano a la hora de cantar. Por supuesto, las imágenes de la letra y la sensación de separación -¿de una dama?, ¿de qué?- aportan el dramatismo suficiente para que la belleza de la melodía quede embarrada por un halo tristón.
Impecable canción.

Reflejadas en agua contemplo las estrellas
una mente continua mantiene la incoherencia
yo no quería encontrarte de pie, tirando piedras
el espigón, la gente, me mira como siempre
un huracán que la tormenta abrió
a un costado del mundo se quedó
y a la luz de la luna vi el cartel de Pinamar
una sola ventana que cerró
el viento que quería que te quedes
un huracán que la tormenta abrió
a un costado del mundo se quedó
y en el paisaje un resto fiel de la verdad
cualquier cosa que diga no es real
sabiendo que no quiero que te quedes
el hacedor de ideas se estrella en su carrera
la dirección del tiempo es frágil y se tienta
mi corazón de enero traduce los deseos
razón, dame una ayuda
tu luz es la que alumbra
un huracán que la tormenta abrió
a un costado del mundo se quedó
y a la luz de la luna vi el cartel de Pinamar
cualquier cosa que diga no es real
sabiendo que no quiero que te quedes.

22:33: También dramática, veintidós y treintaitrés exhibe en su música y letra una lánguida depresión, algo así como lo que les sucede a los animales domésticos y a los desocupados crónicos ("?" Nº 2). Imperativa al comienzo, la voz del platense susurra órdenes -¿o las recibe?- durante toda la primera estrofa. “Píntame los labios”, “hazme sonreír”, “bésame en la boca”: cada orden expresa un rito pasajero hasta que el protagonista pide que lo lleven al desierto. Exactamente ahí, la canción pasa de ser un folkito de armonía mayor superclásica a ser menor, es decir, más triste. La languidez la conserva, pero lo que sonaba amigable en un comienzo, deja de serlo. Y los acordes menores de la segunda estrofa hacen que todo suene más arrastrado.
En ese quiebre, se acaban las órdenes y comienza una ligera descripción espacio-temporal: “condición física sin deformidades, falla cardíaca, son las 22 y 33”. Pero la parte menor acaba rápido, como el tema, que concluye en la misma sintonía que comienza, con campanitas de fondo y una leve épica alegre. Todo en un minuto y medio.
El enigma de la falla cardíaca queda varado, pero al desierto de Bochatón nos gustaría ser invitados alguna vez. Ahí, las canciones se ven.

Píntame los labios
hazme sonreír
bésame en la boca
pasa un año junto a mí
llévame al desierto
llévame, llévame
que debes estar ahí
condición física
sin deformidades
falla cardíaca
son las 22 y 33
llévame al desierto
llévame, llévame
que debes estar ahí
Ahí...

Los tiempos están cambiando (en la música también)

2011-08-31T15:48:00.004-03:00

Mientras Roger Waters vende entradas como panchos para sus shows de River en marzo de 2012 -el mío sin mostaza, por favor- y Obras vuelve a abrir (gracias a dios), hoy se acordó en Reunión Plenaria de Comisiones del Senado que el 28 del corriente se tratará en el recinto el Proyecto de la Ley Nacional de la Música. El proyecto tiene como base la creación del INAMU (Instituto Nacional de la Música) y el financiamiento a las diversas actividades musicales, entre otros muchos detalles que pueden consultar acá, acá y acá.

Si querés leer la ley, pasá por acá.

Moris e hijo, quizá el disco del año

2011-08-25T12:32:00.005-03:00

"Quiénes fueron estas dos personas
y por qué se juntan justo ahora
en este cruce de asfalto y de ignorancia".
(Thomas y Lacroze)

El retorno de Birabent padre acompañado de su hijo ya posa para ser una de las vedettes de este 2011 no muy poblado de novedades en el vapuleado rock local. La frase de arriba, ese cruce de "avenidas" -Thomas y Lacroze se llama el tema que la contiene-, es en verdad o al menos para mí, una frase-homenaje de Antonio a su viejo. Papá es el asfalto, la calle, y él un aprendiz que no sabe nada (la ignorancia, claro).

Dieciséis añitos pasaron hasta que don Mauricio -el Maurice bueno che, Moris, no confundan por favor- se dignó a grabar. En verdad, buena parte del mérito lo tiene Antonio, la única persona que pudo convencer al autor de El oso para que muestre canciones que hasta ayer eran papeles amarillentos guardados en un cajón. Y no recuerdo otro proyecto conjunto de padre e hijo, menos en el rock local (a ver si me ayudan).

Familia canción, el disco que ha parido el dúo Birabent, muestra la inefable e indiscutible lapicera porteña de Moris, su espíritu por siempre tanguero, con esa poesía arrabalera que no se olvida de ningún barrio del Conurbano, y la inspiración de Antonio para componer temas que podrían ser de su padre (todo un mérito teniendo en cuenta que siempre ha sido un cantautor indie sin demasiada trascendencia, a decir verdad).

En los 35 minutos que dura Familia canción, pasan como ráfaga diez canciones bellísimas, con aires de tango, estribillos épicos y, claro, Buenos Aires atravesándolo todo. Moris conserva la misma voz que hace 33 años, quizá la última vez que fue escuchado con atención (Fiebre de vivir, el famoso disco español: de allí en adelante su sombra se lo devoró). Antonio canta de manera más melódica y menos seca. Donde su voz da belleza la de su padre certifica o endurece, y recita con su eterno dylanismo folk, ése que dice la verdad y sólo la verdad. Y ese contraste, sin lugar a dudas, agranda las canciones.

¿Canciones? Es difícil destacar una sola: Vedette falopa arranca folk, se sube a un tren funk y vuelve a mutar a canción, es una nueva visión descarnada de personajes patéticos, como Pato trabaja en una carnicería. Barrio pobre se sostiene en su perfección humilde y acústica que se completa cuando entra papá Moris, recita y deja correr... el silbido inicial y los que quedan de fondo después son un lindo detalle. Brasilero y guaraní, con sus camioneros y repiqueteos, es un tango modernizado con una batería que intenta no dejarlo ser (claramente, no lo logra). Con Parado en una esquina sucede algo similar: como inicialmente no sabe si ser tango o bossa nova, se resuelve como mejor les sale: siendo una bella canción pop. Eso sí, la letra no puede ser más tanguera.

El último tema suena a redención y agradecimiento de parte de Moris (no importa si lo compuso él o Antonio, no lo sabemos). Se llama El poeta de Varela y tal vez abra una puerta para lo que vendrá, con esa frase que cierra un disco impecable: "cuando quieras te canto mis temas".

Gracias por volver a hacerlo, maestro.

The Leisure Society, una forma de pasar el invierno

2011-08-16T12:33:00.000-03:00

No creo que haya músicas para una determinada época del año. Debo hacer esta necesaria aclaración antes de usar el invierno como estación-excusa para recomendar buena música. Sí, se que me estoy contradiciendo, pero son necesarias las excusas para acercarles nuevos descubrimientos (decoran más la cosa, le dan un envoltorio a algo que no lo tiene).

De todas maneras, uno puede afirmar que Nick Drake es para escuchar en otoño, Radiohead para el invierno, Locomía (?) para el verano y Avril Lavigne (!) para la primavera; pero en verdad, la música con atributos perdura y se deja escuchar en cualquier momento. Quizá exista en muchas personas -a mí no me sucede pero quizá a alguno de ustedes sí- la necesidad de escuchar cierto tipo de música según su momento personal.

En fin, la introducción de arriba es, repito, el pretexto para hablar de un grupo que me hipnotizó: hace dos semanas escucho diariamente (un domingo por la noche le di play por primera vez) la colorida música de The Leisure Society, un octeto inglés -en su myspace aparecen mencionados ocho integrantes, en las fotos son siete: preferí sumar antes que restar- autor de dos discos de notable factura, que podrían enmarcarse dentro del mundillo indie-folk, aunque sus arrebatos pop y su sonido tan hi-fi quizá juegue en contra de ambas etiquetas. Lo que más me gustó de entrada fueron los colores de su música, pero literalmente: antes de bajar los discos, me gustaron sus tapas-portadas-caras (y cuando te gustan las tapas ya es un buen comienzo).

Luego, fui por los colores de sus canciones, simples de esqueleto pero muy -muy, insisto- bien vestidas: flautas, violines, glockenspiels, cellos, mandolinas, pianos... todo trabaja de manera sutil para conformar al unísono un entramado amigable, consecuencia de esa polifonía de sonidos dulces y cálidos en el que reposa un trabajo vocal por parte del grupo que, no por similar, sino por bien puesto, me recuerda a los también apreciados (por mí, al menos) Fleet Foxes.

Por ahora, La Sociedad del Ocio (digámoslo, hasta el nombre está genial) lleva publicados dos discos bajo el ala del humilde sello Wilkommen Records. El primero, The sleeper, es una joyita que he escuchado diariamente desde aquel domingo de revelaciones. Un disco despojado, quizá más pequeño en sus intenciones si lo comparamos con Into the murky water, el sucesor en el que TLS redobla la apuesta dándole un poco más de vigor y oscuridad a una música inevitablemente luminosa y onírica. Están todos invitados.

Sueño stereo

2011-08-11T17:12:00.000-03:00

Su último disco se llama Fuerza natural, y no queda más que pedir eso para él en este extraño cumpleaños.
Me entristece su situación, ese sueño en el que está inmerso y parece no poder salir. A la vez, el sueño de muchos admiradores de su música, es que se recupere milagrosamente.

A esta altura… que pase lo que tenga que pasar, Gustavo.

Convoy

Te encontré en un tren
dejando atrás toda la locura
Nos miramos bien
Buscando nuestro punto de fuga.
Tantas ganas de explorarnos
Todo salió como lo planeamos
Se soltó el vagón
Y volamos al espacio exterior.

Próxima estación
Mucho más allá del sol
Convoy espacial
¿Qué tan lejos nos llevará?

Oímos la galaxia explotar
Cabalgamos otros planetas
Dormimos en nubes de gas
y en playas de relojes de arena
En cada noche, una nueva luna
Hicimos el amor en algunas...
Cuerpos a contraluz
Guiados por la Cruz del Sur
(Dentro de un volcán ardimos de pasión mineral)
Nadie supo que nos pasó
Y ahora somos polvo cósmico.

Próxima estación
Mucho más allá del sol
Convoy espacial
¿Qué tan lejos nos llevará?

Tanto hacer el bien y no se acuerda nadie, George...

2011-08-01T23:06:00.002-03:00

Qué bronca te daría si estuvieras vivo.
Vos, que con Ravi Shankar te mandaste el primer festival musical benéfico del mainstream.
Vos, que juntaste en un mismo escenario a Eric Clapton, tu amigo Ringo, Bob Dylan -en el único show del que participó en no sé cuántos años, antes y después-, Klaus Voorman, Leon Russell, Jim Keltner. Además de vos mismo, claro, que no habías hecho un show propio desde la separación beatle.
Vos, que recaudaste lo que pudiste para que lo administre la bondadosa UNICEF... y de paso te mandaste un discazo que ganó el Grammy y llamaste a Phil Spector para que lo produjera.

¿Todo para qué? Para que nadie se acuerde 40 años después.

Así es que, al menos, La Música es del Aire decide rememorar aquél show con una graciosa y simpática anécdota (y un aviso al final). Aquí la anécdota: "el concierto comienza con un recital de música india a manos de Ravi Shankar y Ali Akbar Khan, introducido previamente por Harrison y con unas palabras del maestro hindú explicando la duración de la sección india. Al cabo de un tiempo, ambos músicos procedieron a afinar los instrumentos durante al menos 90 segundos. La audiencia respondió con un entusiasta aplauso, al cual Ravi Shankar respondió: 'Gracias. Si habéis apreciado tanto la afinación, espero que disfrutéis de la interpretación aún más'".

En el sitio web del histórico concierto se puede ver entera la película (calculen por los 6 minutos y medio la anécdota de arriba, je). Prueben aquí para ver The Concert...

Para ir

2011-07-29T00:31:00.000-03:00

Los compañeros Lestani Florencia y Minimal Ariel se presentarán en el Ultra Bar de la ciudad de Buenos Aires (San Martín 678; si no son kircheristas pueden ir igual, por supuesto) todos los jueves de agosto, es decir, 4, 11, 18 y 25, a las 21 horas.
Las entradas se consiguen anticipadas a $30 en Ultra y Anthology (Santa Fe 1670 - Galería Bond Street, local 7). En puerta salen $40.

Flopa y Minimal presentarán (imagino) el repertorio de sus discos solistas y del trabajo conjunto Flopa Manza Minimal, además de las cuatro nuevas canciones correspondientes a Reducción de daños, el EP que regalan en sus webs como adelanto de un futuro álbum (si no lo bajaste, fijate acá).

LMEDA estará allí.

El mejor disco del rock nacional, el rock nacional en sí. Y el baterista olvidado

2011-07-19T00:05:00.003-03:00

Ya van más de seis meses que no puedo dejar de escuchar Seremos amigos, de Los Gatos, y aún ronda en mi mente esa idea exagerada e inabarcable que se sucede cada vez que algo magnífico, bello, inesperado y luminoso nos roza: sentir que esto es la perfección. Los gustos y las ideas van mutando casi diariamente, por lo cual no sé por cuánto tiempo más lo sentiré, pero como ahora es hoy y hoy este disco de Los Gatos me enfervoriza más a cada escucha, no puedo dejar de condecorarlo y de rendirme ante él como el mejor disco del rock nacional. Esta sentencia / apreciación personal encierra variados detalles, entre ellos, que odio la definición rock nacional, por lo tanto estaría diciendo que Los Gatos son los máximos referentes -los autores de la mejor obra- de ese movimiento (que, sonoramente, lo es) cuando lo que quiero pensar es que estas canciones son demasiado bellas para sólo considerarse como parte de ese lugar, lo trascienden (y me estoy encerrando solo, porque ese lugar lo cree yo mentalmente, aunque creo que comprenden hacia dónde me dirijo).

Lo que quiero explicar es que no creo que rock nacional sea cualquier grupo que enchufe sus guitarras, se distorsione y suene. Ni siquiera ése es un mandato fundamental. Rock nacional, o lo que al menos podría un obtuso como yo llegar a comprender como ello, es cancionero y melódico, rock nacional puede ser distorsionado pero hasta ahí, no necesita de un alimento enérgico más fuerte que la propia melodía de una canción. Rock nacional nunca sería heavy metal, y ya lo dijo Iorio alguna vez con su habitual sutileza, que él no formaba parte del rock nacional, "Fito Páez, Fabiana Cantilo y toda esa mersada". Pappo, si no hubiera compuesto Desconfío, estaría un poco más afuera de ser rock nacional (haber sido parte de los inicios también lo ayuda, también haber muerto aunque suene horrible). Él, que categorizaba magistralmente quién era y quién no rock, hablaba de "dos tarados que con la guitarrita y la flautita vinieron a ablandar la milanesa". Y Sui Generis, sin dudas, fue uno de los primeros fenómenos de lo que aún hoy se considera rock nacional.

En fin, creo que se entiende -o no y a esta altura no importa porque estoy escribiendo esto de corrido y a base de la nada misma, más que algún pensamiento perdido- a dónde voy con esto de rock nacional. Y el propio Litto Nebbia, inicialmente máximo ícono de esa entelequia, seguramente hoy esté fuera de cualquier discusión genérica, aunque la chapa quede. En Seremos amigos, su tercer elepé, Los Gatos concibieron su criatura más perfecta, digna de comparación, incluso, con obras contemporáneas del primer mundo beat.

Pero hay que acostumbrarse desde hoy, 43 años pasados de su edición, a un disco tan ingenuo -Sólo seremos amigos, amigos y nada más / y nadie nos molestará- como original. El grupo muestra su consolidación después de dos bonitos discos iniciales e iniciáticos, encontrando sonidos psicodélicos a los que nunca había llegado en Cuando llegue el año 2000, que ya llegó; grabando (dice el mito, habría que buscar, lo cierto es que Kay Gailfi distorsionó con un grabadorcito Geloso y se pudrió todo) el primer tema con guitarras distorsionadas del rock nacional, La chica del paraguas, una pieza que no ha tenido la suerte de superclásico que merece; y llevando a cabo su canción más producida, otra gema pop que debería llenar de dinero a su autor y que lleva la huella evocativa que atraviesa toda la carrera del mismo: Mañana, donde un Nebbia de ¡20 años! se pregunta qué esperar del porvenir, amor o soledad.

Quizá lo que me inspiró a escribir estas líneas fue un hecho que me hizo un poco de ruido en estos días: ver que en varios medios especializados (?) en rock (!) nos recordaban que se cumplieron cinco años desde la muerte de Syd Barrett, olvidando, omitiendo o despreciando, elija usted, que cuatro días después del adiós de Syd falleció una gran personalidad del rock de acá, quizá el mejor baterista en la historia del género. Hablo de Oscar Moro, por supuesto. De Moro quizá parezca que no hay mucho por decir, todos los que gustamos de estas músicas sabemos que tocó en Serú y también en Los Gatos (y siguen las firmas). Pero lo importante es escucharlo: apretar play y apreciar la potencia que le impone a Cuatro meses, el desparramo que hace en cada cuerpo de su batería en la perfecta Esperando a Dios -¡hay que volver a esos coros, señores!- y el laburo más silencioso pero importante para la esencia psicodélica del citado Cuando llegue el año 2000, por dar algunos ejemplos que me sumergen en una conclusión harto repetida pero inevitable: el baterista es el puesto más ingrato en un conjunto, como el arquero en el fútbol. Por eso quería escribir de Moro, más allá del divague inicial. Ésta era la cuestión.

Un lustro sin Moro, qué pena. A quién le importa qué es y qué deja de ser el rock nacional.

(Nota: este texto fue escrito hace varios días, y por la velocidad con que fue hecho me salteé algunas aclaraciones:
1- El disco, por supuesto, permanece descatalogado, por ese don apropiador de las compañías discográficas.
2- Que esto salga justo antes de día del amigo -digo, por el nombre del disco- es una casualidad. Pero igual queda bien.
3- Olvidé mencionar la despedida hablada de Litto: debe ser lo más tierno que escuché en un disco, o anda por ahí).

Algie, el chanchito valiente

2011-07-11T19:03:00.001-03:00

En diciembre de 1976, la grabación y mezcla de Animals estaban terminadas, y empezó el trabajo para hacer la portada del álbum. Hipgnosis había presentado tres ideas y, por una vez, ninguna nos pareció atractiva. Así que, al final, la portada surgió de un concepto de Roger, llevado a cabo por Storm, centrado en la central eléctrica Battersea -arriba en la foto-, una extraña visión futurista en las riberas del Támesis, que estaba acercándose al final de su servicio activo. La construcción inicial se completó a principios de la década de 1930, y fue diseñada por Giles Gilbert Scott –el diseñador de la simbólica imagen de Gran Bretaña de las cabinas telefónicas rojas, hoy también desbancada–; el edificio, de hecho consistía en dos centrales eléctricas unidas; fue la segunda de éstas, construida en 1953, la que proporcionó el perfil de Londres con sus cuatro imponentes chimeneas. Por entonces Roger vivía en Broxash Road, justo al lado de Clapham Common, por lo que conducía atravesando Londres para llegar a los estudios en Islington prácticamente a diario, haciendo una ruta que le obligaba a pasar delante de las amenazadoras chimeneas de la central eléctrica, lo cual le proporcionó la semilla de la idea utilizada para la portada (aquí debajo).

Andrew Saunders hizo la maqueta del cerdo hinchable –con la ayuda de Jeffrey Shaw– y luego una empresa alemana nos fabricó el objeto real. Ballon Fabrik había ganado destreza construyendo los zeppelines originales, pero, posteriormente, en una buena muestra de reciclaje de materiales bélicos, fabricaron varios globos para nosotros. Acabamos a principios de diciembre en la central eléctrica abandonada con un gigantesco globo con forma de porcino (al que por alguna razón llamamos Algie) –de unos nueve metros de largo, lleno de helio y muy truculento–, sin dejar de tirar de sus amarres. Como precaución adicional teníamos a un tirador entrenado a punto en caso de que Algie se diera a la fuga.
La sesión fotográfica estaba programada para el 2 de diciembre, pero el tiempo era inclemente; también teníamos algunos problemas con los aparejos, por lo que decidimos dejarlo para el día siguiente. Desgraciadamente, aunque el tiempo había mejorado a la mañana siguiente, el tirador aún no había llegado y no estaba en su lugar a la hora del lanzamiento. Hubo una ráfaga de viento repentina, el calabrote de acero se rompió, y Algie se soltó, ascendiendo a los cielos a unos sesenta metros por segundo, mucho más rápido de lo que puedo hacerlo el helicóptero de la policía para interceptarlo. No se trataba de un montaje deliberado y todos éramos bien conscientes de que aparte de perder una maqueta muy cara podíamos provocar un grave desastre de aviación. Se convocó a los abogados, se pensó en planes de emergencia y se propusieron chivos expiatorios.

Storm Thorgerson, genio creativo de Hipgnosis, el colectivo artístico que ha realizado geniales portadas de álbumes de rock.

Uno de mis recuerdos favoritos de todo el incidente es la reunión con nuestro abogado Bernard Sheridan, al que Linda Stanbury, nuestra asistente personal entonces, le adoctrinó en las cuestiones del papeleo de la gira; cuando Sheridan se enteró de la noticia de que el cerdo se estaba dirigiendo hacia Alemania refunfuñó: “Pero si no tiene pasaporte…”.
Afortunadamente, el cerdo descendió espontáneamente, y lo recuperó un granjero de Kent sin haber causado ningún daño. Hubo una anécdota de un piloto de una compañía aérea que detectó un cerdo errante al ir a aterrizar en Heathrow, pero tuvo miedo de contarlo por si acaso los controladores de vuelo pensaban que había estado bebiendo. Desgraciadamente, me temo que esto es tan sólo una leyenda. La terrible verdad es que la imagen del cerdo fue añadida en la portada final más tarde, ya que la mejor imagen de la central eléctrica, en un ambiente de nubosidad variable, se había tomado en un día de reconocimiento anterior, cuando Algie estaba ausente.

(Extracto del excelente libro Inside Out: A Personal History of Pink Floyd, de Nick Mason).

Algie se eleva por encima de la Battersea Power Station en diciembre de 1976, mientras el tirador toma puntería.

Novedades en formato de single

2011-07-05T00:22:00.005-03:00

Aquí venimos con pequeñas novedades del mundo discográfico (¡sí, todavía existe, piratas!). Dos de nuestras bandas favoritas -hablo por todos- han lanzado respectivos singles como adelanto de sus futuros discos. Hablo de Wilco, de allá, y Valle de Muñecas, de más aquí.

Los muchachos de Chicago -otra vez se rumorea que andarán yirando por la Argentina, crucen los dedos- se han despachado con un temita simpático pero, debo decir, algo insulso, titulado I might. Quizá le falte algo de power, a pesar de tener una base que se carga todo. A ese tema, le suman como lado B una bonita versión de I love my label de Nick Lowe: veremos si sale también en el álbum, que se va a llamar The whole love y verá la luz el 27 de septiembre con, por suerte, la primavera como estación acompañante. Pueden escuchar ambos temas aquí. Y cabe aclarar que, aunque el adelanto no parezca gran cosa, de ellos siempre esperamos mucho.

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Más acá, el amigo Manza Esaín nos entrega novedades después de un buen tiempo. Folk fue la última producción de Valle de Muñecas hace ya cuatro años, y La autopista corre del océano hasta el amanecer -¡gran nombre!- va a ser su sucesor. ¿Por qué tardaron tanto? Las razones, sospechamos, pueden ser dos: Esaín produce incansablemente cantidad de discos del under argentino; y para colmo se ha juntado el último año con sus amigos Flopa y Minimal para recrear aquel grandioso disco que grabaran hace ocho años.

Sus adelantos, virtuales, también son dos: La soledad no es una herida -que contiene la frase que da nombre al disco-, con el fraseo habitual de esa voz tan especial y un bajo que -tal el caso de Wilco- pasa al frente para arrasar con todo; y la cara B llamada Cuentos para no dormir jamás, menos agónica en apariencia, pero con tres palabras -"todo acaba siempre"- que forman la frase insignia de una letra desoladora.

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(Nota: de paso, avisamos que Valle de Muñecas estará presentándose próximamente en el auditorio de Radio Nacional el martes 12 de julio, en tanto que el jueves 21, también de este mes, la cita será en el Salón Pueyrredón).

Tangazo

2011-06-30T18:30:00.002-03:00

Este último tiempo releí después de muchos años la biografía autorizada de Charly (aquella que escribió Sergio Marchi, No digas nada) y su relectura me llevó a volver a muchos de sus discos que tenía olvidados (o bien a otros que tenía muy poco escuchados). Desde su retorno a los escenarios y su actualidad distante de aquellos tiempos híper inspirados, siento que -al menos yo- a Charly prefiero dejarlo en paz. Que toque si quiere tocar, que haga su vida, que disfrute, que se case con una niña que le roba su dinero (!), que se alimente como nunca se alimentó desde que tengo memoria. Ya está. Todo lo que tenía que dar nos lo dio y es más que suficiente el legado que García ha dejado a la música argentina.

Pero volvamos al comienzo. Entre los discos que retomé está el de acá arriba hecho a dúo con Pedro Aznar, uno de sus grandes socios musicales y un tipo que a mi parecer siempre se desempeñó de manera excelente cada vez que le toco eso, acompañar. Aznar de frontman es un cinco jugando de enganche: nunca me gustó, le falta carisma, onda; pero como compañero sin dudas es de los mejores (discutir sus cualidades como músico e instrumentista sería estúpido, una pérdida de tiempo que no pienso llevar a cabo).

El de acá arriba es Tango 4, álbum que ocupa un extraño lugar en la discografía de Charly. Podría afirmar que forma parte de un momento de su trayectoria que defino como el Charly Periférico (?). Es decir, el Charly que está escondido entre sus arrolladores comienzos como solista -la famosa trilogia Yendo de la cama al living, Clics modernos y Piano bar, más el brillante Parte de la religión, tal vez mi favorito- y el caos de la era Say no more.
El Charly Periférico sería, entonces, el de Cómo conseguir chicas, Filosofía barata y zapatos de goma, Tango 4 y -entra acá justito, podría considerárselo como el antecedente de SNM- La Hija de la Lágrima. Cuatro discos muy buenos a los que nadie les da actualmente la bola que merecen, como si se hubieran perdido en el tiempo y García hubiera pasado directamente de ser el genio que hacía todo bien a mediados de los '80, al psicótico que hacía canciones desde el ruido, bardeaba al público, no concluía sus shows, tocaba para Menem y para colmo... ¡el hijo le robaba los discos para subirlos a la web!

Y es injusto que nos olvidemos de momentos como Tango 4, donde están ocultas grandes canciones como Mala señal, Happy and real (con letra en inglés y voz desgarrada-forzada-bien desafinada, a lo Neil Young en Borrowed tune) y Vampiro, de gran armonía y letra 100% garciana. Acompañan de cerca el hitazo Tu amor, 30 denarios -"¿qué quieren más de mí?"- y dos excelentes versiones: Sólo Dios sabe, la visión en español del Only God knows beachboysiano; y Rompan todo, de Los Shakers, también en español y con la participación estelar de Roberto Sánchez, más conocido por vosotros y vuestras abuelas como Sandro.

Todo lo enumerado no me deja dudas de que es un disco impecable. ¿Los demás que nombré? Búsquenlos por su cuenta.

(Nota al pie: todo este texto lo escribí hace un par de semanas, en el medio, volvieron a joder con Charly. Qué rata que sos P*rfil, ¡digno Smithers de Cl*rín!)

Charlas con músicos: Pablo Vidal de La Perla Irregular (pt. 2)

2011-06-25T16:38:00.000-03:00

Segunda y última parte de la charla con el señor Pablo Vidal, voz y guitarra de La Perla Irregular. (¿La primera parte? ¡Debajo de ésta, ciegos!). Aquí, la deconstrucción de su último disco Rafael, cómo ve el autor a este nuevo álbum al lado de sus otras producciones y algunos detalles del futuro y los gustos personales del entrecharlado.
Que lo disfruten (se recomienda leer el final de la primera parte y volver a ésta).

RAFAEL, TEMA POR TEMA
Si te animás lo contamos.
Dale. En el primer tema lo que hace Rafael es empezar algo... y en realidad no empieza él, alguien lo empieza a él, no es él el que habla. Es como un relato enmarcado, alguien de afuera lo presenta.
Y ya en (Sólo jugar), la segunda canción, él aparece y continúa eso. (Sólo jugar) es como una especie de sueño de Rafael en el que él deviene en un cartonero. Cuando lo hice lo imaginé así. Lo que quería marcar en realidad era lo trágico de la vida. En cualquier condición material... todos pasamos por las mismas cosas: nacemos, crecemos, nos morimos. Todos estamos como en el vacío, no tenemos ninguna certeza de que haya algo después, algo antes, que haya un dios... Estamos todos en la misma, la vida es absurda para todos en un punto. Entonces el cartonero va atravesando sus días y se va dando cuenta, en su pobreza, que en realidad es como todo un juego y que ese juego no tiene finalidad, no tiene objeto. El tipo se va dando cuenta de eso y lo toma como parámetro para seguir viviendo y experimentando... es un poco polémico, por eso no lo quise hacer muy explícito, porque me pueden decir “bueno, pero vos lo decís porque vos tenés para comer”, porque soy de clase media, pero estoy hablando de otra cosa.

Está claro que está visto desde otro lado.
Claro, no es que digo como el neoliberalismo que hay un predestinamiento, impuesto por las leyes de un mercado autorregulador, y que el pobre es pobre y siempre lo será (que es algo opuesto a lo que pienso). Está puesto más en un plano filosófico, del no sentido de la vida, desde ahí. Eso es lo que plantea el tema, todo a través de un sueño medio loco. Y ése es el primer paso que da Rafael.
El tema siguiente, El tren de las diez, es más explícito quizás. Habla sobre su mujer, su pareja, a la cual le da una libertad inusual para él, la suelta... Y ella decide irse, entonces él entra en crisis, se emborracha, se despierta con la foto de ambos que rompió y recuerda momentos con ella. En el estribillo dice: “que cantábamos la desnudez, mientras espiábamos que habría de hacer el otro al amanecer”. En realidad, los dos siempre tuvieron el miedo de que algún día el otro se fuera. Es un relato bastante claro en cuanto a la narración. Al final sale a buscarla…

Y ahí viene Guadalú...
Guadalú en realidad es una historia prostibularia.

Yo pensé que El tren de las diez y Guadalú se continuaban.
No, El tren de las diez termina ahí y el tipo nunca te dice de ahí al final si la encontró o no… Y Guadalú es otra historia, es como un viaje iniciático todo lo que hace Rafael: hace, deja de hacer, prueba de todo y conoce más... Y Guadalú es una prostituta de la que él se enamora.

¡Grave error! (risas).
¡Claro! Entonces, es toda la relación de paranoia que él entabla con ella al enamorarse de una prostituta, que es lo último que se debe hacer... La acusa al comienzo de la canción, porque puso sus expectativas en ella y la mina no tiene problemas con nadie y hace lo que quiere.
Me gustaba el hecho de poder meter una historia prostibularia porque es un tópico muy común, en el tango, en las canciones mexicanas, las rancheras, está lleno. Pero en el rock no tanto…
Y el tema siguiente, “Mi otro corazón”, es un viaje en el tiempo. Rafael -en un sueño o lo que quieras, es inconsciente-, volvió a la conquista de América. Está basado en los Arahuacos, el primer pueblo con el que Colón tiene contacto cuando llega a América, un pueblo que vivía en la abundancia, cerca de El Salvador, un lugar donde no faltaba nada y vivían felices, a tal punto que habían desarrollado un lenguaje muy abstracto, muy poético (esto lo saqué de Galeano, de Las venas abiertas...). Entonces, tenían ese lenguaje rico en poesía, al estudiarlo posteriormente notaron que usaban muchas frases metafóricas para referir el mundo. Amigo se dice “mi otro corazón”, “ama de la noche oscura”, es el búho. Agarré esas frases y las usé en toda la letra.
Y lo que cuenta la historia es que Rafael tiene un amigo, que es como su hermano, y un día desaparece... a todo esto, corre la voz de que llegó una gente extraña a su pueblo a quienes los Arahuacos quieren tratar amistosamente hasta que se dan cuenta de que los extranjeros recién llegados iban por el oro. Hay una suerte de enfrentamiento... y Rafael empieza a sospechar que la desaparición de su amigo se conecta con la llegada de estos hombres... Puede parecer un poco forzado que en esta canción el protagonista también sea Rafael, pero como si fuera un film, el disco se permite viajar dimensionalmente, digamos, y violar las unidades de tiempo, espacio, acción.

Continuamos: El sueño que sueño.
En un momento, Rafael mira para atrás y es un sueño enmarcado en otro. Se ve a él de pibe.

¿Te gusta Borges? Porque tiene una cosa medio de Funes, el memorioso lo que decís.
No lo leí tanto a Borges, pero ese cuento está bueno. Y bueno, transcurre el sueño y al final dice: “luego el sueño prosiguió, despertábame tu voz”, entonces uno no sabe si esa voz que lo despierta es dentro del sueño, o si es alguien que lo despierta efectivamente de lo que estaba soñando. Pero a partir de que lo despierta esa voz, revive. Después viene el Blues del oxidado, un tema en el que Rafael se ve completamente solo en el mundo y no sabe para donde disparar.

Ya comienza esa reflexión final en donde el tipo se descubre a sí mismo, digamos.
Sí, claro, también se descubre a él gracias a Guadalú, a la pérdida de “su otro corazón”, a su pasado... Primero, pierde el sentido, después pierde a su mujer y al amor, después a su amigo y en el sueño a sí mismo. En el blues se ve solo y empieza a tomar posición, y más o menos de eso trata la letra.
Y después viene Cielo serás: después del blues, es un vuelco. En el blues queda solo y va subiendo al descanso, Cielo serás es un reencuentro consigo mismo, aunque, “no somos piel, cielo serás”...

Y se acerca el final con Los Rapsodas.
Acá habla de su oficio, que es el de músico.

¿Viene autobiográfico eso?
No, para nada. O sea, todas las letras hablan de uno porque es imposible que algo que vos hacés no hable de vos, ninguna es explícitamente autorreferencial…

A pesar de eso, casi todas las letras están hechas en primera persona, quizá por el personaje...
Sí, eso me salió así... Y bueno, los rapsodas son un grupo... a la Greco... el poeta no era lo mismo que ahora, era un médium entre los dioses y la comunidad. Entonces, los rapsodas iban a la plaza con un instrumento y estaban tres horas recitando una poesía (ponele homérica, La Ilíada, La Odisea, que son tres horas de memoria, tocando la lira y recitando). En ese momento, eran un canal por el que hablaban dioses y el pueblo quería escuchar esa historia, esa enseñanza. Entonces, eran la poesía, la música, significaban eso. Y cuando ellos actuaban era un momento de perdición para el que las recibía.

Como puede pasar en un recital, salvando las distancias.
O en una obra de teatro o el cine, pero creo que a una escala mayor, porque había otro desarrollo de la sensibilidad, del impacto, del shock, de lo sensorial. Viste cuando acá estaban los radioteatros, hay anécdotas de gente frente a la radio llorando, gritando... eso ahora es imposible. A lo que voy es que los rapsodas eran algo sagrado.
En la letra son los rapsodas hablándole al público en algunos momentos, y en otros describiéndose a ellos y su alrededor. Hay quien dice “yo me abandoné”: habla del oficio del músico, del poeta. El tipo se abandona a su arte y no le importa nada más. Hay un texto de Jung que habla del ciudadano común y el artista, y dice que todo artista tiene un porcentaje de ciudadano común y otro de artista: hay quien logra equilibrio, otros que permiten más hombre común y otros, más artista. Y bueno, los rapsodas se volvieron una palabra, los tipos se abandonaron a su arte. Los actores del medioevo, los que hacían La Comedia del Arte, toda su vida desarrollaban un personaje, un arquetipo, dedicaban su vida a ese único personaje y rol... Es Rafael experimentando el oficio y explorando el límite o linde entre las dos cosas.

Y después llega el descanso.
Llega al grado máximo, que es la relajación...

“Descanso de laboriosa condición”.
Del capitalismo (risas). De la destrucción, de todo. Vivimos en un quilombo, pero Rafael se encamina para hacer un descanso en su mente, que quizás le dé fuerzas para tener otra perspectiva que sea más constructiva. Esta es ya mi interpretación, porque esto no está sugerido en la letra.

Excelente. ¿Y cómo ves al disco musicalmente al lado de los anteriores?
Este disco está menos lleno que el anterior, son arreglos más solidarios, cuando entra un piano sale una guitarra, si entran cuerdas, otra cosa pasa a un plano más atrás. Se generan más espacios, más aire para que entren los arreglos. Hay temas que tienen la misma cantidad de instrumentos que en La Novena Utopía, pero la diferencia es que no están todos superpuestos.
También tiene un costado más pop, más sintético, las canciones duran menos. Hay construcción pero es una construcción más simple. Los Rapsodas capaz es un tema complejo pero dura tres minutos, y tiene como cinco partes temáticas en su interior. Lo mismo pasa con Rafael (el tema). El sueño que sueño es más derecho, Cielo serás también. Con este disco se bajó un cambio: para poder subir tenés que bajar, como un resorte, es así.

Y en el futuro vuelven a subir. ¿Hay algún esbozo, nuevas canciones?
Sí, ya hay varios temas que están compuestos para "LPI IV". Van a dar para arreglar mucho, son canciones en el camino de Donde el ladrillo o Decimos sí, reformuladas. Canciones algo raras, que entran raro. Un neopop psicodélico, que de alguna manera no está en los otros discos. Y también algo medio afroamericano-latino, con toques de Litto... pero que va a terminar sonando súper beat.

Los Gatos tienen una cosa latina, Los Shakers también, tienen ése tema con bandoneón que está buenísimo...
Sí, es verdad. Y la idea es que sea un disco de cuarenta y pico de minutos con catorce temas, ya está la mitad más o menos. Quiero completar el disco con temas más rockeros y distorsionados, porque los que tengo son más bien pop.

Que tenga un equilibrio entre esos dos costados.
Sí, porque este disco a mí me gusta pero quedó un poco desequilibrado en ese sentido, recién acá aparece una distorsión (señala al Blues… en la contraportada de Rafael).

Puede ser, aunque Rafael es un tema oscuro, Guadalú va “derechito”...
Sí, es cierto, pero es más popero. Quiero eso, un par de temas más oscuros, más densos.
Lo que me pasó con este disco es que dije: ya hice un montón de cosas y no las tengo que repetir... Quizá por eso tenga estos temas determinados, porque quería decir otras cosas tanto en el plano letras como en la música. En este disco está Guadalú: no había habido un tema pop tan lineal en los otros discos, o por otra parte, en otro estilo, Descanso, no había ninguno así antes. Me interesó eso para que no sea lo mismo de siempre, y que a la vez contribuya a una obra más general, que es la suma de todos los discos. Porque para mí entre todos los discos se forma uno, y entre todas las canciones se forma una sola enorme que contiene al resto. El ejemplo máximo son los Beatles en este sentido...

Son el ejemplo para casi todo, siempre.
Sí, siempre. Toda su discografía forma los Beatles, cobra sentido toda junta. Nosotros ya tenemos tres discos, un simple y un EP. De repente, en el simple está el tema Desayuno en la hierba que vino un conocido el otro día y me dijo que lo estaba escuchando y alguien le dijo: “sacá esa música para chicos, ¿qué estás escuchando, María Elena Walsh?” (risas). Entonces, que exista esa canción y Redimida en el universo de La Perla, está buenísimo.

(BONUS TRACK, LAS PREGUNTAS DE SIEMPRE)
¿Qué canción elegirías para mostrarle a alguien si te pregunta de qué va la banda?
Por ahí le mostraría Donde el ladrillo, porque sintetiza lo pop, lo psicodélico, y tiene un espíritu que es de rock. Por los arreglos, la melodía... es una buena introducción al grupo.

¿Y qué canción te hubiera gustado componer? Si querés una de acá y una de afuera.
A ver… (Piensa bastante). Bueno, digo uno que se me ocurra ahora, no lo pensé. De acá (sigue pensando)... el tema que cierra Pescado 2. Me encanta, es uno de los mejores que hizo el Flaco para mi. Y de afuera... ya lo tengo. She loves you.

¡Sorpresa! ¿Te gusta más la primera época que la segunda?
No, pero me gusta tanto como la segunda. Las canciones parecen simples pero ni ahí, cuando escuchás las melodías te das cuenta. Escuchás A hard day’s night y ya el primer acorde, chirirín... Un disco que empieza con ese acorde, ya está.

Tal cual, ¡es el secreto del tema! Para cerrar, elegí los cinco discos que salvarías de un incendio (o la catástrofe natural que se te antoje).
Voy a elegir Revolver primero, Pescado 2 segundo, tercero el primer disco solista de Litto Nebbia, Volumen I... Cuarto me llevo For you de Los Shakers y quinto... me voy a llevar uno de Bob Dylan, creo que Highway 61 (dice 'sesenta y uno' en castellano), está bueno, con Desolation Row ahí al final. Esa viola que puntea me encanta, y la letra es impresionante.
Obviamente, son los 5 de hoy, distintos a los que seguramente elegiría mañana.

Para finalizar, les dejo una novedad. Recién salido del horno, el nuevo (y enigmático) videoclip de La Perla Irregular: Los Rapsodas, realizado por PI Producciones, entre mayo y junio de este año.

Los Rapsodas - La Perla Irregular from LaPerlaIrregular on Vimeo.

Charlas con músicos: hoy, Pablo Vidal de La Perla Irregular (pt. 1)

2011-06-16T23:10:00.002-03:00

Hace un par de meses me junté con Pablo de La Perla Irregular para charlar un poco sobre el nuevo disco de la banda, Rafael. Y los proyectos venideros, los cambios de integrantes que hubo a fines del año pasado, más detalles varios (cosas que van surgiendo en toda amena charla).
Con Pablo tengo muy buena onda desde hace un tiempo por una cuestión simple: es un pibe muy inteligente y agradable para charlar, y hace una música estimulante para mis oídos con su banda. De mis favoritos dentro del under porteño -si suelen ingresar a este humilde espacio saben que soy insistente al respecto, sino bienvenidos, me gustan estos pibes- La Perla Irregular ha construido en menos de tres años los cimientos de una obra que deseo sea descubierta por el gran público, que ha acusado recibo de algunos fenómenos interesantes como Lisandro Aristimuño y Onda Vaga, demostrando que no se necesitan hits para lograr respeto y popularidad. De fines de 2008 a esta parte, LPI ha editado tres discos, un EP y un simple, además de participar en cuanto compilado y tributo pudieron.
Hace un tiempo estuvo la idea de armar una “nota”, pero Pablo prefirió otra cosa. Ahora sí, aquí les va la primera parte, donde Vidal nos cuenta acerca de los cambios musicales dentro del grupo a causa de un par de modificaciones en el equipo y desentramamos algunos de sus métodos a la hora de componer y construir una canción. Que lo disfruten.

LOS CAMBIOS
Contame primero sobre los cambios que hubo en la banda.
A finales de 2010 los integrantes de La Perla éramos Marcos Fernández en batería, Diego Sánchez en teclados, Ricardo Sanabria en bajo, había entrado ya Joel Bonelli (a través de Richie) en la guitarra y yo en guitarra y voz. Pero ya a mitad del año pasado, habíamos arreglado con Marcos y Diego que ellos iban a seguir tocando hasta fin de año y después iban a dedicarse de lleno a su proyecto propio. Entonces hasta fin de año fuimos esos integrantes, para las tocadas en vivo. Y a partir de este año 2011, continuamos Richie, Joel y yo, y se sumó Esteban Camejo en batería.

¿Y el tecladista? ¿Se busca?
Queremos agregar un tecladista pero a la vez estamos en un proceso de explotar el formato cuarteto y reemplazando arreglos que había en teclados, con guitarras. No tenemos apuro...

¿Y en qué cambió la banda con los cambios de integrantes? Los bateristas cambian a una banda...
Sí, es cierto. Esteban tiene un estilo muy distinto al de Marcos, que tenía una fuerza particular en su tocada y tenía otros movimientos, otro recorrido del instrumento: estaba una buena parte del tiempo pasándose por los distintos cuerpos de la bata, los platillos; tenía un lugar muy protagónico en el vivo. Y eso estaba bueno, pero quizás nos impedía un poco hacer al grupo más uniforme, más beatlero si se quiere: que cada cosa ocupe un lugar más chiquito para que entre todos se haga una cosa más grande. Entonces estaba muy bueno porque tenía mucho virtuosismo, pero a veces costaba un poco conseguir lo otro. Mientras que Esteban es un baterista con mucha destreza, tiene habilidad y tiene pegada. La base que se está armando en el grupo es muy sólida y permite que la canción camine de una manera distinta. Imaginate igual que estamos tocando desde febrero de este año con él, así que recién vamos cuatro meses, sin embargo de a poco vamos logrando lo que buscamos.
Antes yo veía que teníamos muchas buenas individualidades pero no había un “grupo”. Cada uno sabía lo que tenía que hacer con su instrumento y lo hacía, pero no terminaba sonando para mí a un grupo, en cambio, ahora creo que está sonando un poco más cohesionado todo.

COMPONER, ESCUCHAR, BUSCAR
¿Cómo repercute en los demás que vos seas el único compositor, de alguna manera el ‘líder’?
Mirá, por ejemplo, Esteban se tuvo que aprender casi los tres discos de memoria. Él se aprendió lo que ya estaba grabado, pero de repente agregó variaciones o dijo “esto podríamos hacerlo así”. Y hubo cosas en las que cedimos y otras que no porque eran como el toque del tema, eran importantes.
Ellos lo toman bien porque son buenos intérpretes, buenos ejecutantes... en una orquesta hay un director, un compositor y un ejecutante, y se necesita de los tres para que suene la orquesta. Y más acá, en las bandas de rock, se tiende a que haya instrumentistas que hacen la suya y muchas veces funciona muy bien, pero otras veces no tanto. A veces uno escucha una canción y el bajo no dice nada… Y capaz es por falta de criterio del bajista, o porque no hay nadie que tome la batuta y guíe un poco a grandes rasgos...

Y quizá porque el tipo no compone, también.
Y como a nadie le gusta interferir con los egos de nadie y decir “che, fijate, ahí podrías haber hecho otra cosa”, como que pasa de largo y así termina habiendo canciones que escuchás el bajo o las guitarras y no dicen nada, o el piano, y uno se cansa de escuchar canciones en la radio que no pasa nada, que no hay muchas ideas.

¿Y qué escuchás últimamente?
Vengo escuchando mucho las bandas con las que compartimos fechas, por ejemplo P.E.L.S. y La Patrulla Espacial, esas bandas me re gustan, están buenísimas. Después sigo escuchando bandas viejas, The Millennium, Sagittarius, Nick Garrie... Escuché una banda de La Plata que me gustaron las letras, que se llama Miro y su Fabulosa Orquesta de Juguete; a Julieta Rimoldi hace rato la vengo escuchando... por ahí ando. Pero volvamos a lo anterior que te quería decir algo y no me acuerdo qué me habías preguntado.

Sobre lo que componés y lo que colaboran los chicos...
Eso, claro. La idea es que en el momento que les paso arreglos, también les digo “fijate si se te ocurre algo mejor y lo vamos dialogando”. Por ejemplo, ahora hay un tema que grabamos para un compilado sobre El Eternauta y cada uno hizo su arreglo, lo fuimos ensayando y los fui guiando un poco con el espíritu del tema, pero después cada uno hizo lo suyo. Terminamos la grabación y quedó muy bueno.

¿Eso cuándo sale?
Va a estar para octubre ese disco, producido por Concepto Cero, sello de La Plata. La mayoría de las bandas que participan son de allá.

¿Y cómo lo pensaste el tema, conocías la historia de El Eternauta?
Lo había leído en el secundario pero no me acordaba bien, y justo Marcos me lo regaló para Navidad. Obviamente me tiraba para hacer algo oscuro, más bien denso, no un tema muy pop. Entonces empecé a cranear una música que pudiera ir para ese lado, pero… no se me ocurría nada. Hasta que me acordé que tenía una canción, que ya había hecho toda la armonía pero me faltaba cerrar el final y no tenía la letra. Me dije “ésta tiene que ser” y la terminé, le agregué una cosita que me gustó, y ahí vino la parte difícil, que era hacer la letra. No me salía.

Es que es muy difícil componer así. ¿Por dónde lo trataste de agarrar?
Y, agarré el libro y lo leí de punta a punta, y empecé a buscar una frase que me gustara y me costaba… Es una historia de ciencia ficción: tenés para tratar el futurismo, toda la cuestión política, las relaciones sociales que se dan entre los sobrevivientes... había un montón de temas. Y entre ellos estaba la historia de Juan Salvo y su familia, su esposa, hay una historia de amor ahí. Y me gustó eso, lo que pensé fue que al estar tácito que sería una canción sobre El Eternauta, al estar en el contexto del disco, no tenía que decir en la letra nada directo al respecto, porque el que escucha el disco ya lo sabe. Entonces, me centré en la historia de Juan Salvo y la esposa y me di cuenta que el móvil de El Eternauta es el amor, todo el tiempo lo que a él le interesa es salvar a su familia, no a la humanidad.
Y la letra es una carta de él para ella: están los dos perdidos en el tiempo y él le escribe. El tema se llama Quien te ama, te odia...

Me gustó lo que dijiste, que lo tenías ahí guardado sin letra. Para componer, ¿tenés un método o sale lo que sale?
No tengo un único método... Digamos que de todos los métodos que tengo, el no-método es a su vez todos los métodos al mismo tiempo... Pero uno que repito bastante es hacer la música y la melodía primero, y canto una letra en inglés encima pero sin sentido.

¡Eso lo hacen muchos músicos!
Creo que lo hacían (o hacen) Charly, Fito... le dicen wareschol.

Litto lo hace también, ¡y lo hacía Ricky Espinosa!
Mirá vos, no sabía. Después, lo que hago, como me termino enamorando de la fonética le busco palabras que queden ahí. Por ejemplo, en Donde el ladrillo yo cantaba “Could ever want me / would ever want me / my tears fell down / don’t let me crying anymore” (Canta el tema). Y después pasó a ser “Si vienen por mí / por mí / aquí no es real / donde el ladrillo se hizo amor”. Reemplazando, “Don’t let” pasó a ser “Donde” (risas). Y así hice con varias canciones, Entre el mar y el sol también salió así, era This is much to you, y después decía “my love” que sí lo pasé como “mi amor”… a veces termino dejando algunas cosas traducidas.
Pero de repente, con Días de sal, me puse a tocar una canción y salió toda la estructura y letra de un tirón. En el momento, me dije “le pongo una letra cualquiera así la termino de anotar y después la cambio”. Me fui a comer, volví, la toqué un poco y me fui a dormir. Al otro día la agarré para hacerle la letra, pero no pude porque me encantó cómo estaba. Y listo, quedó así. (Sólo jugar) también salió así, había empezado con una cosa en inglés pero no duró nada.

¿Nunca se te dio por dejarlas en inglés, o divagabas demasiado?
No, no. Tengo una canción que dejé en inglés pero no me gusta, prefiero resignar que quede mejor fonéticamente en inglés a mi entender, pero la letras van en castellano...

Te lo pregunto porque es tentador, me imagino a Donde el ladrillo en inglés y sonaría muy bien.
Sí, Dos partes también; quedaba re country cuando lo tocaba así. (Canta: “Just when I found two pieces / of my broken heart I found two letters…”).

Decía lo de las partes, lo de las cartas, la historia a veces termina quedando.
A mí lo que me pasa es que tengo mucho respeto por el inconsciente y si salió algo de determinada manera me gusta dejarlo tal cual. Si salió así, por algo es. Cuando uno dice una palabra, está eligiendo no decir todas las otras que existen, entonces por algo la dijiste, esa palabra importa, no es que la dijiste en vano. Para mí no existen las cosas sin sentido.
O sea, sí, la vida no tiene sentido, pero -una vez que eso ya lo aceptamos como supuesto que está ahí siempre-, todo lo que uno dice por algo es. Estaba en el inconsciente, ahí dentro tuyo, si no le das bola sos un gil, porque te estás perdiendo de algo re copado creo…

¿Y después le encontrás el significado a esa palabra, o queda ahí inconcluso y no te importa?
A veces sí, otras no tanto. El otro día vino alguien y me dijo “che, no entiendo nada -acentúa- pero me encantan las letras” (risas). Y yo le pregunté si era para tanto, a ese nivel de no entender nada, “¿tan herméticas son?”... “No entiendo nada, pero me encantan” (Más risas).
Pero está bien, ¡que cada uno haga la lectura que quiera, si es que quiere!

RAFAEL, PRIMEROS INDICIOS
¿Por qué Rafael? ¿Por el famoso “Niño”?
Eso me lleva al método que te contaba de la composición, porque también era una canción en inglés, Dear friend. Decía “Dear friend, comes out that door…” y después en el medio decía “Who really loves you? / Who really cares?”: Quién te acompaña / quién te entiende; eso quedó variado. Vino de ahí y me basé en esa fonética, pero bueno, Rafael fue un nombre que me gustó y cuando estaba haciendo la canción quería crear un personaje nuevo, en el primer disco está Galo y en éste Rafael, es su historia.

¿Hay un hilo en todos los temas, es él el protagonista siempre?
Esa es la interpretación que a mí me gusta: es el protagonista de todos los temas. Justo el año pasado estaba leyendo unas cosas y me agarré para hacer esta historia, de un género literario alemán que se llama Bildungsroman y se caracteriza porque hay un héroe o antihéroe que en cada capítulo atraviesa una situación distinta que lo hace crecer en su vida; y termina el último capítulo con mayor conciencia sobre sí mismo, se conoce a sí mismo a partir de todas las cosas que le tocaron vivir…

Y con Rafael pasa eso.
Claro, vi eso y pensé: éste es mi eje para armar la historia.

[Para la segunda parte, la deconstrucción de Rafael. Por otra parte, La Perla Irregular se estará presentando el viernes 17 de junio junto a Fotos del Otoño en El Especial, Av. Córdoba 4391].

Cinco discos enganchados

2011-05-30T14:40:00.000-03:00

Lo que dice el título es lo que le propongo a usted, lector. Escuchar estos cinco discos de manera consecutiva, descubrir -si no conoce- a estas bonitas agrupaciones locales y extranjeras y endulzar un poco el oído en colectivos, subtes, trenes...

Una banda argentina que hace rato me gusta, retorna al disco después de un tiempo con canciones simples y (siempre) acústicas decoradas por la labor de un piano mágico y letras dignas de un outsider simpaticón apodado Gori, que escribe de tipos que se esconden al otro lado del espejo del baño de casa, niñas que fantasean con marcianos y brindis por Brian Jones. Éste el concierto subacuático, no el de Charly, al menos por las constantes referencias al agua en las letras. El río de Fantasmagoria es un gran disco de canciones turbias y hace rato quería hablar de él, pero prefiero que lo escuchen y ustedes sean los que hablen...

Vemos aquí arriba la portada del disco de una banda yanqui, que como varias de su generación decide que su sexto álbum de estudio sea una gema más de eso que llamamos alt-country. Pasa de un disco conceptual y elaborado -The Hazards of love- a uno bien redondo, lleno de violines, hits y canciones de ésas que te ponen de excelente humor y que hacen gala de la buena simpleza, entre la amabilidad de Conor Oberst y la melancoalegría de nuestros queridos Wilco. The Decemberists, ellos son, se dan el lujo, para colmo, ¡de robarle un riff a los Redondos! (El que escuche lo mismo que yo, es un genio).

Los primeros dos se pasean por ese parque verde que solemos llamar "folk". Aquí, una banda de rock neozelaustraliana que hasta hace poco tiempo desconocía a pesar de tener mi edad (?), saca un disco que es más bien un racimo de temazos. Gracias a una nota del suplemento Radar los oí nombrar por primera vez, luego investigué algunas cosillas de su trayectoria, bajé el disco en cuestión y me deleité con sus perfectas canciones, algo lánguidas, con bellas melodías y con la típica melancolía anglo: esa que suena tan señorial y solemne como épica... ¡Parece que los Crowded House son algo así como los Beatles de Oceanía! Yo que ustedes les daría bola.

Pero después de la ronda cancionera quizá venga bien un reposo psicodélico y circense. Y qué mejor que estos locos del oeste y su indescriptible mundo de alegría, viajes fantásticos y melodías voladas. La Manzana Cromática Protoplasmática, señores, la banda argentina que mejor ha utilizado (al menos en los últimos años) los ingredientes necesarios para hacer de (y con) la psicodelia un mundo bello, insólito, armónico y contemplativo. Uno de esos famosos viajes de ida al que están invitados. Y eso que aún no los vi en vivo para terminar de enamorarme, aunque imagino que será pronto.

Y para cerrar, una banda con nombre (y que canta en) inglés que sin embargo es argentina, y nos deleita con suites de alta fidelidad, un cantante delicado -Duncan Toth, el hijo de Alfredo- y una cantidad infernal de músicos que decoran canciones íntimas pero grandilocuentes que merecen estar en alguna película de Disney, como mínimo. Otra grata sorpresa para quienes creen que no queda nada para ver en Buenos Aires. Agarrá la llave de la tapa y metete en la excelencia de estos pibes.

70

2011-05-24T16:45:00.007-03:00

Miro las fotos y veo: John Lennon, Mick Jagger, George Harrison, Patti Smith, Tom Verlaine, Joey Ramone, Moris, León Gieco, Charly García, Fito Páez, Neil Young, Stevie Wonder, Joni Mitchell, Nick Drake, Miguel Abuelo, Leonard Cohen, Mark Knopfler, Keith Richards, Jeff Tweedy, Paul McCartney, Cat Power, Litto Nebbia, David Bowie, Lou Reed, Luca Prodan, Eric Clapton, Jimi Hendrix, Graham Nash, Roger McGuinn, Roky Erickson, Joe Stummer, John Martyn, Roger Waters, Andrés Calamaro, Kurt Cobain, Jim Morrison, Eddie Vedder, Nico, Tom Petty, Javier Martínez, Jim James, T-Bone Burnett, Ron Wood, Robert Plant, PJ Harvey, Syd Barrett, Alex Chilton, Bruce Springsteen, Bono.

Y muchos, muchos más que se me pasan de largo, no hubieran sido lo mismo sin ésas fotos que ven también ustedes.

Pedir 70 años más quizá sea mucho, pero Dylan (viejito y todo) es una caja de sorpresas, quién nos dice...

Porque hay esss-peranza*

2011-05-16T23:20:00.003-03:00

"Man, yo te doy una guitarrita y vos solo, con tu voz y eso, haceme latir acá".
Luca Prodan.

Dios, si es que existe, bendiga a los Fleet Foxes.

Con una sola vez de play, su nuevo disco logra lo que el primero. Es decir, hipnotizar, introducir al oyente en un mundo inconsciente al que no se suele llegar, tocar las partes sensibles del oído. Emocionar, le dicen. Estos pibes logran con una facilidad pasmosa lo que pide Luca Prodan en su frase de más arriba, mediante una simpleza que en el fondo no es tal: por empezar son voces maravillosas y difíciles de conseguir -en especial en el mercado rockero-; por seguir, me parece que han logrado una síntesis de su estilo, una densidad, que es muy poco frecuente en la música actual (quizá esté siendo demasiado abarcativo). No me refiero a encontrar imitadores de lo que Fleet Foxes hace, sino a localizar un grupo que tenga tal consciencia y tal capacidad para, con tan sólo dos discos, marcar su propio territorio de manera categórica y eficaz.

Deseo que mantengan la inspiración por mucho tiempo: hace rato que una banda de rock -por ponerle un nombre a lo que hacen, o bien englobarlos dentro de una escena, maldito fetiche que nos han incrustado a la fuerza el de meter los productos en la bolsa del supermercado- no saca dos discos seguidos de tal magnitud. Magnitud, digo: Helplessness blues hace eso, te magnetiza, te atrapa y no te suelta más, es un disco natural en el sentido más puro de la palabra. Todo fluye, como agua cayendo de una cascada.
No hay tanto que explicar al respecto. Si suena, suena, sino no.

Canciones paganas para la multitud. Y nosotros decimos Amén.

* Guiño al fanático simpsoniano. Lamento si no miran Los Simpson. Y si no pueden leer esta letra, jódanse.

Sobre Barbieri y el jazz, sinónimos

2011-05-04T19:45:00.002-03:00

“Yo no soy argentino, soy internacional”.

Leandro Gato Barbieri -así, Gato, sin artículo adelante-, dejó el letargo y volvió a las raíces. Traducción para el desentendido: el músico argentino de jazz más reconocido en el mundo, pues si no es él pega en el palo, ha vuelto con un disco clásico y bello.

EL JAZZ Y QUIEN ESCRIBE
Mi relación con el jazz es, como decirlo, rara. Quizá rara sea una palabra que no termina de decir mucho, pero vamos a tratar de hacernos entender.
A pesar de ser un estudioso de la música en todos los sentidos, no puedo evitar con el género algunos prejuicios estúpidos que ya, casi, me termino de sacar de encima.
Por empezar, soy joven y, como todos sabemos (generalización número uno, ¡imposición del mundo globalizado!) el jazz es música para viejos: nosotros escuchamos rock. Error. Por seguir, el jazz es una música demasiado compleja, decir que te gusta es ser pretencioso y querer quedar bien: el jazz es una bobada que sirve para poner de fondo en los restós y que la gente no joda. Música para ricos, música difícil de entender, música que en el siglo XXI no queremos. No me vengan con eso de la libertad, es todo un verso. La libertad ni siquiera existe, es una invención del ser humano para tener esperanzas de algo en su miserable vida (y la esperanza es otro verso terrible, en fin).
Pero volvamos al jazz. Quien esto escribe, toca. Ejecuta un instrumento, digo. Musical. Y un día decide profundizar sus conocimientos, volar hacia otros territorios, cultivarse, abrir la cabeza y todas esas frases que se usan. Y llega, sí, claro, el jazz, quizá la música moderna más interesante para analizar y ejecutar, en especial para desarrollarse como armonizador e improvisante.

Y era jodido el jazz, nomás. Pero no tanto: el mundo trata de mostrarte cuán difíciles son las cosas para que consumas las que se comen más fácilmente. Por eso el tango murió unos años, porque era aburrido y -¡oh!, casualidad- para viejos, y el Club del Clan era en aquel entonces para los pibes piolas, para la buena juventud… no esa mersada de conventillo que cantaban viejos borrachos. (¿El “rock” de ahora será el Club del Clan de algo que estamos dejando olvidado en algún cajón?).
En fin… de a poco voy entrando en ese mundo, gracias a tipos como Miles Davis -y sí, es la puerta de entrada para todos de Kind of blue para acá-, Pat Metheny y Chet Baker, por citar a los tres artistas que más me agrada escuchar (tan sordo no soy). El universo jazzístico es complejo, inmenso e indefinible, pero a medida que te vas metiendo en él descubrís que, como en todo género, hay algunas pautas que se repiten.
A seguir nadando, entonces.

Pero volvamos a lo que les contaba en un principio. El sello Melopea publicó a fines del pasado año 2010 el nuevo álbum de Gato Barbieri, que se llama New York Meeting, y el pibe que escribe esto tuvo el gusto de hablar -no vamos a mentir, en verdad la cosa fue por mail- con Néstor Astarita, la batería del jazz argentino, y Litto Nebbia, productor del disco, cara visible y fundador de Melopea, más todo lo que ya saben. Primero voy a dejar que ellos cuenten un poco cómo fue el armado de este encuentro neoyorquino, después haré yo lo que pueda y me dejen mis míseras capacidades de análisis musical.

El cuarteto que grabó New York Meeting.

NEW YORK MEETING: EL PROYECTO
Todo lo que sucedió para que fuera posible el disco en el que Barbieri vuelve al jazz de impronta clásica surgió de la mente de Néstor Astarita, compañero inseparable de Gato en aquellos años sesenta de zapadas interminables en boliches como Jamaica, Jazz & Pop y Mr. Jazz, donde compartieron escenario con ilustres visitantes: Ella Fitzgerald, Stan Getz, Jim Hall y Hermeto Pascoal... Astarita guardó la idea en su cabeza de un buen tiempo a esta parte, y alcanzó con que se la contara a Litto Nebbia para que todo se pusiera en marcha. Las charlas de enlace Buenos Aires-New York comenzaron a ser frecuentes entre los viejos compañeros, y la idea fue prendiendo aunque era algo difícil de llevar a cabo. Los bocetos de lo que iba a ser surgieron por teléfono y los amigos prontamente conformaron un cuarteto que completan David Finck en contrabajo -“Pepe Oreja y uno de los más maravillosos contrabajistas con los que toqué”, según Astarita- y Carlos Franzetti, “un pianista divino”, tal como precisa Litto.
El repertorio lo fueron conformando Barbieri y Astarita: “En uno de los ensayos telefónicos que teníamos con Gato, en un momento me preguntó qué música quería incluir en el disco y yo le dije que en principio podíamos hacer la onda que hacíamos en Jamaica pero hoy, con alguna cosa nueva como por ejemplo Equinox (Coltrane) o Prepárense (Piazzolla), que eran dos temas que no tocábamos allá por los ’60”.
Como anécdota de la grabación, Néstor no dudó en destacar la antológica grabación del clásico de Coltrane, que así nos relata: “A pesar de que los temas son totalmente atemporales -y que son un pretexto para improvisar, como decía Baby López Furst- con respecto a Equinox se dio una cosa muy particular: cuando lo ‘pasamos’, yo comencé con un ritmo de milonguita muy sutil en los platillos a ver qué pasaba -forma que utilizaba mucho con el trío con Litto Nebbia - y Franzetti se prendió como loco y David también, ni lerdo ni dormido... imaginate Gato cuando escuchó esta base, con semejante línea melódica se prendió feliz a su juego con ese sonido de águila dueño de las alturas, ¡que cuando cantan se abren las montañas y el arco iris muestra todo su esplendor!”.
La grabación se llevó a cabo durante el mes de febrero del pasado año en los estudios Twilz Record de New Jersey, con Manfred Knoop como ingeniero. Astarita viajó para grabar en las sesiones y volvió con las tapes. A su regreso, junto a la dupla Mario Sobrino-Litto Nebbia se encargó de la mezcla final.
Litto asegura que es un honor poder ser parte de este proyecto, pues Melopea ya había editado en 2005 un excelente disco del hermano de Gato, Rubén, que incluía la banda sonora de la película El perseguidor (1962) -compuesta por el trompetista- y once piezas, diez de ellas versiones, extraídas de presentaciones radiales. En Radio auditions y El perseguidor participaba Gato, en los temas de la banda sonora del film que protagonizaba Silvio Renán. Pero, paradójicamente, New York Meeting es el primer álbum íntegramente suyo publicado por un sello nacional. Dice Litto: “Admiro desde muy jovencito a Gato, el único saxofonista argentino reconocido y súper respetado en el real mundo del jazz... por su sonido y su capacidad de improvisación. Ha grabado con Don Cherry, Carla Bley, Oliver Nelson y miles de la verdadera pesada. Empezó su verdadero reconocimiento cuando compuso para el film de Bernardo Bertolucci El Ultimo Tango en Paris, con Marlon Brando; además que desde los ‘80 ya desarrolló su carrera como solista a nivel internacional”.
Néstor retruca y pide, por favor, recalcar que “esto, sin duda alguna, fue gracias a Litto”.

NEW YORK MEETING: LO QUE SE ESCUCHA
El álbum arranca con ésa grata sorpresa que en parte cuenta más arriba Astarita: la milonguera adaptación que el cuarteto realiza sobre Equinox de Coltrane, donde la base conformada por Finck y Néstor abre el juego para el ingreso del saxo de Barbieri, que primero susurra la melodía, luego deja un espacio para que se liberen los otros tres nenes y para culminar arremete con esas notas profusas que paran los pelos. Sí, todo eso sucede apenas pasados los primeros dos minutos de comenzado New York Meeting.
Cuando comencé a meterme en esto del jazz, una de las cosas que me incomodaba era aquello de escuchar a cada uno hacer lo que se le antoje. Supongo que es algo difícil para todos los iniciados en el género acostumbrarse a ese vuelo, a la famosa libertad que presume el que sabe tocar y escuchar jazz. Si bien -en especial para quien lo ejecuta- esta bella música tiene sus pautas iniciales, a la hora del despegue llega un momento en que lo que escuchamos es la elevación de cuatro músicos, estudiosos y preparados, sí, pero mutando en el momento de la ejecución en entes decodificadores de algo oculto en su interior, algo profundo que quizá ni ellos comprendan. Pero mejor continuemos con el disco, me estoy yendo a lugares que no quiero.
El que sigue a Equinox quizá sea mi momento favorito: It’s over, el único tema compuesto por Gato, reversión de la pieza que componía el soundtrack de Last tango in Paris. Esta vez menos erótica y latina que la original -por cuestiones lógicas- termina de dejar en claro que aquí la línea del disco va por caminos más redondos... todo lo redondo que puede ser un cuarteto de jazz con un baterista tirando lo que tira Astarita a lo largo del track y del álbum. Quizá lo que más me guste sean los vaivenes rítmicos, podrían describirse incluso como emocionales, y el chirrido final del saxo termina de decir que sí, se terminó.
Pero recién estamos empezando, y el siguiente homenajeado es Ástor Piazzolla. Dejo sonar Prepárense y voy cayendo en la cuenta de que Barbieri va subiendo escalones entre tema y tema, y aquí llega a su momento de mayor estridencia sonora en el disco. Franzetti y Finck también se van animando más, y al momento de la zapada del contrabajista el laburo de ambos se me hace magnífico; no sé si quedarme con el soleador o con el rítmico acompañante.
Lo que sí sé es que ellos saben. Hacen lo que quieren, y lo que quieren suena bien.

Gato en Italia circa 1962. Al lado, con Baby López Furst y Astarita en Santa Fe circa ’60.

En Straight no chaser, Gato y Carlos dibujan la melodía juntos, mientras la base mantiene el tema casi a escondidas, para que se destaque. De a poco van jugándose más, y sí, zapan todos con destreza. Como dijo más arriba Astarita: “los temas son un pretexto para improvisar”.
Arranca, pegadita, la pieza de jazz que me más me moviliza. De todas las que escuché. (Y para tocar, también es genial). Blue in green. No les voy a pedir a los muchachos que mejoren la original pero sí les agradezco haber dejado fluir la música como lo hicieron. El protagonista excluyente es el piano de Franzetti, soltando la belleza de esa inolvidable melodía primero, y zapando luego. ¿Barbieri? ¡Brilla por ausencia!
Gato vuelve en el siguiente tema, para traernos el sosiego con Someday my Prince will come. Pero no se aguanta del todo y dispara sus notas al toque, para luego darle paso a un Franzetti que va a mil y cede el mando a David Finck para que todo repose y Astarita marque cuatro: a empezar de nuevo y poner las cosas como al principio, en un marco de reposo necesario para culminar.
“Ya que vamos a terminar, terminemos en serio”.
Quizá lo dijeron, quizá no. Pero quiero intuir o creerme que sí, que dejaron So what a lo último para dejar lo que quedaba, el último aliento, ahí grabado. Empieza el juego, casi al revoleo, con la batería y el piano. Pero para que empiece de veras So what, para que te des cuenta de que es, tiene que empezar la línea del contrabajo. Cabe aclarar para los desprevenidos que So what es un tema en apariencia simple en cuanto a lo armónico, con tan solo dos acordes, pero con una vuelta... ¡difícil de calcular! (Pruébenlo en sus casas). Comienza la famosa línea de contrabajo y así se interna Barbieri en este último vuelo, con sus sobreagudos y aquellas notas largas y agónicas. Por supuesto, todos zapan para despedirse, en algún momento se miran, imagino, vuelven a la base, y cuando el jazzman argentino más mundial mira a los otros y estira la nota final, al unísono dicen basta. Y los cuatro van juntos hacia esa unidad sonora que es difícil de apreciar en un comienzo, pero cuando te vas metiendo comienza a silbar.

Eso que los jazzistas viejos llaman la libertad.
Al final, no era verso.

Néstor Astarita y sus amigos tambores.

[BONUS TRACK: ANECDOTARIO]
Aproveché la bondad de Néstor para pedirle un par de anécdotas de su vida con Gato, y accedió gentil. Los dejo con él, que da al texto un gran cierre.

La boquilla: Tengo mi corazón lleno de momentos imborrables con Gato y Baby en toda mi feliz vida de músico de jazz. Cuando terminábamos de tocar en Jamaica íbamos a casa de Gato a escuchar a Miles y a Coltrane y Gato se ponía a modificar su boquilla del saxo, ya que antes de salir le había colocado un poco más de Poxipol 10 minutos y así se pasaba las horas buscando su columna de aire, poniendo, limando y tocando para probar. Por supuesto, un día la encontró...

Gato bromista: Gato era muy serio, despistado e introvertido, nunca hacía bromas. Lo más pesado que le vi hacer fue ponerse un calzoncillo a lunares enorme, ¡y bailar un tema de Coltrane con ritmo de rumbita!

Jazzista olvidadizo: Dentro de sus distracciones, creo la más grosa fue cuando se levantó a la mañana, se puso sus anteojos oscuros y su piloto azul ¾ y agarró el saxo... Entonces Michelle, su jazzera e inseparable mujer le dice 'Gato querido, ¿dónde vas?', y Gato le responde 'a… a… al ca… ca… canal querida'. '¡Bueno... entonces ponete los pantalones!'.

Tocar emocionado: Una musical. Una vez estábamos tocando en un recital al aire libre en Santa Fe -parecía un recital de Sandro de la gente que había- y en un momento Gato emite un sonido, una frase que me atravesó el corazón… no me lo pude bancar y me quebró, ¡no podía parar de llorar! Terminé tocando y llorando, fue muy hermoso poder sentir eso, creo que es un momento de éxtasis supremo que se lo deseo al mejor amigo músico.

No sé por qué...

2011-05-02T23:26:00.002-03:00

Pero hoy me encontré, casi de manera inconsciente, cantando este temita.
Digamos, entonces, que cualquier similitud con la realidad es pura coincidencia.

Queso ruso

Pasó de moda el Golfo, como todo, ¿viste vos?
Como tanta otra tristeza a la que te acostumbrás.
Ahora vas comprando perlas truchas sin chistar,
"calles inteligentes" alemanas para armar.

Y muchos marines de los mandarines
que cuidan por vos las puertas del nuevo cielo.

El bronceador "Charlotte" te cuida de la radiación,
rematan el electro de Elvis al morir.
Fijate de qué lado de la mecha te encontrás,
con tanto humo el bello fiero fuego no se ve

Y hay algo en vos que está empezando a asustarte...
cosas de hechicería desafortunada.

Quedate con el vuelto, mula de la enfermedad,
pobrete que sos tropa de la guita y chimpancé,
quedate esa petaca con saliva y nada más,
mordiéndote la lengua por poco me engañás.

Sentís la mosca joder detrás de la oreja
y chupás la fruta sin poder morderla.

Y hay muchos marines de los mandarines
que cuidan por vos las puertas del nuevo cielo...

El Instinto mío y el Color de esos Labios

2011-04-18T23:39:00.002-03:00

Dos semanas atrás.
Viene a tocar al país una banda extranjera de renombre, de ésas que la prensa nunca se cansa de elogiar y que no son muy conocidas por el gran público. Yo, lector-buceador-buscador de música nueva para mis oídos -de manera incesante y obsesiva- los tengo apenas escuchados: hace un par de años me bajé el disco At war with the mystics, no me pareció merecedor de tantos aplausos y lo(s) olvidé en algún rincón virtual. Sin embargo, sí vi por television, hace un buen tiempo también, un show de la banda en cuestión. Y me gustó mucho, por el color que le ponían al vivo, por contar con un cantante bastante freaky y una (puesta en) escena original. Ésa vez, la música me había gustado más, pero tampoco me había vuelto loco.

Volvamos al ahora más cercano.
Pasaron los días de enterarme que venían, se acercó la fecha del show y, sin saber del todo por qué, les di otra chance. Intuía que me perdía de algo, quizá. Me bajé Yoshimi battles the pink robots y me encantó/a. Ya sabía que en Groupon -esa página de descuentos en la que me anoté días después de enterarme que conseguías entradas para Ozzy a mitad de precio- te vendían el campo a 85 mangos, que es guita pero no son los 170 del principio. Y un 50 por ciento de descuento no está mal, nunca.

Vamos.
Y fuimos nomás. Y desde el día del show, excelente y lleno de elementos musicales -con ése costado pop súper directo, algo de electrónica, y una buena dosis de psicodelia/cuelgue- pero también visuales, humorísticos, sensoriales, fiesteros, payasescos y todo lo que quieran, no los dejé de escuchar. Me encontré con discos llenos de buenas y juguetonas canciones, en especial tres de ellos: Transmissions from the Satellite Heart, el citado Yoshimi... y el magnífico The soft bulletin.

El instinto me decía que me perdía de algo interesante y por suerte, me mandé conociendo a la banda de un modo más bien superficial. A veces, ir a buscar la experiencia antes de saber bien de qué trata trae sus frutos, y a los Flaming Lips todavía los estoy descubriendo. Pero empecé de la mejor manera.

Así me gusta, Turner

2011-04-11T19:12:00.000-03:00

El pibito de los Arctic Monkeys (le digo el pibito aunque sea unos días más viejo que yo) finalmente lo ha logrado. Después de años, como cinco, de notar en él algo interesante -me agrada como frontman, por ejemplo- sin que termine de cerrarme su música, Alex Turner se destapó con un bonito EP que contiene seis canciones susurradas con un desgano encantador, sencillitas y bien arregladas, ideales para el otoño que estamos comenzando por esta parte del mundo.

Imagino que ya lo habrán visto por todos lados pero de todas maneras, quería destacar este disquito de canciones que forman parte del soundtrack de la película Submarine porque nos muestra un costado más épico y menos furioso de un pibe que, por suerte, parece crecer con la mente abierta, la voz más clara y ganas de buscar nuevos senderos. A disfrutarlo.

Como quien no quiere la cosa...

2011-03-30T23:57:00.003-03:00

...Este bonito blog cumple cuatro años. Pasaron rápido, muy rápido, y cuando lo comencé no esperaba que durara tanto; mejor dicho: no lo imaginaba. Con algunas ausencias largas de mi parte, La música es del aire sigue flotando ahí, y permitiéndome honores como conocer -van por orden de aparición- a Flopa Lestani, Litto Nebbia, los chicos de La Perla Irregular, Fede Cabral y los que vendrán -ya hay un par de músicos en carpeta-, además de esos visitantes ilustres, los lectores que comentan lo que uno escribe y los que no se animan también. Entre ellos hay varios amigos virtuales, unidos por la belleza de algo intangible y abstracto que no podemos dejar de amar, la música.

No tengo ni a los Beatles ni a las minitas de Hendrix para soplar las velas, pero no me quejo. Tengo a la música, y mientras siga flotando ahí, me alcanza.

Salud.

35

2011-03-24T20:22:00.000-03:00

– ¿Qué sienten al oír a alguien decir “cortémosla con la dictadura”?

– A veces te cruzás con gente que lo dice. ¿Qué quieren? ¿Que me olvide de que mataron a mi papá? Lanata ha dicho que tiene las pelotas llenas de que hablen de la dictadura. Que me disculpe, pero que le revienten las pelotas: que piense en todos nosotros. Es como que yo te diga que tengo las pelotas llenas de que vos me hables de que perdiste a tu viejo. ¿No tenés corazón? Si decís eso, sos un hijo de puta.

Gastón Gonçalvez de los Pericos en el Suple No.

Conclusión boliviana

2011-03-01T00:18:00.001-03:00

"Marge, creo que amo a Jaime Roos".

CARTA A POSTE RESTANTE

Franca, Franca ¿dónde andás en Navidades?
El altiplano te robó.
La flor que me has enviado de Coroico
con los días marchitó.

Tus polleras se entreveran,
se entreveran en mi cabecera,
Y tus pañuelos de seda,
banderines de las carreteras...

Franca, Franca ¿dónde andás en Navidades?
¿Qué jardín te hipnotizó?
Mis líneas esperan en Poste Restante
tu posible migración.

Los papeles que se vuelan,
que se vuelan desde mi ventana...
Y el cartero no aparece,
no aparece y se fue la mañana.

Para pasar el verano, vol. 3

2011-01-27T00:14:00.001-03:00

Un disco que se presenta solo. Prometí ser breve y conciso en esta seguidilla veraniega (titulada horriblemente) y así será: con ustedes, los fundadores del folk-rock, el power-pop y todos esos subgéneros divinos; los mejores versionadores de Bob Dylan -¡por lejos!-; las otras voces geniales de una época llena de grandes voces; esa brillante guitarra de doce cuerdas de Roger McGuinn, que todavía era Jim en 1965; y para los desprevenidos... un cover de Charly García (todavía hay gente que no lo sabe). Los Pájaros con Y griega, capos de la canción, ideales para este calor que tira para abajo.

Para pasar el verano, vol. 2

2011-01-20T00:30:00.001-03:00

No sé si este disco es precisamente veraniego, pero sí es muy enérgico y por eso lo quiero acá.

Sergio Rotman es un tipo indescifrable para mí. Su reaparición figuretti en los Cadillacs no me cayó simpática, las veces que lo leí o escuché en entrevistas lo noté entre nervioso y soberbio, y su siempre alto perfil me resulta irritante... pero a la vez, no dejo de reconocerle sobrados méritos: no para de hacer cosas, es inquieto -en 2010 protagonizó la grabación de tres discos-, y como compositor, escribidor y ejecutante del tipo de rock que nos presenta con El Siempreterno, es casi infalible (ya lo había demostrado con Cienfuegos). En este nuevo proyecto lo acompañan su mujer Midnerely Mimi Maura Acevedo, Ariel Minimal con su filosa guitarra, y el Ruso Sánchez y Fernando Ricciardi como base.

¿De qué se trata este Siempreterno? Media hora de energía punk y corrosiva, donde no falta ni sobra nada. El álbum te deja sin aliento y pasa como una ráfaga, pero justo cuando no querés probar más de ese veneno: es suficiente la exacta dosis que se ofrece. Los cinco integrantes parecen ser los intérpretes ideales -incluida Mimi en una faceta más rocker que dulzona, aunque cante los temas menos infecciosos, por así decir- para estos temas cortos, potentes y distorsionados, sin lugar a dudas de lo mejor que escuché del rock guitarrero argentino en el 010.
Destacados momentos: Rohypnol y Contradios. Prueben y cuenten (lo subo porque se consigue en muy pocas disquerías; el que puede, comprelo en los shows).

Para pasar el verano, vol. 1

2011-01-11T23:26:00.002-03:00

Hace rato que no subo algún disco por el placer de compartir música con ustedes (¿hay alguien ahí?). Por ello, para este verano (me y) les propongo ser breve, actualizar más seguido e ir al grano. Sólo me voy a dedicar a recomendarles discos para pasar el calorcito como se debe: con buena música que lo acompañe.

Para arrancar elegí uno de los grandes discos ocultos de esa fuente inagotable de la cultura popular llamada años '60, quizá uno de los tesoros mejor ocultos de la historia de la música pop: The Millennium, un supergrupo de tipos que aquí no juna nadie pero en otros lares marcaron época, como Curt Boettcher. No quiero decir mucho del disco -que fue debut y despedida- para no arruinarles la conmoción de escucharlo, pero sí los obligo (?) a hacerlo porque los hará caer de trasero. Y cuando se vuelvan a parar los tirará de vuelta y así sucesivamente. Si eso no sucede, me dedico a otra cosa.

Salud y feliz año a todos, se va la primera.

Escuchar a un Ruiseñor

2010-12-17T17:44:00.003-03:00

"Su canto es, para muchos, el más espléndido de los que puede emitir un pájaro. Tiene una melodía musical, variada y potente, ascendente y descendente; se oye incluso en lo más cerrado de la noche. Más tarde, en mayo, el ruiseñor canta noche y día, con especial brío en los crepúsculos matutino y vespertino. (...) Cuando un ruiseñor dotado de unas cualidades canoras excepcionales deja oír su voz en una zona determinada, automáticamente mejora el nivel de canto de los ruiseñores de aquel ambiente. Al revés, cuando muere el mejor de los cantores, la nueva generación pierde calidad. En el este y en el sur existen ruiseñores muy activos pero de escaso arte canoro; en algunos lugares sólo saben una canción monótona, que interpretan, eso sí, con extraordinaria potencia".
(Texto extraído de webislam.com).

Una voz clara como el agua, como hace tiempo no escuchaba: imagino que a Andrés Ruiz le interesa que se escuche bien lo que dice.
Esto fue lo primero que me sorprendió de Ruiseñor, su cuarto álbum como solista.

Veamos. Andrés me entregó el disco en mano hace un tiempo, en un encuentro casual pero agradable en el cual le conté que hacía un blog y que a él lo conocía de nombre, de vista y como integrante de Compañero Asma, aunque no tenía escuchada su música (pequeñísimo detalle, convengamos). Charlamos un rato y me contó que Ruiseñor es su disco más cancionero, que sus otras producciones destacan por tener obsesiones musicales cercanas a lo progresivo pero a la larga lo que le interesa es, efectivamente, hacer buenas canciones (espero no estar mintiendo en lo que afirmo que me dijo).

Pues bien, de aquel encuentro a hoy ya pasó un tiempo, tiempo suficiente para que Ruiseñor se posicione en mi “discografía 2010” como uno de los títulos destacados. Canciones redondas pero con sus toques -la búsqueda de una vuelta de rosca, más que nada en las armonías- para que sean eso, muy buenas canciones, mas no piezas completamente digeribles a la primera escucha. Lo que es seguro: si no te avisan que el autor de este disco acarició y curtió al rock progresivo con anterioridad, es imposible imaginar que este tipo que hace un disco de doce canciones en 33 minutos era eso. ¿Volverá a serlo?

Sin dudas, Ruiz presenta un disco cerebral e íntimo, ambivalente. De traje alegre y relajado, como sucede en Los atletas, donde la música encubre una letra lúgubre con más de un verso violento -“los atletas miran fijo a su rival, un par de huesos rotos no vendrían mal”-; de desolación en la magnífica 29 inviernos, donde Andrés ruega a una dama que le dé valor; y con la voz de Litto Nebbia en un dúo vocal que da grandes resultados para la melancolía de El bosque de los años, de cabeza al top ten de canciones de 2010. Sorprenden las constantes citas al mar, a los animales y a la niñez a lo largo de las letras del álbum. Se lo consultaré al autor en el futuro.

¿Lúgubres, desoladas, melancólicas? Sí, las canciones de este Andrés Ruiz parecen ser así... sin embargo, la total escucha del disco deja un sabor dulce: el famoso sabor de las buenas canciones -bien hechas y bien ejecutadas-, que es lo que importa.

[Acá les dejo un par de guías para su música, me parece más interesante eso que describir tanto:
- Tres temas para bajar (no subo el disco completo aun porque es muy reciente, no se consigue en la web y don Ruiz es independiente).
- Andrés en Facebook, myspace y blog. Y su página oficial.]

Para bajar

2010-11-30T23:42:00.001-03:00

Llueve, me senté con más de media hora de tiempo (?) en la computadora -y sin tener que trabajar con ella- pero no es suficiente para que me salga escribir algo mínimamente productivo o interesante. Conclusión: ayuden ustedes.

Se necesitan discos para reposar, descansar, estirar las patas, relajarse... e incluso, discos para poner de fondo hasta quedarse dormido.

Se escuchan sugerencias y se acepta cualquier género (por supuesto, que permita lo que pido arriba).

Salud.

Lo que nos ocupa es esa abuela

2010-11-16T13:28:00.000-03:00

“Me asombra McCartney. Posiblemente sea el único tipo que me asombra. Puede hacerlo todo y nunca afloja. Tiene un don innato para las melodías, puede tocar cualquier instrumento. Puede chillar y gritar tan bien como nadie, y canta baladas tan bien como nadie. Y sus melodías brotan sin esfuerzo; eso es lo que debe asombrarte. Todo lo hace sin transpirar. Me gustaría que se retire (risas). Todo lo que sale de su boca está enmarcado en melodía”.

Bob Dylan, 2007.

A esta altura no me siento capaz de decir nada nuevo. Pero no importa, lo intentaré.

El pasado jueves vi a Paul. El pasado jueves es de esos días –no fue, es, siempre te acompañan- en los que sentís –cúbranse con el escudo, está al caer una frase común- estar en el momento justo y el lugar exacto. La expectativa me había tenido ansioso todo el día, mirando el reloj como un idiota cada 30 segundos, sabiendo que no habían pasado más de… 30 segundos. Como cuando sacás número en un negocio, ves que tenés el 100 y van por el 00, pero a cada cambio de número mirás el tuyo pensando que va a ser el 01 (y así con todos los números). Impaciencia le dicen, ganas de que algo que sabés va a ser verdaderamente emocionante, al fin suceda.

No sé quién tuvo la brillante idea de poner un video que componía una especie de collage de fotos y videos de Paul, Beatles y los ’60: esos 15 minutos antes de que salga el maestro fueron insoportables, de los más insufribles que viví en la previa de un recital.

Siempre defendí a Paul. De los cuatro Beatles es el mejor músico: el más completo, el que toca cualquier instrumento, casi cualquier cosa que le tiren –si le tirás una sandía, la rasga y le saca un Sol mayor; después como buen vegetariano, se la come (la sandía, che)-; el que tiene más caudal de voz; el mejor compositor, al menos armónicamente hablando (las melodías ya son algo mucho más discutible).

Ese aspecto de pastor evangélico que mantuvo con hidalguía durante, sí, ya como cincuenta años de carrera, a veces nos hace pensar que es un gil. Que sea vegetariano lo vuelve más loser; que esté siempre de excelente humor lo vuelve el beatle ñoño. Y así con todo. Para colmo, en vivo te hace acordar a Carlitos Balá, tira frases como “ustedes son buena onda” –que me llevó a una conexión directa con aquel capítulo de los Simpson sobre la no buena onda de Marge- y por apariencia, podría ser tranquilamente la abuela de varios de los presentes: “Mi amor, te presento a mi abuela Paula” (?).

En cambio, esta abuela es una leyenda viva que aparece de la nada y abre su show con el tema con más variantes y a la vez menos letra de los Beatles. Y ya con eso creemos que nos alcanza aunque sepamos que va a venir mucho más.

Paul McCartney, quizá el tipo vivo más versionado por sus colegas músicos, el viejo flaquito que te canta temas que compuso en 1962 en su tonalidad original y sin alterar la melodía, es a la vez el beatle más vilipendiado, acusado de blando y de careta (recordar la frase de Ariel Minimal). Pero toca Yesterday, una canción que hemos escuchado 8 mil millones de veces y creemos ha sido ya vaciada de contenido y no tiene sentido escuchar, ya hasta la pasamos en los discos y la creemos menor al lado de otras de su repertorio... y te encontrás con que el jueves 11 de noviembre te la toca solito en la cancha de River, y Yesterday, por supuesto, te emociona. Y en el fondo no sorprende tanto porque hay en Beatles una perfección, una redondez que aborda al presente de manera tan certera, que siempre es eso: presente, hoy y mañana. Las canciones de Paul y las de los demás Beatles, van a sonar por siempre exactas al y en el momento que suenen.

Y el jueves era eso, esperar momentos Beatles, a qué mentir. Aunque Let me roll it todavía me sigue resonando, aunque Highway estuvo bárbaro, Bluebird fue tierna y Live and let die ya saben... uno quería Helter skelter, Day tripper, Something, A day in the life –uno de mis momentos favoritos, poco resaltado en las crónicas- y la coda de Hey Jude. Ob-la-di, Ob-la-da sabíamos que nos la íbamos a tener que bancar y así fue, aunque la esperanza de que no la toque duró unos segundos. Pero qué importa algún pequeño detalle, fue Paul, es la mitad de esa famosa firma "Lennon/McCartney" y allí lo vimos –algo lejano, pues uno no es un millonario que pueda pagar de a miles- lo escuchamos y lo sentimos. Durante casi tres horas, Paul fue... la conciencia que regula al mundo.

Esa abuela, nada menos.

(Nota: Las fotos las saqué de Taringa! y son del miércoles, no del jueves, día en que asistí).

Charlas con músicos: Fede Cabral (pt. 2)

2010-11-08T00:00:00.007-03:00

Segunda y última parte de la charla con Fede Cabral. Un poco de todo y muy interesante: sus proyectos paralelos a Sancamaleon, Cromañón y la ardua tarea de arreglar fechas, trabajos paralelos, gustos personales... y esas preguntas pavotas que dejo para el final y me encanta hacer. Disfrútenlo.

(Y si alguien pasó de largo, se distrajo o cometió el simple pecado de no leer, aquí está la primera parte de nuestra charla).

SHOWS, CROMAÑON, CHABÁN

¿Cómo está la situación para tocar? En Buenos Aires hay cada vez menos lugares...
Es difícil. Queda reducido todo a lugares como La Trastienda o Niceto, que tampoco es que los reventamos de gente, entonces no es tan fácil hacerlo. Además no es sencillo conseguir fecha en esos lugares.
Después me parece que depende mucho de cada banda, hay que ser creativo en ese sentido, saber moverse y encontrar los momentos para hacer las cosas... y hay que escuchar los dos lados de la campana. En Ultra el otro día me contaban: “mirá, nosotros hicimos por mucho tiempo fechas gratis, pagándole un viático a las bandas para que toquen, y venían un montón de bandas que no hacían publicidad y no venía nadie”. Entonces, también hay mucho de eso. Y hay que moverse porque hay de todo: está el bolichero rata, asqueroso, pero también el músico más colgado que no se pone las pilas. Siempre fue difícil acá en Buenos Aires, aunque antes de Cromañón no tanto.

Ustedes fueron los últimos en tocar en Cemento, ¿tocaron por esa fecha, no?
El mismo día de Cromañón.

Es increíble la coincidencia, porque de alguna manera ese día fue la muerte de buena parte del under. ¿Con Chabán tenían buena onda?
Sí, aunque nosotros no teníamos mucho trato, más tenía el manager de ese momento. Un tipo muy particular, siempre quiso destacarse, muy eléctrico. No te puedo decir que tenía una relación con él, pero nos daba la oportunidad de tocar. Es muy difícil, es tan complejo todo, pensás en Cromañón, en las culpas... y la culpa de de todos, porque Chabán se mandó una cagada grande pero era como se manejaba todo en ese momento. El público de la banda también... es el resultado de toda la desidia argentina. Es muy difícil de abarcar.
Y ahora la situación está difícil pero hay que encontrarle la vuelta.

EL LABURO

¿Ustedes tienen todos trabajos paralelos a la banda? ¿No viven de ella?
Sí, tenemos todos laburos paralelos, ¡definitivamente no vivimos de la banda! (risas).

¿Das clases de canto, seguís con eso?
Ahora no, ahora estoy metido en producir a otros artistas, en la producción artística. A veces me llaman bandas que van a grabar y quieren una pre-producción de voces. Cosas así. Y también he hecho un par de canciones para publicidades.

¿Alguna famosa?
No, creo que no, hice varias para afuera. Por ejemplo, mi hermano hizo un comercial para Sony el año pasado, y tiene música de un montón de gente: Dylan, Chemical Brothers... y entre esos temas metí una canción mía que tiene un charango, una cosa íntima, y estuvo buenísimo. Después sale de todo un poco. Todos los demás también tienen trabajo, la banda es más un hobbie, aunque también sea un laburo...

LOS OTROS PROYECTOS

¿Qué proyectos paralelos tienen los miembros de Sancamaleon?
Yo tengo dos proyectos aparte de Sancamaleon. Uno es La Peña Pop, un espectáculo acústico que empezamos a hacer a fines del año pasado con Goy de Karamelo Santo, Charlie Desidney -ambos produjeron Polenta- y Manu Espinosa, un cantautor patagónico. Empezamos tocando acá en el GueBara haciendo un show por semana y ahora estamos grabando el primer disco. Nos juntamos los cuatro para hacer temas de los cuatro, versionados, entonces le pusimos La Peña Pop. Yo ahí toco el charango, en un plan charango Pink Floyd: le pongo delay, más colgado, no folklórico sino más acústico, con percusiones y un toque experimental. Empezamos a hacerlo y estuvimos ocho meses tocando todos los martes en el GueBara. Y dijimos “bueno, vamos a hacer el disco”. Y lo estamos haciendo.

¿Cómo no me enteré de eso? Mirá que leo cosas...
Y, no sé... (Risas). Fue una cosa muy barrial, de acá de San Telmo.

Claro, y Goy está acá en La Boca.
Claro. Ahora se fue de Karamelo, tiene sus razones, venía hace muchos años haciéndolo, tiene un hijo... y esto es algo más chico y lo hacemos para desestresarnos: en vez de jugar al fútbol, tocamos. Se empezó a poner bueno y a tener peso propio, es muy diferente a lo que hago en Sanca. Estamos haciendo el disco y lo vamos a sacar por Tómalo o Déjalo.
Y el otro proyecto con el que estuve tocando bastante, sobre todo el año pasado -aunque hice algunos shows este año- es más en plan solista y se llama Los Aliados del Japón. Hay un video dando vueltas por ahí. También es un proyecto más colgado, más de canción, con otros músicos (ahí también toca el tecladista de Sancamaleon). Tiene temas más folk pero a la vez es medio espacial, Arcade Fire, Wilco, en ese plan. Con Los Aliados también quiero grabar un disco.

Sancamaleon tiene una apertura estilística importante, pero quizá ahora se enfocó más en un estilo y los temas que no entran ahí van a parar a los otros proyectos, ¿puede ser?
Probablemente sea así. Y un poco con este disco, con Afuera, se terminó de entender que somos una banda energética y que invita al baile. Con Polenta quisimos torcer un poco la historia y estuvo buenísimo hacerlo, pero a la gente cuando la confundís tanto como que no entiende nada.

¿Decís que no lo entendieron?
No sé si es que no lo entendieron... pero está bueno, al menos en mi mente, saber que la banda es arengadora, power y que genera baile. Y la parte más de cantautor o melancólica llevarla por otro lugar.

Por lo que decís, va a ser más probable a partir de ahora escuchar temas como Mi chica peruana en La Peña Pop que en Sancamaleon.
Claro, sí. Igual está bueno cuando todo se mezcla. Con La Peña Pop, por ejemplo, estamos haciendo una versión de Todos los caminos en plan Manu Chao, me gusta eso de agarrar un tema y que tenga versiones, que todo se empiece a mezclar en un punto. Obviamente, todos estos proyectos involucran a mucha gente y yo soy sólo una parte de eso, pero me parece que todo termina siendo una obra, que después lo ves y cierra.
Vamos a ver cómo se da todo, el mismo Diego tiene su proyecto, con el ex batero de Sanca, Nico, que ahora está tocando máquinas y demás. En algún momento estaría bueno que cada uno desarrolle eso, para sacarse las ganas de hacer otras cosas.

Eso está pasando con varios grupos ahora, que se forman de otros. Onda Vaga, Viajantes, Flopa Manza Minimal, Kumbia Queers.
Está bueno eso, es sano. Y con la tecnología que hay ahora se simplifica, podés grabar las cosas más rápido.

BONUS TRACK: GUSTOS Y CONSEJOS PARA NUEVOS OYENTES

Me nombraste a varios grupos, ¿qué música escuchás más? Imagino que por lo ecléctico de la banda deben tener gustos bastante distintos entre sí.
Sí, la verdad es que tenemos gustos muy distintos, aunque calculo que coincidimos en algunas cosas. Por ejemplo, para este disco coincidimos en que es un disco para bailar, con ciertos colores de toda la nueva ola de música pop/rock electrónica: MGMT, Hot Chip, M.I.A., esa oleada nos gusta, está logrado.
Yo escucho muchas cosas, tuve muchas etapas. Al trabajar en la música, a veces te ponés a escuchar la producción y esos detalles, pero cuando tengo que limpiar en casa me pongo un disco de dub, algo más abstracto, que me lleve a otro mundo. Ya no voy a poner un disco de Faith No More, que en su momento escuchaba mucho y es un bandón tremendo, estoy en otro momento, en otra sintonía. Los discos de Arcade Fire me gustaron mucho, son buenísimos. Y en estos últimos meses me hice muy fan de Gorillaz: Damon Albarn me gusta mucho, lo que hizo con The Good, the Bad and the Queen, es un discazo. Y me gusta eso de gente como él o Jack White, de tener varios proyectos.

¿Qué cinco discos salvarías de un incendio?
Y, seguramente alguno de los Beatles, ponele Revolver... Exodus de Bob Marley, alguno de... (Piensa).

Es tonta pero no tanto la pregunta. Se complica...
¡Se complica! Alguno de Charly también, pienso en Clics modernos o alguno de la época Say No More, me encantaba. Supongo que alguno de Cerati también, que me gusta mucho. Bocanada, o Amor amarillo que es un gran disco, muy despojado, hecho con una máquina de ritmos y una guitarra. Y Violator de Depeche Mode, la primera banda de la que fui fan.

¿Si alguien no conociera a la banda, qué tres canciones le mostrarías y por qué?
Pondría una de cada disco. Del primero, La venganza de la Pachamama, porque evidentemente es una canción que caló en la gente y que cuando la tocamos es cuando más se agita; después pondría Adiós, de Polenta, otra canción así clave...

Estás eligiendo los hits, justo lo que hablábamos antes.
Sí, es verdad. Y de este disco elegiría Todos los caminos. Con las tres canciones que te digo, mientras íbamos haciendo cada disco, sentí que eran de esas canciones clave como para pensar un disco. Es como tener un equipo de fútbol y tener a Riquelme entre los once, entonces sabés que a partir de él armás el equipo.

(Sancamaleón se estará presentando el 27 de noviembre en Tucumán y el 28 de diciembre en Salta. En tanto, La Peña Pop tocará todos los jueves que restan del año en el GueBara de San Telmo. Ya saben).

Update 10/11: los espíritus de Sancamaleon avisan que el show de festejo por los 10 años de la banda se traslada de Niceto al Salón Real (Sarmiento 1272), el jueves 16 de diciembre.

Con la camiseta puesta

2010-10-29T13:01:00.004-03:00

"La muerte prueba que la vida existe", dice la canción.

(Este blog es de música, pero hay cosas que no se dejan pasar de largo).